4 techniques de photographie du XIXe siècle à connaître

  Techniques photographiques du XIXe siècle





Avant l'invention de l'appareil photo, il y a environ 2000 ans, un précurseur appelé le pièce sombre était utilisé par les anciens Grecs et les Chinois. La camera obscura consistait en une pièce sombre avec un trou dans l’un de ses murs. Par ce trou, des images du monde extérieur étaient projetées sur le mur opposé. Lorsqu'en 1727, le professeur d'anatomie allemand Johann Heinrich Schulze confirma que l'assombrissement des sels d'argent était provoqué par la lumière, il contribua encore à l'invention du premier appareil photo. Le tout premier appareil photo a été fabriqué en 1826, après l’émergence de nombreuses techniques photographiques. Poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur les techniques photographiques du XIXe siècle.



1. Technique photographique la plus connue du XIXe siècle : le daguerréotype

  daguerre portrait daguerreotype
Une photographie daguerréotype de Louis-Jacques-Mandé Daguerre, 1844, via Wikipédia

En 1826, Joseph Nicéphore Niépce (1765 – 1833), parvient à prendre le premier développement photographier en utilisant une technique appelée héliographie. La méthode de l'héliographe consistait à tenir une camera obscura portable à côté d'une fenêtre, de manière à exposer une plaque d'étain recouverte de bitume ou d'asphalte, à la lumière du soleil. Après cette expérience réussie, Niépce entame une collaboration avec l'artiste et chimiste français Louis-Jaqcues-Mandé Daguerre (1787 – 1851). Daguerre a travaillé comme peintre de scène professionnel pour le théâtre, utilisant la technique de la chambre noire pour le dessin. Le fait qu’il s’intéresse à capturer des reflets l’a rapproché de Niépce.



Après la mort de Niépcé en 1833, Daguerre poursuit ses travaux en s’appuyant sur les premières expériences de Niépce. En 1839, Daguerre connaît une avancée décisive et développe une technique pionnière. Le Daguerréotype était né, tout comme le premier procédé photographique commercialement réussi. Daguerre a ensuite introduit la technique à l'Académie française et à l'Académie des Beaux-Arts. Cet événement fut plus tard appelé la naissance de la photographie.

  Photographie du 19e siècle Processus photographique du daguerréotype
Une explication visuelle de la technique photographique du Daguerréotype, inventée par Louis-Jaqcues-Mandé Daguerre en 1839. via My Modern Met



La technique du daguerréotype consistait en une feuille de cuivre argentée qui était d'abord polie jusqu'à ce que sa surface ressemble à un miroir. Une fois le polissage terminé, la plaque de cuivre a été conservée dans une pièce sombre, où elle a été exposée à des vapeurs d'iode, de brome et de chlore pour former une couche d'iode d'argent sensible à la lumière. La plaque serait ensuite placée dans l'appareil photo, après quoi elle serait exposée à la lumière pendant une période courte ou longue, selon la luminosité de la lumière. photographier était censé l'être. Plus l’exposition est longue, plus le résultat est léger.



Après l'exposition, la plaque a été retirée de l'appareil photo pour laisser l'image se développer en l'exposant à de la vapeur de mercure. Après le développement, la plaque était baignée dans une solution saline, qui éliminait le composé de développement. Pour protéger l'image, la plaque a ensuite été recouverte de chlore doré, avant d'être recouverte d'une feuille de verre et placée dans un cadre.



  Albert Southworth daguerréotyper la lettre
La lettre d'Albert Southworth, photographie daguerréotype, vers 1850, via la National Gallery of Art, Washington

La technique du daguerréotype présentait un inconvénient. Il ne pouvait produire qu’une seule copie d’une image. Faire des copies supplémentaires n’était pas possible. De plus, l’unique copie réalisée représentait une image miroir de la personne représentée. Un daguerréotypiste pourrait fixer un miroir ou un prisme réfléchissant devant la lentille pour obtenir le bon résultat de lecture. Pourtant, dans la pratique, cela n’était pas souvent le cas.



De plus, pour garantir que le résultat d'une photographie daguerréotype soit net à la fin d'une longue période d'exposition, il était important que la personne qui pose reste assise très immobile. Pour cette raison, certains daguerréotypistes utilisaient un outil de soutien de la tête, qui garantissait que la tête de la personne restait dans la même position. Cependant, étant donné que le Daguerréotype fut le premier succès commercial photographique technique, ces aspects de son processus ne constituaient que des inconvénients mineurs.

  vue de Samuel Bemis dans le dageuréotype du New Hampshire
Vue dans le New Hampshire par Samuel Bemis, photographie daguerréotype, 1840-41, via le Metropolitan Museum of Art, New York.

Outre Daguerre lui-même, un bon nombre de daguerréotypistes sont apparus dans les années 1840 et 1950. Parmi eux se trouvaient les Français André-Adolphe-Eugène Disderí et Jules Itier, le Suisse Johann Baptist Isenring, le Britannique Richard Beard, Antoine Claudet (un Français actif à Londres) et Thomas Richard Williams. Il y avait aussi un bon nombre de daguerréotypistes aux États-Unis. Parmi eux se trouvaient James Presley Ball, Samuel Bemis, Abraham Bogardus, Mathew Brady, Jeremiah Gurney, Albert Southworth, Augustus Washington et John Adams Whipple.

Dans la plupart des cas, ces daguerréotypistes travaillaient comme portraitistes, même si certains photographies de paysages et de villes. Wipple pratiquait même l'astrophotographie. Étant donné que les caméras Daguerréotype étaient grandes et que leur processus était long et coûteux, les sortir à l’extérieur n’était pas très pratique. Cependant, certains l’ont quand même fait et cela a donné de belles images.

  Daguerréotype de John Adams Whipple Moon
La Lune de John Adams Whipple, février 1852, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Enfin, le Daguerréotype a été remplacé par la technique de la plaque au collodion humide. Malgré le fait que de nombreux photographes se soient tournés vers des techniques plus récentes, certains ont continué à travailler avec le daguerréotype. Aujourd’hui encore, certains artistes expérimentent cette technique. Il s'agit notamment de Jerry Spagnoli, Adam Fuss, Patrick Bailly-Maître-Grand et Chuck Close.

2. Calotype

  portrait William Henry Fox Talbot calotype
Portrait de William Henry Fox Talbot par Jones Calvert Richard, vers 1845, calotype, via Victoria and Albert Museum, Londres

William Henry Fox Talbot (1800 – 1877) a fait ses études à Harrow et au Trinity College de Cambridge. Il a publié de nombreux articles dans les domaines des mathématiques, de l'astronomie et de la physique. Il a également travaillé comme chimiste, linguiste et archéologue. Il servit même brièvement au Parlement de 1833 à 1834, avant de se faire connaître pour sa technique photographique. En 1835, Talbot réalise son premier négatif photographique et écrit un article documentant cette découverte. Cependant, il abandonne en grande partie ses expérimentations et laisse son travail photographique intact pendant un certain temps.

Quelques années plus tard, Talbot reçoit des nouvelles du daguerréotype français, ce qui l'incite à poursuivre ses propres recherches. Heureusement, au cours de ses nouvelles expériences, Talbot a découvert que l'acide gallique chimique, provenant des galles et des écorces des arbres, augmentait la sensibilité du papier préparé et créait une image latente. En d’autres termes, une image latente est une image réalisée sur un film ou un papier photographique qui reste invisible jusqu’à ce qu’elle soit traitée chimiquement.

C'était le premier processus qui permettait aux photographes de créer un négatif, une image dans laquelle les nuances de lumière et d'obscurité étaient inversées, à partir de laquelle plusieurs tirages positifs pouvaient être réalisés. De plus, l’acide gallique accélère le processus de développement d’une heure à une minute. Talbot a nommé cette nouvelle invention le Calotype, en référence au mot grec signifiant belle photo . En 1841, Talbot a breveté le Calotype – parfois également appelé Talbotype – et a ensuite reçu une médaille de la British Royal Society en 1842 pour cela.

  Hill et Adamson portrait Webster marrable
Miss Jane Webster et Miss Marrable par Robert Adamson et David Octavius ​​Hill, vers 1843-48, calotype, via National Portrait Gallery, Londres

En ce qui concerne le processus technique, le processus de calotype comporte cinq étapes. La première consistait à ioder une feuille de papier de haute qualité en appliquant sur le papier, à la lueur d'une bougie, des solutions de nitrate d'argent et d'iodure de potassium photosensibles. En termes simples, le papier serait traité avec des solutions de certains sels et métaux. Après la première étape, le papier serait également lavé et séché, avant que sa surface ne soit sensibilisée par l'utilisation d'une autre solution chimique. La troisième étape consistait à placer la feuille de papier dans l’appareil photo et à l’exposer à la lumière.

Une fois l’image souhaitée capturée, le papier pouvait être retiré. Il était important de le badigeonner ensuite avec la même solution chimique sensibilisante pour faire ressortir l'image invisible à la densité souhaitée. Par la suite, le négatif développé serait rincé à l'eau puis lavé à nouveau avec une solution de bromure de potassium, avant de le mettre à sécher. Le lavage était important car il éliminait tout argent restant et fixait l'image.

Maintenant que le négatif était terminé, des tirages positifs de l'image pouvaient être réalisés en utilisant le procédé d'impression dit sur papier salé. Au cours de ce processus, le négatif translucide recouvrirait une nouvelle feuille de papier préparée, qui réagirait à la lumière. Cette feuille de papier était ensuite placée dans un cadre d'impression, qui était ensuite sorti à l'extérieur afin d'être exposé à la lumière. Par la suite, la lumière traverse les parties les plus claires du négatif, les rendant sombres dans l’image positive. Le résultat était une belle image aux couleurs sépia chaleureuses.

  Photographie du 19e siècle Portrait de groupe d'Adamson Hill
Miss Ellen Milne, Miss Mary Watson, Miss Watson, Miss Agnes Milne et Sarah Wilson par Robert Adamson et David Octavius ​​Hill, vers 1843-47, calotype, via National Galleries of Scotland, Édimbourg

Quelle que soit la flexibilité et la facilité avec lesquelles les photographies Calotype pouvaient être réalisées, cette technique ne remplaçait pas le Daguerréotype. La qualité de l'image du Calotype n'était pas aussi fine et nette que celle du Daguerréotype. La principale différence de qualité entre ces types de techniques photographiques était due à la différence de matériau du négatif. Dans un Calotype, la texture et les fibres du papier étaient visibles, ce qui rendait l'image légèrement granuleuse ou floue. Dans les photographies de daguerréotype, ce problème était moins problématique grâce à l'utilisation de feuilles de cuivre polies. Indépendamment de cela, le Calotype est resté populaire en Angleterre et en Europe continentale. Le Calotype n’était pas aussi populaire en France, pays natal de Daguerre, ni aux États-Unis.

  calotype d'église gratuit de Hill Adamson
La salle de l'Assemblée générale de l'Église libre d'Écosse pendant la construction avec le château et l'église de Tolbooth St John en arrière-plan par Robert Adamson et David Octavius ​​Hill, vers 1843-47, calotype, via National Galleries of Scotland, Édimbourg

Certains des calotypistes les plus connus étaient le photographe écossais Robert Adamson et le peintre paysagiste David Octavius ​​Hill. L’Écosse étant exemptée du brevet de Talbot, les gens pouvaient librement utiliser le Calotype ici. Le partenariat entre Hill et Adamson a été formé en 1843. Au cours de cette année, Hill a reçu une commande pour un portrait de groupe de plus de quatre cents ministres de l'Église libre d'Écosse. Parce qu'il y avait tellement de gens à peindre, Sir David Brewster, un médecin qui avait appris le processus de calotype auprès de Talbot lui-même, a suggéré la photographie à Hill. Hill a ensuite contacté Adamson et leur partenariat a commencé. En outre, ils ont photographié des ministres et de nombreuses autres personnes ainsi qu’un certain nombre de paysages urbains.

3. Le collodion à plaques humides

  Julia Margaret Cameron se sépare
La séparation de Sir Lancelot et de la reine Guenièvre par Julia Margaret Cameron, 1874, tirage à l'albumine argentique d'après un négatif au collodion, via Getty, Los Angeles

Le procédé photographique Wet Plate Collodion est souvent mentionné comme la technique qui a révolutionné la photographie. C’est l’anglais Frederick Scott Archer (1813-1857) qui développa le procédé en 1851. Archer était fils de boucher et il débuta sa propre carrière comme apprenti orfèvre à Londres. Cependant, il a fini par travailler comme portraitiste. Tout en réalisant des sculptures, Archer a commencé à utiliser la technique du Calotype. Cependant, Archer n'était pas satisfait du résultat des photos du Calotype, il a donc commencé à expérimenter une variété de solutions et de surfaces jusqu'à ce qu'il découvre le procédé Wet Plate Collodion.

  Photographie du 19e siècle Roger Fenton photographie de guerre
Major Edmund Gilling Hallewell par Roger Fenton, 1855, tirage albuminé à partir d'un négatif au collodion, via le New York Times

Le procédé au collodion humide impliquait l'ajout d'un iodure soluble (un sel) à une solution de collodion, constituée de nitrate de cellulose, un composé hautement inflammable. Ce mélange était ensuite déposé sur une plaque de verre avant d'être plongé dans du nitrate d'argent pour former de l'iodure d'argent. Etant donné que le nitrate d'argent crée une couche sensible à la lumière, ce trempage s'est produit dans une pièce sombre. Ce n’est qu’ainsi que la plaque resterait sous-développée. De plus, il était également important que la plaque soit encore humide lorsqu’elle était placée dans l’appareil photo et exposée à la lumière.

Une fois l'exposition terminée, la plaque de verre a été trempée dans de l'acide pyrogallique, une substance dérivée de l'acide gallique que Talbot a utilisé pour son Calotype. Enfin, l'image a été fixée par une solution de thiosulfate de sodium. Il était important de développer et de fixer immédiatement la plaque de verre traitée car après séchage du film de collodion, elle devenait imperméable et impénétrable par les solutions réactives.

  Photographie du 19e siècle Carleton Watkins Yosemite_
Tasayac, le Half Dome, 5 000 pieds, Yosemite de Carleton Watkins, 1861, tirage albuminé à partir d'un négatif au collodion, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Le résultat du processus décrit était un négatif qui pouvait ensuite être utilisé pour imprimer des positifs sur papier. Ce dernier se faisait principalement avec du papier albumine, inventé par le français Louis-Désiré Blanquart-Evrard en 1850. L'albumine (blanc d'œuf) était mélangé avec du chlorure d'ammonium et étalé sur une feuille de papier. Les photographes pouvaient acheter ce papier préfabriqué pour peu d'argent et le ranger facilement jusqu'à ce qu'ils soient prêts à l'utiliser. Lors de l'utilisation du papier, il leur suffisait de le sensibiliser avec du nitrate d'argent avant de le placer sur un négatif et de l'exposer. Les photographies collodiennes humides imprimées sur ce papier étaient également appelées épreuves à l'albumine argentique.

Archer a ensuite proposé une modification qui rendait le processus au collodion moins cher et encore plus simple. Au lieu d’imprimer des positifs, le négatif sous-exposé était recouvert de papier noir ou de velours pour lui donner un aspect positif. Cette modification est devenue connue sous le nom d’Ambrotype et était un style de photographie très populaire du milieu à la fin du XIXe siècle. Il en va de même pour une version du Wet Plate Collodion appelée Tintype ou Ferrotype, dont la base était en métal laqué noir au lieu de verre.

  portrait de natation sarah bernhardt
Portrait de Sarah Bernhardt par Félix Nadar, 1864, Tirage albuminé d'après négatif au collodion, via le magazine Vogue

En général, les photographies au collodion sur plaque humide étaient appréciées en raison de leur clarté et de leur richesse en détails. Ainsi, cette nouvelle technique combinait les meilleures caractéristiques du Daguerréotype et du Calotype : clarté et réplicabilité. L’inconvénient de cette technique était qu’une tente de chambre noire et un laboratoire portable étaient nécessaires pour la photographie en extérieur. Sinon, l’impression ne resterait pas sombre et humide. Cependant, indépendamment de cela, le Wet Plate Collodion a dominé le monde de la photographie pendant environ deux décennies. Il a été utilisé pour les portraits en ferrotype et dans l’industrie de l’imprimerie jusque dans les années 1900.

Le processus Wet Plate Collodion a donné des images magnifiquement claires, soit en noir et blanc, soit d'une couleur beige ou taupe douce. Quelques exemples de photographes bien connus du XIXe siècle utilisant la technique du collodion sur plaque humide sont le portraitiste anglais Julia Margaret Cameron , le photographe français Gustave le Gray, le photographe français Félix Nadar, le photographe de guerre civile et de paysages Timothy O'Sullivan, le photographe de paysages ouest-américains Carleton Watkins, le photographe de guerre britannique Roger Fenton et le portraitiste français Charles Nègre. La technique du collodion sur plaque humide a été utilisée pour plus de genres que le daguerréotype et le calotype. Au cours des années 1860, la photographie acquiert pour la première fois une fonction documentaire et journalistique.

4. Technique photographique du 19e siècle appelée Négatif en verre sur plaque sèche à la gélatine

  getrude kasebier art tu photographie du 19ème siècle
Tu es béni parmi les femmes de Gertrude Käsebier, 1899, tirage à la gélatine argentique, via Museum of Modern Art, New York

Le procédé Wet Plate Collodion impliquait l’utilisation de nombreux produits chimiques et nécessitait des conditions spécifiques pour réussir. Par exemple, la plaque de verre devait être conservée dans l’obscurité avant utilisation. Il devait également être mouillé lors de l’exposition à la lumière. Cela obligeait les photographes à travailler très vite. En réponse à ce que l’on pourrait appeler les inconvénients du procédé au Collodion, les années 1860 et 1870 ont vu se développer des expériences individuelles avec d’autres techniques photographiques possibles.

L'objectif principal de ces expériences était de trouver un substitut sec au collodion humide, qui permettrait de préparer les plaques longtemps à l'avance et de les développer longtemps après l'exposition. En retour, cela libérerait les photographes de la tâche de préparer leurs propres plaques et éliminerait le besoin d’une chambre noire portable. En 1871, le médecin anglais Richard Leach Maddox (1816-1902) eut l'idée de mettre en suspension du bromure d'argent dans une émulsion de gélatine. Une suggestion qui a constitué la clé du développement de la méthode Gelatine Dry-Plate.

  Alfred Stieglitz équivalent
Équivalent d'Alfred Stieglitz, 1926, tirage à la gélatine argentique, via le Metropolitan Museum of Art, New York.

Contrairement aux plaques humides au Collodion, la couche de bromure de gélatine sèche sur la plaque de verre, après quoi elle peut rester sèche pendant et après l'exposition. Pour les photographes, cela signifiait qu’ils pouvaient simplement insérer la plaque dans l’appareil photo pour prendre une photo, et qu’ils n’avaient ensuite pas besoin de traiter la plaque avec des produits chimiques. Le fait que les plaques sèches pouvaient être préparées à l'avance a conduit à l'introduction des plaques sèches produites en usine en 1878. Ces plaques de verre sèches étaient recouvertes de gélatine contenant des sels d'argent. Par la suite, les photographes purent acheter en gros ces plaques préparées dans le commerce. La production de masse est généralement devenue possible à partir des années 1850, grâce à l’industrialisation. La production de masse a rendu la photographie moins chère et donc accessible à un plus grand nombre de personnes.

De plus, les plaques de gélatine étaient soixante fois plus sensibles que les plaques au collodion. Ce dernier a accéléré le processus de prise de vue, ce qui a libéré l'appareil photo du trépied et permis la production d'appareils portables plus petits. L'appareil photo Kodak en est un bon exemple. Il a été introduit par George Eastman en 1888. Grâce aux appareils photo portatifs, les photographes peuvent désormais se déplacer plus librement, ce qui facilite la photographie de certains sujets et lieux. Les gens n’étaient plus nécessairement obligés de développer leurs propres négatifs. Kodak, par exemple, proposait un service de développement. Ils ont commercialisé leur service en utilisant le slogan : Vous appuyez sur le bouton, nous faisons le reste . Cela a conduit à l’essor de la photographie amateur. La technique de la plaque sèche est restée populaire jusqu'au début des années 1900.

  Edward Steichen petite soeur
Ma petite sœur d'Edward Steichen, 1895, tirage à la gélatine argentique, via Museum of Modern Art, New York

Le résultat de la technique Gelatine Dry-Plate comprenait des images avec une gamme tonale plus large et une qualité d’image améliorée. Généralement, les photos présentaient de belles et douces nuances de noir et blanc ou de sépia. Certains des photographes bien connus qui ont travaillé avec la technique de la gélatine sèche étaient Edward Steichen, Alfred Stieglitz, Gertrude Käsebier, Sarah Angelina Acland et le membre fondateur du mouvement photo-sécession Clarence Hudson White.

  Alfred Stieglitz, Rebecca Salsbury Strand
Rebecca Salsbury Strand d'Alfred Stieglitz, 1922, tirage à la gélatine argentique, via l'Art Institute of Chicago

Alors que les années 1860 ont vu l'essor des premières photographies documentaires et journalistiques, la photographie est devenue de plus en plus utilisée à des fins commerciales après l'invention de la technique de la gélatine sèche. Dans le même temps, la question de savoir si la photographie était ou non une forme d’art était également intensément débattue. En conséquence, le mouvement international appelé Pictorialisme a émergé vers la fin du XIXe siècle. Le pictorialisme représentait non seulement une certaine esthétique, mais formulait également quelques principes sur le rôle de la photographie en tant qu’art. Des pictorialistes comme Alfred Stieglitz pensaient que la photographie devait être comprise comme un véhicule d'expression personnelle aussi important que les autres. beaux-Arts .