Dan Flavin: Flaming Forerunner Of Minimalism Art

Vue d'installation de C'est ce que c'est, et ce n'est rien d'autre , Stuart Whipps, 2016, via Apollon

Un subtil point de fluorescence illumine l'héritage brillant de Dan Flavin. Peu d'artistes peuvent se vanter d'un dévouement indéfectible à un seul médium comme ce minimaliste new-yorkais, qui a expérimenté les installations ambiantes pendant toute sa carrière électrique. Sa biographie éclaire davantage sa pratique picturale.

La jeunesse de Dan Flavin

sans titre (à l'innovateur de Wheeling Peachblow ), Et Flavine, 1966, LACMA

Dan Flavin est natif de New York. Né dans un humble maison en Jamaïque, dans le Queens, pendant la Grande Dépression, il a grandi catholique conformément au statu quo de la banlieue. Flavin s'intéresse très tôt au dessin. Cependant, il trahit sa passion en 1947 en s'inscrivant dans un séminaire de Brooklyn à la demande de son père. Flavin y restera six ans avec son frère jumeau David. Bien qu'il n'ait jamais été officiellement ordonné, il a maintenu sa fascination pour le catholicisme. En particulier les costumes dramatiques, l'éclairage et les coutumes souvent associés aux messes funéraires. En 1953, Flavin quitte le séminaire pour rejoindre l'US Air Force. Il a été envoyé en Corée pour étudier la technologie météorologique. Puis, il a décidé de se consacrer à plein temps à l'histoire de l'art à son retour à New York.

Les premières installations de Dan Flavin

icône II ( le sang d'un martyr ), Dan Flavin, 1962, Fondation Judd

Flavin a fait irruption sur la scène artistique new-yorkaise en décrochant des petits boulots dans les plus grandes institutions culturelles de la ville. Il a travaillé dans le Guggenheim salle du courrier, et comme gardien à Le Musée d'Art Moderne, établir des liens bénéfiques pour assurer son succès futur. Au MoMa, Flavin a également rencontré sa femme Sonja Severdija en 1961, avec qui il construit ses premiers Icônes série. Rappelant une peinture en couches épaisses, les constructions en bois et en masonite fonctionnaient comme des reliefs muraux, garnis d'ampoules incandescentes et fluorescentes. Flavin a créé la série en huit parties tandis que Severdija l'a câblé électriquement. Icônes étaient en partie inspirés par son penchant pour le russe et grec Peintures d'icônes des églises orthodoxes, utilisant des moulages similaires de rouge, jaune et noir pour contraster un fond métallique doré. Ce faisant, Flavin visait à maintenir sa puissance spirituelle, reconceptualisant ses icônes pour s'aligner sur contemporain Culture.

La Diagonale du 25 mai 1963 (A Robert Rosenblum), Dan Flavin, 1963, Le Met Museum

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Pourtant Icônes était sa première exploration ambiante, Flavin a pris son envol en 1963 lorsqu'il a complètement éliminé la toile. Le 25 mai a marqué son tournant fatidique. Ce jour-là, il a saisi un tube fluorescent blanc, l'a fixé à un angle de 45 degrés et a créé une douce lueur désormais reconnue dans le monde entier comme sa sculpture de barre lumineuse. La Diagonale du 25 mai 1963 (à Robert Rosenblum) , a été salué comme une étape importante de l'art minimaliste, une percée utilitaire pour les âges. Faisant partie d'une série d'œuvres dédiées aux figures créatives phares, le luminaire ordinaire a caractérisé ses origines modestes à Brooklyn lors des premières expositions personnelles de l'artiste à New York, où le travail de Flavin a englouti les galeries dans une vague de phosphorescence. Aussi impermanentes que soient ses installations, le public s'attire vers Flavin comme des papillons vers une flamme. Son avenir artistique brillait tout aussi radieux.

Influences minimalistes dans le travail de Flavin

Le carré noir de Kazimir Malevitch , 1913, Tate Modern

Minimalisme est resté un genre assez émergent à l'époque où Dan Flavin a suscité le respect. Porté par des artistes comme Frank Stella dans les années 1960, le mouvement est souvent interprété comme une contre-révolution contre Expressionisme abstrait et modernisme. Le minimalisme privilégie plutôt les formes simplistes et une approche formelle et plus littérale de la création artistique. Le style incarne les tendances réductionnistes de l'art moderne. Cela remonte à l'époque où le leader de l'avant-garde russe Kasimir Malevitch a éclaboussé un carré noir uni sur un fond blanc et l'a proclamé chef-d'œuvre du nouvel âge. Contrairement aux supports minimalistes durables tels que l'acier, l'aluminium et le verre, les ampoules fluorescentes éphémères de Flavin ont marqué une rupture avec l'éthos contemporain. Non seulement ses tubes finiraient par brûler, mais son choix de la lumière transitoire comme sujet lui-même démontre sa déviation des normes artistiques. Évidemment, Dan Flavin marchait au rythme de ses propres pulsations picturales.

nominal trois (A Guillaume d'Ockham), Dan Flavin, 1963, Musée Reina Sofía

monument I pour V. Tatline , Dan Flavin, 1964, HE

Flavin a célébré deux expositions réussies en 1964. En mars, il affiche son Icône série à la Kaymar Gallery de SoHo lors d'un solo-show intitulé Un peu de lumière. Il a reçu une critique positive de son contemporain Donald Judd. Les deux minimalistes ont ensuite présenté une exposition personnelle à l'éphémère Green Gallery. Cette galerie a également été la première à exposer les mécanismes innovants de barre lumineuse de Flavin dans son exposition Lumière fluorescente , un canon radical d'appareils disponibles dans le commerce. D'autres œuvres comprenaient sa première pièce au sol côte à côte intitulée or, rose et rouge, rouge (1964), et le fameux Flavin nominal trois (À William d'Ockham) (1963) . Les deux étaient une succession de lampes fluorescentes lumineuses. En encadrant son espace architectural avec des diffusions de couleurs brillantes, Flavin a expérimenté un lieu comme un dispositif formel. Son art à cette époque met l'accent sur la fabrication des matériaux et des formes réduites. Il monte souvent ces installations dans le coin d'une pièce pour adoucir ses bords rectangulaires.

Constructivisme russe a jeté une base inspirante à suivre pour Flavin. Fortement influencé par les pionniers de l'ère soviétique tels que Vladimir Tatline, il admirait le concept constructiviste de l'art en tant que véhicule utilitaire, axé sur la créativité banale et la vérité tangible. Les matériaux ont dicté la forme d'une œuvre d'art, et non l'inverse, comme on le voit souvent dans les médias plus traditionnels. Qu'il s'agisse d'un moyen pour atteindre une fin ou d'une fin en soi, les constructivistes ont utilisé l'approvisionnement de masse pour capturer le dynamisme de la modernité, un produit changeant de leur société révolutionnaire. Flavin vénérait tellement le constructivisme qu'il a consacré près de quarante monument pièces à Tatline tout au long de sa carrière minimaliste. Ils étaient tous des variantes de Tatlin Monument à la Troisième Internationale (1920). Ses ampoules éphémères évoquaient le complexe en spirale de Tatline destiné à la propagande russe, conçu pour être plus haut que la grande Tour Eiffel. Bien que le complexe utopique de Tatline ne se soit jamais concrétisé, Flavin s'est particulièrement intéressé à son objectif d'unir l'art et la technologie éphémère.

Le succès de Flavin dans les années 1960

Sans titre (à S. M. avec toute l'admiration et l'amour que je peux ressentir et invoquer ), Dan Flavin, 1969, bibliothèques du MIT

Flavin a trinqué à son immense succès critique à la fin des années 1960. Il avait mûrement maîtrisé ses installations éclairées à la lampe, qu'il appelait alors simplement des situations. En 1966, sa première exposition internationale à Cologne s'avère une victoire historique pour Galerie Rudolph Zwirner , un précurseur de l'actuel empire de premier ordre de David Zwirner. En 1969, Flavin commémore une rétrospective complète au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa. Chacune de ses huit situations a inondé un espace de galerie entier, s'efforçant de produire une expérience globale pour le spectateur.

sans titre ( à toi, Heiner, avec admiration et affection ) , Dan Flavin, 1973, Balise DIA

Pour célébrer sa toute première rétrospective, Flavin a même testé de nouvelles théories innovantes pour créer une synthèse complexe d'éclairage d'ambiance et d'effets optiques. Sans titre (à SM avec toute l'admiration et l'amour que je peux ressentir et invoquer) (1969) jonchait un long couloir de 64 pieds de long avec des bulbes saillants de bleu bébé, rose, rouge et jaune, apparaissant comme un mirage lumineux. Entrer dans son aura mystique a certifié un événement transcendantal.

Nouvelles techniques utilisées par Flavin dans les années 1970

sans titre (à Jan et Ron Greenberg ), Dan Flavin, 1972-73, Guggenheim

Des techniques plus délicates se sont matérialisées dans le travail de Flavin dans les années 1970. Il a inventé le terme couloirs barrés pour décrire sa nouvelle expérimentation de recontextualisation de sculptures à grande échelle, conçues en relation avec leurs habitats respectifs. En 1973, Flavin monte sa première situation de couloir barré appelée sans titre (à Jan et Ron Greenberg) , construit pour une exposition personnelle au St. Louis Museum of Art. Cette barrière jaune et verte fluorescente s'est engagée avec son orientation spatiale pour obstruer la ligne de mire du spectateur, baignant la galerie dans un mélange de pigments d'un autre monde. Plus tard cette année-là, il est passé à une situation spécifique au site verte de 48 x 48 pouces appelée sans titre (à vous, Heiner, avec admiration et affection) , à l'affiche aujourd'hui à DIA Beacon. Les titres dédicatoires de Flavin révèlent également une couche de sa vie personnelle assez obscure, comme on le voit dans son 1981 sans titre (à ma chère chienne, Airily). La structure vertigineuse en forme de tunnel rendait hommage à son golden retriever bien-aimé.

L'Institut Dan Flavin

sans titre (à ma chère chienne, Airily ), Dan Flavin, 1981, WikiArt

Bien que sa carrière ait atteint de nouveaux sommets dans les années 1980, Flavin a commencé à souffrir de complications de santé dues à l'aggravation de son diabète. Prévoyant sa propre dégradation, l'artiste a pris des mesures préliminaires pour maintenir son héritage, qui comprenait l'achat d'une caserne de pompiers rénovée à Bridgehampton, New York, pour la convertir en un espace d'exposition. Ce n'est peut-être pas une coïncidence, si son nouveau bâtiment avait également des racines comme une ancienne église, fournissant à Flavin d'autant plus d'inspiration pour conserver ses idiosyncrasies d'origine. Il a peint son hall d'entrée en rouge camion de pompier et a déplacé un ensemble de portes d'église restaurées vers l'entrée d'une salle d'exposition, décorée d'autres accessoires religieux comme une croix au néon. La construction a duré environ cinq ans jusqu'en 1988, au cours de laquelle Flavin a inauguré sa nouvelle demeure permanente avec neuf œuvres qu'il a créées entre 1963 et 1981, dont son sans titre (à Robert, Joe et Michael). L'Institut Dan Flavin fonctionne encore aujourd'hui en tant que filiale de la DIA Art Foundation.

Comment Flavin a créé ses dernières installations

sans titre (à Tracy, pour célébrer l'amour d'une vie), Dan Flavin, 1992, Guggenheim

Dan Flavin a entrepris ses derniers projets dans les années 1990 alors que son diabète s'aggravait. En 1992, il accepte de créer une vaste situation lumineuse pour une nouvelle exposition au musée Guggenheim : une rampe à deux niveaux éclairée de vert, bleu, violet et orange scintillants. Avec cette spirale, Flavin a également commémoré son mariage avec sa seconde épouse Tracy Harris, qui a eu lieu sur place dans la rotonde du musée. sans titre (à Tracy, pour célébrer l'amour d'une vie) a honoré la dernière apparition publique très médiatisée de l'artiste, sinon un jubilé doux-amer.

sans titre, Dan Flavin, 1997, Fondation Prada

Après avoir subi une intervention chirurgicale intense pour amputer des parties de ses pieds, en 1996, Flavin ne pouvait que rassembler la force physique pour diriger sa dernière installation à grande échelle pour la Fondation Prada à Milan, en Italie. Flavin's sans titre a soigneusement fusionné la vocation de sa vie dans une petite chapelle chromatique, imprégnée de ses teintes emblématiques de lumières ultraviolettes vertes, roses et bleues. Sa dernière situation à l'église Santa Maria Annunziata s'est ouverte un an après sa mort prématurée en 1996.

Reconnaissance posthume de Dan Flavin

Au-delà de l'acclamation que Dan Flavin a subie au cours de sa vie, les médias sociaux l'ont maintenant élevé à une référence plus élevée en matière de célébrité. Après sa mort à la fin des années 1990, Flavin a connu un regain de popularité en raison de son exposition itinérante de 2004 Dan Flavin : Une rétrospective. De la National Gallery of Art de Washington DC au LACMA de Los Angeles, en passant par Munich, Paris et Londres, l'exposition présentait près de cinquante installations lumineuses et des croquis inédits. À sa conclusion en 2007, des plateformes en ligne populaires comme Twitter ont semé les graines d'Instagram, qui sert désormais l'une des plus grandes archives de fortune de Flavin. Peut-être que son retour parle d'un renouveau minimaliste vintage à l'âge du millénaire, ses installations désormais dédiées à des personnages vivants et morts. Ou peut-être indique-t-il une plus grande permanence paradoxale présente tout au long de son œuvre temporaire.

Les situations sans âge de Dan Flavin font appel aux traditions de l'histoire de l'art, à la politique contemporaine et aux religions anciennes pour révéler une persévérance au-delà des limites physiques. Le temps peut altérer la façon dont nous sondons ses installations fluorescentes, mais sa marque tangible reste assez indemne, imprimée dans nos mémoires collectives à première vue d'un luminaire ordinaire. Des décennies après sa mort, les téléspectateurs ont compris son travail au-delà du mouvement minimaliste auquel il était auparavant attribué, comme s'il existait dans un royaume éthéré qui lui était propre. Aujourd'hui, l'héritage culturel de Dan Flavin rayonne toujours vivement pour que toute l'humanité puisse s'y imprégner.