6 peintures effrayantes d'artistes célèbres qui vont vous choquer

Détail de Dante et Virgile par Willian-Adolphe Bouguereau, 1850 (à gauche) ; avec Le visage de la guerre de Salvador Dalí, 1940 (à droite)

C'est dans la nature humaine d'être fasciné par le macabre. Pour certaines personnes, les illustrations effrayantes sont une confrontation avec la réalité - un rappel que la vie n'est pas que des arcs-en-ciel et des licornes. Pour d'autres, ils sont un intérêt passionné, une obsession passionnante ou simplement quelque chose de fascinant à voir. Quelle que soit votre inclination, tout grand art mérite d'être débattu et loué. Ces peintures terriblement effrayantes d'artistes célèbres vous laisseront à la fois dérangés et émus par le sujet.

Pourquoi des artistes célèbres ont-ils créé des peintures effrayantes ?

Judith décapitant Holopherne par Artemisia Gentileschi , 1620, via les Galeries des Offices, Florence

Tout au long de l'histoire, les artistes ont dépeint le macabre dans l'art, explorant des thèmes tels que la mort, la violence et le surnaturel. Pendant l'Antiquité, les artistes ont utilisé leurs talents pour compter avec les thèmes de la mort et de la violence vus dans la vie et la guerre. Dans l'Europe Renaissance , l'art remettait en question l'idéologie chrétienne stricte et autoritaire. Dans l'Europe médiévale, l'art sombre était utilisé pour explorer les effets de la peste, allant du surnaturel au quotidien. l'art visuel moderne utilise des images dérangeantes pour confronter les vérités inconfortables de la société. Voici 6 tableaux effrayants qui montrent cette utilisation du macabre en eux.

6. Le visage de la guerre Par Salvador Dalí

Le visage de la guerre par Salvador Dalí , 1940, via le Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Bien qu'il soit classé #6, ce tableau n'est pas une simple mention honorable. En fait, plus vous examinez de près Le visage de la guerre , par le célèbre artiste et surréaliste peintre Salvador Dalí , plus ses détails horribles mais cruellement pointus se révèlent. Le tableau représente une tête désincarnée, sur fond de désert, avec un visage émacié - un peu comme un cadavre - attaqué par des serpents. Son expression est sombre et abandonnée, ce qui était l'intention de Dalí : montrer la laideur de la guerre. Dans la bouche et les orbites se trouvent des têtes identiques et à l'intérieur, se trouvent des têtes plus identiques, ce qui en fait cet aspect infini — autre concept plutôt déprimant.

Dalí a peint l'œuvre en Californie en 1940, et on pense qu'elle évoque davantage la guerre civile espagnole que la Deuxième Guerre mondiale . La couleur dominante est le marron, avec un ciel bleu-vert au loin. On peut dire que les nuances brunes représentent la guerre, tandis que les tons bleu-vert représentent la paix.

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Globalement, Le visage de la guerre est un rappel brutal du penchant brutal et sans fin de l'humanité pour les conflits.

Faits intéressants :

L'empreinte de main visible dans le coin inférieur droit est en fait SalvadorDali.

Y compris Le visage de la guerre ,Dalíattesté qu'une grande partie de ses œuvres découlait de prémonitions de guerres futures.

Dalíprétendait que deux choses l'inspiraient : sa libidoet un malaise général face à la mort.

5. Têtes coupées By Théodore Géricault

Les têtes coupées by Théodore Géricault , années 1810, via le Musée national, Stockholm

Théodore Géricault is another artiste célèbre connu pour ses peintures effrayantes. Cette horrible illustration, étiquetée Têtes coupées , dépeint littéralement la mortalité dans son heure la plus sombre. La décomposition des têtes est évidente. À gauche, une femme a les yeux fermés et la peau blanche comme la mort, tandis qu'à droite, une tête masculine a les yeux ouverts sans vie avec la bouche entrouverte. Ce qui est encore plus fascinant dans la composition, c'est l'utilisation par Géricault de tons sombres et clairs pour exprimer son intention - le passage de la vie à la mort.

Géricault était tellement obsédé par la notion de mortalité qu'il était connu pour garder réel des morceaux de corps démembrés et des cadavres dans son atelier. Comme plusieurs de ses autres tableaux, Têtes coupées lui a fourni un moyen de s'entraîner à dessiner les détails les plus fins d'un cadavre.

Fait intéressant :

Les cous des têtes coupées suggèrent que ces anciennes âmes ont trouvé la mort par décapitation. Cependant, en réalité, ce n'est le cas que pour l'un d'entre eux. Géricault a obtenu la tête masculine guillotinée d'un voleur anciennement détenu à Bicêtre (un hôpital qui a également servi de prison à mort), tandis que la tête féminine a été tirée d'un modèle vivant. Pour cette raison, il a été déduit que le deuxième but de Géricault pour la peinture Têtes coupées était de souligner comment les hommes et les femmes étaient souvent victimes de décapitation par la guillotine.

Quatre. Dante et Virgile Par William-Adolphe Bouguereau

Dante et Virgile par William-Adolphe Bouguereau , 1850, via le musée d'Orsay, Paris

Arriver au #4 est une représentation obsédante du célèbre artiste et peintre académique français William-Adolphe Bouguereau . En premier, Dante et Virgile peut ne pas sembler être une peinture extrêmement effrayante, mais lorsqu'elle est associée à sa trame de fond, elle devient une expérience visuelle morbide. La toile représente une scène du poète Dante Comédie divine . Ici, Dante et son guide, Virgile , se sont aventurés en Enfer et sont arrêtés au Huitième Cercle. Cette section de l'Enfer est réservée à ceux qui ont commis une fraude sur l'humanité. Dante et Virgile témoignent de deux âmes damnées engagées dans un combat éternel — un combat à mort ! L'un d'eux est Capocchio, un alchimiste et un hérétique ; l'autre est Gianni Schicchi, un escroc et un fraudeur. C'est Schicchi qui a le dessus, mordant le cou de Capocchio tout en lui agenouillé le dos.

Ce qui est le plus impressionnant à ce sujet ouvrages d'art – outre la toile de fond inquiétante de démons, d'un enfer et de personnages nus se tordant d'agonie – se trouve la belle représentation des corps des combattants. Bouguereau a brillamment capturé la chaleur du moment, mettant en valeur la force féroce de Schicchi, la fluidité des poses des hommes et le désespoir brut dans leurs expressions.

Globalement, Dante et Virgile est un artiste aide-mémoire , soulignant comment les individus sont tous égaux aux yeux de Dieu, et que lorsqu'ils sont bannis en enfer, on ne devient ni humain ni bête, mais quelque chose entre les deux.

Fait intéressant :

En ce qui concerne le thème de la peinture, il s'agissait d'un one-off de Bouguereau, suggérant que le contenu sombre était peut-être trop troublant pour qu'il le reproduise. . .

3. La mort de Marat II Par Edvard Munch

La Mort de Marat II par Edvard Munch , 1907, via le musée Munch, Oslo

Cette prochaine peinture effrayante s'appuie sur l'obscurité de l'expérience humaine, en particulier lorsqu'il s'agit de mettre fin à une relation. La Mort de Marat II est né de l'esprit du célèbre artiste norvégien Edvard Munch et a une sacrée histoire derrière elle, enfin, deux en fait. Tout a commencé lorsque Munch a rompu avec sa fiancée, Tulla Larsen en 1902. Des sources affirment que le couple s'est disputé dans sa maison d'été àAagaardsstrand, et pendant la mêlée, un revolver a explosé, blessant la main de Munch. Cet incident a traumatisé l'artiste - qui a insinué que Larsen était en faute - et a servi d'inspiration pour deux tableaux : La mort de Marat et La Mort de Marat II .

Le sujet des deux titres, Marat, fait référence à Jean-Paul Marat, un révolutionnaire français assassiné dans une baignoire par la radicale Charlotte Corday en 1793. Dans La Mort de Marat II , au lieu que Marat et Corday soient au centre de l'attention, il s'agit de Munch allongé mort sur le lit, avec un Larsen nu debout à côté de lui. Elle est considérée comme sa meurtrière pour deux raisons principales: la blessure au bras de l'homme - symbolique de Munch se tirant la main lors de son précédent tiff avec Larsen - et les similitudes physiques entre la femme du tableau et Larsen elle-même.

Fait intéressant :

Munch a fait la peinturependant qu'il testait expressionniste techniques. Il a développé une méthode unique : des coups de pinceau horizontaux et verticaux distincts qui étaient emblématiques de son agressivité et de son état mental déséquilibré, ce qui a finalement conduit à sa dépression en 1908.

deux. Chaise électrique Par Andy Warhol

Chaise électrique par Andy Warhol ,1967, via la National Gallery of Australia, Parkes

Cette image se démarque quelque peu de ce qui précède, mais c'est une peinture effrayante à juste titre qui devrait envoyer une vrille froide dans votre colonne vertébrale. Chaise électrique est l'idée du célèbre artiste Andy Warhol et représente ses débuts en imprimant à la main des images sur toile, puis en traduisant la technique sur papier.L'œuvre originale en noir et blanc de 1964 (photo ci-dessous) était basée sur une photographie de presse (1953) de la chambre de la mort du pénitencier d'État de Sing Sing à New York et a été sérigraphiée avec de la peinture acrylique argentée.

Les impressions colorées monochromes (telles que celle représentée ci-dessus) ont été développées quelques années plus tard lorsque Warhol a commencé à expérimenter la composition et la couleur.En 1980, Warhol décrit son nouveau procédé d'impression comme un changement significatif dans sa pratique : Vous choisissez une photographie, la gonflez, la transférez dans de la colle sur de la soie, puis roulez de l'encre pour que l'encre traverse la soie mais pas la colle. De cette façon, vous obtenez la même image, légèrement différente à chaque fois. Tout était si simple, rapide et aléatoire. J'en étais ravi. » (Warhol et Hackett 2007, p.28.)

Petite chaise électrique par Andy Warhol ,1964-65, via SFMOMA, San Francisco

Ce qu'il y a de plus obsédant dans Chaise électrique La série est la controverse politique entourant la peine de mort en Amérique à l'époque, en particulier à New York, où les deux dernières exécutions à Sing Sing étaient programmées par électrocution. Ainsi, Warhol fournit une métaphore sombre mais très poignante de la mort. L'image est dépourvue de toute présence humaine. Comme l'a observé l'historien de l'art Neil Printz, l'estampe est remarquable par sa sobriété visuelle et sa sous-estimation émotionnelle, tandis que le vide et l'immobilité de la pièce représentent la mort comme absence et silence. (Printz dans Menil Collection 1989, p.17.) En substance, l'opus est la mort montrant la mort, ce qui devrait résonner chez toute personne consciente de la mortalité humaine.

Fait intéressant :

L'inspiration de Warhol Chaise électrique était un déjeuner avec le conservateur Henry Geldzahler. Warhol a déclaré :Nous étions tous les deux en train de déjeuner un jour de l'été [de 1962]… et il a posé le Nouvelles quotidiennes dehors sur la table. Le titre était '129 DIE IN JET', et c'est ce qui m'a lancé dans la série sur la mort - les accidents de voiture, les catastrophes, les chaises électriques... (Andy Warhol et Pat Hackett, POPisme : le Warhol 60 s, Harcourt Brace Jovanovich, New York et Londres, 1980, p 75.)

1. La peinture la plus effrayante : Le massacre des innocents Par Pierre Paul Rubens

Le massacre des innocents par Pierre Paul Rubens , 1610, via le Musée des beaux-arts de l'Ontario

Arriver au n ° 1 est une peinture effrayante qui n'est certainement pas pour les timides. Les mères doivent être particulièrement averties : le sujet n'est pas seulement graphique mais extrêmement dérangeant. Le massacre des innocents par le célèbre artiste Pierre Paul Rubens a gagné sa première place en raison de sa représentation impitoyable de l'infanticide, qui, selon l'Évangile de Matthieu de la Bible, était un véritable incident.

Qu'il s'agisse d'un fait ou d'une fable, l'œuvre d'art a une capacité troublante à attirer le spectateur dans la scène. Si vous prenez le récit du Nouveau Testament, c'était le Roi de Judée Hérode le Grand qui a ordonné le massacre de tous les enfants mâles de Bethléem âgés de deux ans et moins. Sa rationalisation inhumaine de la commande était, sans surprise, liée à l'ego - quelle que soit la version de l'histoire que vous rencontrez. Hérode assassine les enfants en raison de sa colère d'avoir été moqué par les Mages - alias les Trois Sages / Trois Rois - ou parce qu'il est prévenu que la naissance imminente d'un enfant mâle usurpera sa couronne.

Essentiellement, il s'agit d'une toile en mouvement, avec peut-être le point central le plus important : la mère, son enfant et le soldat. La lutte entre eux trois est brutalement dramatique. L'entaille du visage du soldat par la mère sauvera-t-elle son fils ? Ou sera-ce pour rien ?

Un second domaine d'intérêt est à l'extrême droite : le soldat prêt à propulser un bébé contre un pilier déjà taché de pourpre, et les deux femmes se levant pour l'arrêter. Peuvent-ils, eux aussi, sauver le jeune bébé, ou le destin a-t-il déjà décrété le vainqueur de ce bain de sang étant donné la quantité de cadavres sans vie et ensanglantés d'enfants éparpillés autour d'eux. . .

Le cauchemar par Henri Fuseli , 1781, par l'intermédiaire de l'Institut des arts de Détroit

Fait intéressant :

En 1923, une femme hérita Le massacre des innocents mais a refusé de le garder. Elle a trouvé la peinture trop horrible - après tout, le massacre de nouveau-nés et de tout-petits passe à peine pour un décor de maison ordinaire. Au lieu de cela, elle l'a prêté au monastère de l'abbaye de Reichersberg en Autriche. Il a ensuite été vendu à enchères pour un énorme 76,7 millions!

En résumé, Le massacre des innocents est une représentation qui donne à réfléchir de quelque chose qui se passe réellementaujourd'hui. De jeunes enfants sont toujours massacrés, maltraités et exploités, et peu importe à quel point nous voudrions bloquer ce fait, c'est irrévocablement que : fait . Un que nous ne devrions pas ignorer mais éclairer et changer. Parce que ce n'est qu'alors que nous pourrons briser le cycle de l'histoire qui se répète. Ce n'est qu'alors que nous pourrons nous appeler le sommet de l'humanité. Ce n'est qu'alors que nous pourrons sauver les innocents, ceux qui méritent l'avenir que nous avons eu la chance d'avoir.

La écrivain Elie Wiesel l'a dit sans faute :Il peut y avoir des moments où nous sommes impuissants à prévenir l'injustice, mais il ne doit jamais y avoir de moment où nous ne manquons pas de protester.