8 œuvres d'art célèbres du mouvement des jeunes artistes britanniques (YBA)
L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant par Damien Hirst, 1991 (à gauche) ; avec Préserver la 'beauté' par Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (au centre) ; et La Sainte Vierge Marie par Chris Ofili, 1996 (à droite)
Les jeunes artistes britanniques (YBA) sont un groupe de jeunes artistes qui ont émergé dans les années 1980. Damien Hirt , Tracey Emin ,et Garry Hume ne sont que trois des noms qui sont devenus célèbres au cours du mouvement. Il n'y a jamais eu de manifeste ou d'association officielle des Young British Artists. Ce sont plutôt des circonstances extérieures et un consensus artistique qui ont uni le groupe. De nombreux jeunes artistes britanniques ont étudié au Goldsmith College de Londres et ont exposé leurs œuvres à la Saatchi Gallery of collectionneur d'art Charles Saatchi . L'exposition dite Freeze, organisée par Damien Hirst, alors étudiant en art alors âgé de 22 ans, est, du point de vue actuel, souvent citée comme la naissance du groupe.
Mouvement des jeunes artistes britanniques (YBAM): but de la provocation
Le consensus artistique du Young British Artist Movement était une volonté commune de provoquer. Avec des carcasses d'animaux, de la pornographie et des œuvres d'art fabriquées à partir d'objets du quotidien et de matériaux trouvés, les artistes se sont positionnés politiquement - à la fois dans une société conservatrice et dans le monde de l'art des années 1980 et 1990. Un autre aspect important de la formation de YBAM est son approche entrepreneuriale pour montrer et commercialiser son travail. Le fait qu'il y avait plus que de la pure provocation derrière les œuvres postmodernes a été prouvé notamment par les nominations et l'attribution du célèbre prix Turner à plusieurs YBA.
Nous présentons ici 8 œuvres d'art célèbres des Young British Artists.
1. Damien Hirst, Les impossibilités physiques de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant (1991)
Les impossibilités physiques de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant de Damien Hirst , 1991, via L'Indépendant
Damien Hirst Les impossibilités physiques de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant (1991) également connu sous le nom de The Shark est probablement l'œuvre la plus célèbre du groupe YBA. Lorsque le jeune artiste a créé l'œuvre en 1991, il a choqué de nombreux spectateurs. L'œuvre montre un requin tigre dans du formaldéhyde. L'œuvre présente la mort de manière non conventionnelle et explicite. Comme le titre l'indique déjà, Damien Hirst renvoie également le spectateur à sa propre mort, ou plutôt à l'impossibilité d'imaginer sa propre mort – même avec un animal mort devant lui.
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L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant de Damien Hirst , 1991, via Fineartmultiple
C'est en ce sens que le requin tigre, malgré les connaissances à son sujet, n'apparaît pas forcément mort, mais d'une certaine manière aussi vivant. Après que le requin a commencé à se décomposer après plus d'une décennie, l'animal a dû être remplacé en 2006. Avec l'échange de l'animal et en changeant l'œuvre d'art, l'artiste a provoqué des questions sur l'originalité d'une œuvre d'art.
2. Tracey Emin, Mon lit (1998)
Mon lit par Tracey Emin , 1998, via Christie's
Mon lit (1998) est une œuvre de l'artiste Tracey Emin qui a suscité de nombreuses controverses. Avec la pièce, qui a été exposée à la Tate Gallery en 1999, Tracey Emin a apporté son propre lit dans son état d'origine dans un espace de galerie. C'était après, selon sa propre déclaration, qu'elle avait passé quatre jours dans ce lit pendant la phase dépressive d'une rupture et qu'elle n'avait consommé que de l'alcool. Des bouteilles d'alcool vides, des préservatifs usagés et des sous-vêtements sales étaient rassemblés autour du lit. Mon lit est une œuvre typiquement provocatrice et personnelle de l'artiste. Lorsque l'œuvre a été nominée pour le Turner Prize en 1999, elle a suscité un débat controversé dans les médias britanniques.
La provocation de l'œuvre a abouti à une action d'artistes de performance japonais Cai Yuan et Jian Jun Xi , qui s'est livré à une bataille d'oreillers dans le lit d'Emin pendant l'exposition. L'oeuvre Mon lit n'a pas seulement bouleversé la notion conventionnelle d'œuvre d'art en utilisant des matériaux du quotidien. Il a également remis en question la notion classique de comportement « approprié » d'une jeune femme dans les années 1990 d'une manière postmoderne.
3. Tracey Emin, Tous ceux avec qui j'ai déjà couché 1963 - 1995 (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)
Tous ceux avec qui j'ai déjà couché 1963 - 1995 par Tracey Emin , 1995, via Widewalls
Tous ceux avec qui j'ai déjà couché 1963 - 1995 (1995) est une autre œuvre de l'artiste Tracey Emin. L'œuvre consistait en une tente dans laquelle l'artiste publiait tous les noms des personnes avec lesquelles elle avait couché jusqu'en 1995, dans un sens sexuel et aussi dans un sens non sexuel. Au total, 102 noms ont été trouvés dans la tente.
L'artiste a expliqué son travail comme suit : Certains avec qui j'avais baisé au lit ou contre un mur, d'autres avec qui je venais de dormir, comme ma grand-mère. J'avais l'habitude de m'allonger dans son lit et de lui tenir la main. Nous avions l'habitude d'écouter la radio ensemble et de nous endormir. Vous ne faites pas cela avec quelqu'un que vous n'aimez pas et dont vous ne vous souciez pas. Le célèbre marchand d'art et galeriste Charles Saatchi a alors acheté l'œuvre. Lorsque l'entrepôt de Saatchi a brûlé en 2004, l'œuvre a été détruite avec d'autres.
4. Michael Landy, Marché (1990)
Marché par Michel Landy , 1990, via Thomas Dane Gallery, Londres
L'installation Market (1990) de l'artiste Michel Landy , l'un des Young British Artists, est une œuvre socialement critique. Pour l'œuvre d'art, Michael Landy a disposé des parties d'étals typiques du marché londonien avec du gazon artificiel dans un espace d'exposition. Avec son installation, l'artiste fait référence à l'extinction des marchés alimentaires typiques de Londres et à une tradition de vente et d'achat individuels de produits alimentaires. L'espace d'exposition dans lequel installation a été initialement exposé illustre une fois de plus cette référence thématique : Landy a exposé son travail Marché 1990 dans une ancienne biscuiterie. Bien que dans ce cas aussi, l'exposition de matériaux quotidiens en tant qu'art puisse être considérée comme critique pour la forme, cette installation a rencontré beaucoup plus de compréhension de la part du public que, par exemple, les œuvres féministes de l'artiste Tracey Emin.
5. Anya Gallace, Préserver la 'beauté' (1991 – 2003)
Préserver la 'beauté' par Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londres
L'oeuvre Préserver (beauté) par artiste Anya Gallace porte également une approche féministe et critique-émancipatrice. Des centaines de belles fleurs rouges tissées dans un tapis de fleurs - c'est ainsi que l'installation d'Anya Gallaccio est apparue pour la première fois dans sa première exposition à la Karsten Schubert Gallery dans les années 1990. En exposant son objet d'installation, l'artiste a exposé les fleurs à la décomposition, faisant ainsi explicitement allusion au thème de la vanité dans l'histoire de l'art. Au fil du temps, la décomposition des fleurs est devenue à la fois visible pour les visiteurs de la galerie et perceptible par une odeur de moisi. L'œuvre dépeint une décroissance temporelle en temps réel, comme Peintures de la Renaissance sur le sujet ne pouvait que suggérer. Avec Préserver (beauté) , l'artiste fait également référence à la décadence humaine et fait réfléchir les spectateurs de ses œuvres sur leur propre processus de décadence.
6. Angus Fairhurst, Pietà (première version) (mille neuf cent quatre vingt seize)
Pietà (première version) par Angus Fairhurst , 1996, via Tate, Londres
Même si les Young British Artists sondaient régulièrement les limites de l'art existant auparavant avec leur art, leurs œuvres n'étaient pas entièrement détachées de l'art traditionnel. d'Anya Gallacio Préserver (beauté) l'a déjà prouvé et Angus Fairhurst Compassion (1996) le montre également.
La Pietà est connue comme un motif religieux classique dans l'histoire de l'art, qui a été utilisé dans les œuvres d'une grande variété d'artistes au cours des siècles. Avec sa photographie au retardateur, l'artiste Angus Fairhurst joue également avec ce motif. Nu comme Jésus, cependant, il n'est pas couché dans les bras de la sainte mère, mais sur les genoux d'un gorille déguisé. Dans cet ensemble, le câble visible du retardateur agit comme un signe technique de vivacité, tandis que les yeux fermés de l'artiste sont censés traduire l'absence de vie. Le gorille est un motif récurrent dans les œuvres de Fairhurst.
7. Jenny Saville, Planifier (1993)
Planifier par Jenny Saville , 1993, via Art Market Monitor
La peinture Planifier (1993) par l'artiste Jenny Saville se déplace dans un champ de tension entre technique classique et images corporelles modernes. Dans sa peinture, Saville regarde le spectateur et, en appliquant des lignes topographiques, transforme son corps en une carte que le spectateur peut explorer en regardant la peinture. Ce que le spectateur voit n'est en aucun cas poli et parfait comme beaucoup de gens ont l'habitude de le voir en peinture. Au lieu de cela, le corps sur la photo montre des formes douces et des bosses. Le collectionneur d'art Charles Saatchi a connu le peintre dans les années 1990, a acheté tous ses tableaux qui ont été présentés dans une exposition à Edimbourg puis l'a prise sous contrat de 18 mois pour lui donner l'opportunité de peindre de nouveaux tableaux.
8. Chris Ofili, La Sainte Vierge Marie (mille neuf cent quatre vingt seize)
La Sainte Vierge Marie par Chris Ofili , 1996, via le MoMA, New York
Chris Ofili le travail La Sainte Vierge Marie (1996) fut l'une des plus controversées de l'exposition dite Sensations des Young British Artists en 1997. Il s'agit d'une représentation de la Sainte Vierge Marie, une œuvre multimédia faite de matériaux plutôt profanes : paillettes, images issues de la pop culture et un sein formé de bouse d'éléphant. Vous vous en doutez : ce dernier a été jugé irrévérencieux par de nombreux téléspectateurs et critiques. L'artiste Chris Ofili, quant à lui, a défendu l'intégration de ce matériau dans sa peinture en disant que la bouse d'éléphant au Zimbabwe, où Ofili a passé une visite d'étude, est synonyme de fertilité.
Résumé du mouvement des jeunes artistes britanniques
Préserver la 'beauté' par Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londres
Non conventionnel et provocateur, mais aussi explicitement politique - c'est ainsi que le travail des Young British Artists (YBA) peut être brièvement résumé. Cette sélection de huit artistes montre clairement que tous les participants à ce mouvement d'artistes postmodernes avaient leur approche unique, et pourtant il existe un consensus entre eux.