Comment Clement Greenberg a façonné l'art moderniste

Terre-Neuve par Helen Frankenthaler , 1975, Collection privée

Le célèbre critique d'art Clement Greenberg était l'une des voix les plus influentes et les plus respectées du 20esiècle. Connu aujourd'hui comme la voix de l'art américain, sa célébration audacieuse et franche de l'art abstrait américain dans les années 1940 et 1950 a transformé des artistes tels que Jackson Pollock, Willem de Kooning et Barnett Newman dans les noms familiers. Croyant que l'art doit être distillé dans ses propriétés les plus pures, les plus simples et les plus poétiques de la ligne, de la couleur et de la surface plane, les idées de Greenberg ont influencé toute une génération, les amenant à créer certaines des œuvres d'art les plus emblématiques de tous les temps. Le modernisme, écrivait-il, utilisait l'art pour attirer l'attention sur l'art.

Les premières idées de Clement Greenberg

Clément Greenberg , 1982, Le journal de l'art

Né dans le Bronx d'immigrants juifs-lituaniens, Clement Greenberg a étudié la littérature anglaise à Université de Syracuse. Après avoir obtenu son diplôme, il a erré entre les emplois avant de se frayer un chemin dans le groupe d'écrivains et de critiques qui s'appelaient les Intellectuels de New York , dont Susan Sontag et Harold Rosenberg. Beaucoup étaient juifs et prônaient une politique de gauche, intégrant la théorie littéraire aux croyances marxistes, mais ils ont rejeté Staline, se penchant plutôt vers les idées libérales du trotskysme.

De nombreuses idées de Greenberg sont initialement venues de Karl Marx, en particulier la conviction que l'art abstrait d'avant-garde était un mouvement audacieux et révolutionnaire loin des régimes politiques oppressifs dirigés par les nazis ou les communistes. Une autre influence majeure sur les idées de Greenberg était l'artiste et éducateur allemand Hans Hofmann. En 1938 et 1939, Greenberg assista à plusieurs conférences de Hoffmann qui soulignaient l'importance d'une compréhension formelle de l'art, où la couleur, la ligne, la surface et la relation entre les plans sur une surface plane étaient jugées plus importantes que le contenu figuratif ou littéraire.

Célébrons l'avant-garde

Suffisant par Hans Hoffmann , 1960, Collection privée

Une grande partie des premiers écrits critiques de Clement Greenberg a paru dans le journal libéral de New York. Revue partisane , et a été fortement influencé par les idées de Hans Hoffmann. C'était dans le Revue partisane que Greenberg a publié le premier de ses essais les plus influents, intitulé Avant-garde et kitsch, 1939, qui a jeté les bases de nombre de ses idées futures.

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Dans l'essai, Greenberg soutient que l'art d'avant-garde du début du 20esiècle était la seule culture vivante encore existante, tandis que l'émergence de matériel kitsch, populaire ou produit en série constituait une grande menace pour son existence. Arguant que l'imagerie kitsch était un sous-produit de la société industrialisée collante et bon marché, il a fermement affirmé que l'art et la littérature devraient offrir un chemin vers une vérité supérieure au-delà de ce langage dégradé. Cette croyance en l'importance sociétale d'un art de haute avant-garde axé sur le processus et l'expérimentation était la clé de toutes les idées de Greenberg sur l'art, venant informer ses futurs essais sur la théorie et la pratique de l'art.

Un nouveau Laocoon

À peine un an plus tard, Clement Greenberg publiait le deuxième de ses essais d'importance instrumentale : Vers un nouveau Laocoon , 1940. Le texte était la suite du célèbre article de Gotthold Lessing Laocoon : un essai sur les limites de la peinture et de la poésie , publié en 1766. Lessing avait commencé à faire des distinctions entre différents médiums artistiques, y compris la poésie, la peinture et la sculpture, en faisant valoir que chacun avait son propre langage de développement distinct que nous devrions reconnaître et apprécier.

S'appuyant sur l'essai de Lessing, les idées de Greenberg ont décrit une justification historique décrivant d'où venaient les origines de la peinture moderne et où elle se dirigeait maintenant. Il a fait valoir que la peinture s'était de plus en plus aplatie depuis les temps historiques, allant au-delà du contenu narratif ou littéraire vers une emphase sur le motif et la surface abstraits, l'écriture, mais le plus important de tout, le plan de l'image devient de moins en moins profond, aplatissant et pressant ensemble le plans de profondeur fictifs jusqu'à ce qu'ils se rejoignent sur le plan réel et matériel qui est la surface réelle de la toile.

Expressionisme abstrait

Îles jaunes par Jackson Pollock , 1952, Tate

Au cours des années 1940, Clement Greenberg s'est installé dans le quartier de Greenwich Village à New York où il a travaillé comme rédacteur en chef pour Revue partisane, rédacteur associé pour Magazine de commentaires et critique pour La nation . Il a été l'un des premiers à repérer et à défendre le travail de l'école naissante de l'expressionnisme abstrait, notamment Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell et David Smith, et grâce à ses écrits, la carrière de ces artistes a été lancée sous les projecteurs internationaux. Au fur et à mesure que leur carrière grandissait, celle de Greenberg devint un géant de la scène artistique américaine, prenant des postes de conférencier à Collège de la Montagne Noire, Université de Yale, Collège Bennington et université de Princeton où il a eu une influence marquée sur la prochaine génération de penseurs créatifs.

Sans titre B par Robert Motherwell , 1970, Tate

La crise de l'image de chevalet

Plusieurs essais publiés au cours des années 1940 ont permis à Greenberg d'élargir son argumentation sur l'importance de la peinture abstraite, notamment Art abstrait, publié en 1944, et La crise du tableau de chevalet, 1948. Dans ce dernier texte, il introduit le concept radical et influent de l'image all-over, décrivant une tendance aplatie et répétitive dans l'art américain telle que pratiquée par Jackson Pollock, Lee Krasner et Barnett Newman en tant que peinture décentralisée, polyphonique, intégrale, qui se fondait dans une texture pure, une sensation pure. Il a également soutenu que la peinture intégrale était apparue comme une réaction logique à une société capitaliste industrialisée, dans laquelle toutes les distinctions hiérarchiques ont été épuisées… aucun domaine ou ordre d'expérience n'est intrinsèquement ou relativement supérieur à un autre.

Paysage Gothique par Lee Krasner , 1961, Tate

Greenberg contre Rosenberg

L'un des plus grands rivaux de Clement Greenberg était son collègue critique d'art Harold Rosenberg ; la rumeur veut qu'ils aient parfois failli se retrouver menottés lors de leurs débats houleux. Bien qu'il y ait de nombreux chevauchements entre leurs idées, Rosenberg a fait l'éloge de ce qu'il a appelé l'Action Painting, un courant d'abstraction basé sur des gestes énergiques et performatifs pratiqués par Jackson Pollock, Franz Kline et Arshile Gorky. Rosenberg a également soutenu divers artistes expressionnistes abstraits qui avaient ramené des éléments figuratifs ou narratifs dans leurs peintures libres et expressives, tels que Willem de Kooning et Philip Guston.

Femme par Willem de Kooning , 1952, Metropolitan Museum of Art

En revanche, Greenberg a poussé son soutien à un style d'abstraction plus pur et plus propre, rejetant activement les dernières études figuratives de de Kooning. Au lieu de cela, il a déplacé son soutien vers les peintres de la Washington Color School tels que Barnett Newman, Kenneth Nolan et Anne Truitt, qui pratiquaient un langage épuré et minimal basé sur les sensations optiques des motifs de couleur plats. Dans son essai Peinture de type américain, 1955, Greenberg a fait valoir que cette nouvelle école de peintres menait une progression naturelle vers le véritable art moderniste.

Peinture moderniste

Au fur et à mesure que les idées de Clement Greenberg se développaient, elles devenaient de plus en plus polarisées et extrêmes. Quand la montée du kitsch, multicouche Pop Art ,et les styles Neo Dada ont commencé à émerger grâce aux artistes new-yorkais Robert Rauschenberg et Jasper Johns, Greenberg a riposté encore plus fort. Il a combattu avec véhémence son argument selon lequel la peinture moderniste doit être un processus de réduction qui la démêle des autres médiums ou méthodes. Il a en outre affirmé que l'abstraction était un développement logique et nécessaire de l'art moderne qui ramenait l'art à son essence la plus pure et la plus distillée, qu'il décrivait comme la progression naturelle du formalisme, une théorie proposée pour la première fois par le critique d'art. Roger Fry au début du 20esiècle.

Ces idées ont été illustrées dans l'essai le plus emblématique de Greenberg, Peinture moderniste, 1961. Il a soutenu que la peinture devrait être une activité finalement «pure», rejetant toute forme de référence au monde extérieur, y compris l'expression émotionnelle, l'illusionnisme ou tout espace que des objets reconnaissables peuvent habiter. Greenberg a continué à expliquer comment une peinture devrait être entièrement autoréférentielle, ne se rapportant qu'à elle-même et à aucune autre référence extérieure au monde réel, ou à tout autre médium artistique tel que la sculpture ou le dessin.

L'abstraction post-picturale

Et par Morris Louis , 1961, Collection privée

Bien qu'elles soient extrêmes, les idées de Clement Greenberg reflètent l'esprit du temps et elles ont eu une influence marquée sur les principaux développements artistiques des années 1960. Les peintures Color Field simplifiées et saturées d'Helen Frankenthaler, Morris Louis et Jules Olitski sont aujourd'hui synonymes des idées de Greenberg, définissant l'apogée de l'ère moderniste avec une attitude analytique impitoyablement stricte envers la forme, la couleur, la texture, l'échelle et la composition. Greenberg a organisé une exposition titré L'abstraction post-picturale en 1964 au Musée d'art du comté de Los Angeles qui comprenait des œuvres de trente et un artistes différents; il a connu un tel succès que la Post Painterly Abstraction est désormais reconnue comme un mouvement à part entière.

Bébé Arnolfini ! de Jules Olitski , 1964, Collection privée

Influence sur la critique d'art

S'appuyant à la fois sur ses propres idées sur le formalisme et sur les théories du 18ephilosophe allemand du siècle Immanuel Kant, Greenberg a soutenu dans Peinture moderniste pour une nouvelle façon objective de voir l'art. Il croyait que l'art devait être vu et écrit à son sujet d'une manière entièrement détachée, en observant uniquement les propriétés physiques de l'objet lui-même. Ces idées ont eu une profonde influence sur une nouvelle génération de critiques d'art modernistes qui sont devenues connues sous le nom d'école de Greenberg, notamment Rosalind Krauss, Michael Fried et Barbara Rose, qui ont chacun adopté une approche analytique similaire lors de la dissection d'une œuvre d'art.

Le contrecoup contre Clement Greenberg

Au milieu des années 1960, les artistes et les critiques dépassaient déjà les limites des idées de Clement Greenberg. Beaucoup considéraient son point de vue comme trop polarisé et dogmatique, tandis que son dépouillement de l'illusionnisme, de la narration et de l'émotion dans la peinture avait ramené le médium dans un coin, avec nulle part où aller. Et comme la critique d'art Rosalind Krauss s'en est rendu compte, la simplification excessive de l'art moderniste et formaliste par Greenberg a éradiqué une grande partie des idiosyncrasies et des irrationalités de la vie. Les écoles disruptives du Pop Art et Couler qui ont surgi dans le sillage de Greenberg ont ramené bon nombre des diversités complexes de la vie ordinaire dans les pratiques artistiques des années 1960 et 1970, ébranlant une grande partie de ce pour quoi il avait défendu avec tant de véhémence.

Sans titre, URGENCES par Fiona Raw , 1996, Royal Academy of Arts, Londres

Bien que le contrecoup contre les idées de Greenberg autour de la pure Modernisme et le formalisme s'est poursuivi pendant plusieurs générations, l'accent qu'il a mis sur l'autoréférentialité et la matérialité des objets d'art est une attitude qui persiste encore aujourd'hui. Beaucoup des peintres contemporains les plus expérimentaux et passionnants d'aujourd'hui ont au fond de leur esprit une conscience d'une peinture en tant qu'objet physique, même s'ils l'ont maintenant inondée de références à la vie moderne, comme en témoigne l'art de Callum Innes, Tomma Abts , Fiona Rae et Peter Doig.

Alors que la vision quelque peu simplifiée de Greenberg de l'histoire de l'art comme une marche singulière vers l'abstraction a été largement réécrite aujourd'hui, son argument selon lequel nous ne devrions d'abord voir les peintures que comme elles-mêmes, sans les relier à quoi que ce soit d'autre, est une attitude qui persiste encore aujourd'hui en arrière-plan et colore la façon dont beaucoup d'entre nous regardent l'art, en particulier sa croyance en l'art comme une expérience unique qui ne peut être obtenue d'aucune autre source.