Les merveilles de l'art optique : 5 caractéristiques déterminantes

Vue d'installation de Peter Kogler à la Galerie Mitterand , 2016 ; avec Époff de Victor Vasarely, 1969 ; et Relativité par M.C. Escher, 1953

Les illusions d'optique fascinent les artistes depuis des siècles, mais ce n'est que depuis les années 1960 que le terme Optical Art, ou Op Art, est devenu reconnu comme un mouvement artistique vérifiable à part entière. Ce volet de la pratique artistique explore les merveilles magiques des illusions d'optique, titillant les sens et perturbant nos perceptions physiologiques et psychologiques avec des motifs étranges qui induisent un gonflement, une déformation et un flou, ou créent des illusions terrifiantes de profondeur, de lumière et d'espace. Regarder ces œuvres d'art peut être une expérience vraiment époustouflante, nous élevant hors du monde ordinaire et dans les domaines du surréaliste et du fantastique. Dans cet article, nous examinons cinq des caractéristiques les plus courantes qui ont défini l'art optique à l'époque moderne et contemporaine. Mais d'abord, regardons l'évolution historique de l'art optique et les artistes qui ont ouvert la voie aux praticiens d'aujourd'hui.

L'histoire de l'art optique

Les ambassadeurs par Hans Holbein le Jeune , 1533, via la National Gallery, Londres

Bien que nous puissions considérer les motifs et les couleurs fous de l'art optique comme un phénomène contemporain, les effets optiques sont un élément essentiel de l'histoire de l'art depuis la Renaissance. Certains pourraient même dire que la découverte de la perspective linéaire au début de la Renaissance a été le premier effet optique à apparaître dans l'art, permettant aux artistes de créer le tromp l’oeil illusion de profondeur et d'espace comme jamais auparavant. La camera obscura était également un outil populaire parmi les Artistes de la Renaissance , leur permettant d'atteindre des niveaux de réalisme étonnants en projetant la vie réelle sur la toile à travers une lentille à sténopé. Certains ont même expérimenté comment un pièce sombre pourraient créer d'étranges effets d'anamorphose dans leur travail, comme Hans Holbein le Jeune célèbre peinture énigmatique Les Ambassadeurs, 1533, dans laquelle un crâne déformé étiré au premier plan ne peut être correctement vu que sous un angle latéral.

Entrée du port de Georges Seurat , 1888, dans la collection Lillie P. Bliss et le musée d'art moderne, via le New York Times

Au XIXe siècle, les artistes pointillistes Georges Seurat et Paul Signac a expérimenté les effets optiques de la couleur, explorant comment des motifs de minuscules points de couleur pure et non mélangée placés côte à côte pouvaient «se fondre» dans l'œil lorsqu'ils étaient vus de loin. Dans les peintures de Seurat, ces points chatoyants formaient une « brume de chaleur » vertigineuse et envoûtante qui dissolvait les frontières entre les objets et l'espace qui les entourait.

D'autres artistes et illustrateurs de la même époque ont joué avec des dualités surréalistes, où une même image pouvait contenir deux repères différents, comme NOUS. Hill’s jeune femme vieille femme , et d'Edgar Rubin Vase, 1915 - des images comme celles-ci étaient des jeux de société populaires, plutôt que des œuvres d'art sérieuses. Mais l'un des artistes les plus fascinants à avoir introduit de telles idées dans le monde de l'art était le graphiste néerlandais MC Escher, dont les œuvres d'art habiles et incroyablement surréalistes illustrent un univers d'une complexité vertigineuse de motifs en mosaïque et de réalités alternatives.

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Relativité par M.C. Escher , 1953, via la radio publique du New Hampshire

Le milieu du XXe siècle a vu une explosion d'intérêt pour l'art optique dans toute l'Europe et au-delà ; les artistes sont de plus en plus attirés par les mondes de la science, de la couleur et de l'optique à une époque où les progrès de l'informatique, de l'aérospatiale et de la télévision sont en cours. Dans les années 1960, l'art optique était devenu un mouvement artistique à part entière, avec des artistes tels que Bridget Riley, Victor Vasarely et Jesus Rafael Soto faisant des expériences audacieuses dans le domaine de l'optique, chacun avec son propre langage de géométrie abstraite.

L'art optique est né dans la lignée de Art cinétique, les deux styles partageant des fascinations pour la technologie et le mouvement, mais l'art optique était davantage axé sur les formes d'art bidimensionnelles que tridimensionnelles. À l'époque contemporaine, tout cela a changé car les artistes d'aujourd'hui ont étendu des effets optiques vertigineux à un large éventail de contextes, des espaces de galerie aux rues de la ville. Alors, à quoi ressemble exactement l'art optique ? Voici cinq des caractéristiques déterminantes qui composent cette arène fascinante, ainsi que certaines des œuvres d'art les plus célèbres au monde.

Géométrie étrange

Époff par Victor Vasarely , 1969, via Christie's

Les motifs géométriques sont un élément important dans la plupart des arts optiques, permettant aux artistes d'expérimenter comment des arrangements complexes de lignes, de couleurs et de motifs peuvent pulser ou gonfler sur une surface plane. Influencé par les réalités alternatives de M.C. Escher, divers artistes Op des années 1960 ont également joué avec des motifs répétés en mosaïque, les tirant ou les étirant dans de nouvelles directions audacieuses. Le peintre français pionnier Victor Vasarely a réalisé des dessins éblouissants tout au long des années 1960 et 1970 qui semblent s'étendre de la surface plane vers l'espace au-delà, comme on le voit dans Epof, 1969. Parfois connu comme le «grand-père» de l'Op Art, sa peinture révolutionnaire est maintenant reconnue dans le monde entier pour son ingéniosité technique et inventive. Il a fait cette remarque célèbre : Faire l'expérience de la présence d'une œuvre d'art est plus important que de la comprendre.

Progression polychrome par Jean-Pierre Yvaralh , 1970, via Christie's

Le fils de Vasarely, Jean-Pierre Yvaral, a suivi les traces de son père dans les années 1970 et 1980, créant des schémas complexes de couleurs et de lumière qui semblent bourdonner d'une énergie rougeoyante. Des lignes horizontales et verticales fluides suggèrent des vagues de mouvement ondulantes, tandis que des modulations subtiles et scintillantes de la lumière créent des effets visuels chatoyants et vertigineux, comme on le voit dans Progression, Polychromie, 1970.

Mouvement

Décalage par Bridget Riley , 1963, via Sotheby's

Le mouvement est une caractéristique clé de l'art optique depuis les années 1960, divers artistes explorant comment induire un mouvement sur une surface plane grâce à des arrangements dynamiques de formes et de couleurs. L'artiste britannique Bridget Riley est l'une des plus connues - tout au long des années 1960 et 1970, elle était fascinée par l'effet optique saisissant des dessins en noir et blanc à contraste élevé, explorant comment les lignes ondulées et les motifs rapprochés et répétés pouvaient invoquer la sensation d'ondulation de mouvement. Ses peintures étaient si puissantes visuellement qu'elles pouvaient provoquer des gonflements, des déformations, des flashs, des vibrations ou même des instabilités, des images rémanentes et des évanouissements. Riley est ensuite passée à l'expérimentation de la couleur, s'inspirant des effets de 'brume de chaleur' de Georges Seurat réalisés en plaçant des couleurs complémentaires côte à côte, une pratique qu'elle a incorporée dans ses motifs géométriques emblématiques.

Spirales 1955 (du portefeuille Sotomagie) par Jesus Rafael Soto , 1955, via Christie's

L'artiste vénézuélien Jesus Rafael Soto était également fasciné par l'invocation du mouvement dans l'art, expérimentant comment des formes et des lignes croisées pouvaient induire des effets visuels flous et désorientants dans des formes bidimensionnelles et tridimensionnelles. Dans sa série Spirales, 1955, le mouvement est créé en superposant des cercles blancs concentriques sur une série de cercles noirs. Des ovales aplatis noirs opposés à de grands oblongs blancs provoquent une friction et un flou radial si les cercles ont commencé à tourner en mouvement.

L'illusion de profondeur

Galerie Marion, Fresque Panama par 1010 , 2015, via Arch Daily

Un autre trope populaire pour les artistes Op est l'illusion de profondeur, un effet qui est parfois si extrême qu'il induit de puissants sentiments de vertige. Cette branche de l'art optique est un phénomène plus récent qui est apparu dans une variété de contextes, des coins de rue aux murs des galeries. Un graffeur allemand anonyme connu sous le nom de 1010 fait une arrestation installations dans des lieux d'art public qui s'étendent sur la géométrie déformée de Vasarely. Sur des murs plats, il crée l'illusion de tunnels caverneux ou de grottes qui nous attirent vers eux avec des couches empilées de couleurs brillantes et un éclairage en clair-obscur dramatique, nous tirant vers leur centre sombre et mystérieux.

Avantage par Aakash Nihalani , 2014, via Colossal Magazine

L'artiste américain Aakash Nihalani réalise également des installations audacieuses et éblouissantes qui semblent ouvrir l'espace sur un plan autrement plat. Travaillant avec des formes géométriques simples peintes avec des contours caricaturaux et des panneaux de couleurs acidulées, ses éclairs, boîtes, fenêtres et interrupteurs imaginaires créent de nouvelles passerelles vers des murs blancs. Ces éléments les animent avec un sentiment de plaisir ludique, ridicule et grossièrement surdimensionné. Il apporte parfois des éléments construits en trois dimensions, comme on le voit dans Avantage, 2014, où une traînée de fausse électricité en bois peint relie les deux murs opposés de la galerie.

Couleurs et impressions contrastées

Dimension (Arrière) par Jen Stark , 2013, via Installation Magazine

S'appuyant sur l'héritage de Bridget Riley et Victor Vasarely, de nombreux artistes Op d'aujourd'hui jouent avec la dissonance discordante créée par la juxtaposition de couleurs et d'imprimés qui s'affrontent dans une seule œuvre d'art. L'artiste américaine Jen Stark est largement reconnue pour ses arrangements de motifs et de couleurs incroyablement brillants, qui s'inspirent des systèmes visuels de la croissance des plantes, de l'évolution, de l'infini, des fractales et des topographies. Construites en couches tridimensionnelles, ses œuvres invitent à être vues sous plusieurs angles, nous encourageant à nous déplacer autour d'elles pour créer des effets visuels scintillants et chatoyants, comme on le voit dans Dimension (Arrière), 2013.

Chromointerférence spatiale de Carlos Cruz Diez , 2018, au Buffalo Bayou Park Cistern, via The Houston Chronicle

L'artiste latino-américain Carlos Cruz Diez a également introduit l'art optique dans des domaines tridimensionnels, explorant comment les affichages kaléidoscopiques de couleurs à motifs peuvent transformer notre compréhension de l'espace. En plus de créer de vastes installations d'art public peintes avec des motifs Op Art vivants, il a également créé des labyrinthes de lumière colorée qu'il appelle chromosaturations, plongeant les espaces de la galerie dans des affichages prismatiques de motifs lumineux. L'écrivain Holland Cotter décrit le visionnement des œuvres : La sensation est légèrement désorientante, vertigineuse, comme si la gravité avait été altérée.

Lumière et espace

La Villette en Suites de Felice Varini , 2015, via Colossal Magazine

Les qualités insaisissables de la lumière et de l'espace ont été incorporées dans de nombreuses œuvres d'Op Art les plus puissantes d'aujourd'hui, en particulier dans la pratique de l'artiste suisse Felice Varini. Tout comme les artistes Op des générations précédentes, il joue avec les langages géométriques des cercles concentriques, des lignes ondulées et des motifs répétés, mais il emmène ces notions dans le monde réel, s'étendant vers l'extérieur à travers d'immenses espaces ouverts. Peints avec des couleurs vives et synthétiquement brillantes sur des espaces gris et industrialisés, ses motifs scintillants apportent de la lumière, de la couleur et de la vie dans des espaces négligés autrement ternes ou ternes. Comme l'anamorphose de Hans Holbein au XVIe siècle, les traînées de couleurs soigneusement peintes de Varini ne se rejoignent que lorsqu'elles sont vues d'un certain point de vue, comme on le voit dans La Villette en Suites, 2015.

L'avenir de l'art optique

Vue d'installation de Peter Kogler à la Galerie Mitterand , 2016, via la Galerie Mitterrand, Paris

En regardant vers l'avenir, beaucoup d'aujourd'hui artistes contemporains explorent comment technologie digitale peut améliorer la portée et la gamme de l'art optique tout en continuant à s'étendre dans l'espace tridimensionnel. Un excellent exemple est l'artiste autrichien Peter Kogler, qui apporte des lignes et des motifs étonnamment complexes et déformés dans des environnements immersifs et englobants qui semblent gonfler et pulser dans et hors des murs plats. Conçus sur ordinateur, ses motifs uniques ont pris une grande variété de formats, notamment des estampes, des sculptures, des meubles, du papier peint, des luminaires, des collages et des installations numériques de la taille d'une pièce. Ses visions fantastiquement surréalistes sont comme jeter un coup d'œil dans un futur inconnu, où nous pouvons entrer directement dans les royaumes de la réalité virtuelle.