4 collaborations emblématiques de l'art et de la mode qui ont façonné le 20e siècle

Trois robes de cocktail, hommage à Piet Mondrian par Eric Koch , 1965, via Vogue France

Les liens entre l'art et la mode définissent des moments spécifiques de l'histoire. Ces deux médiums reflètent les changements sociaux, économiques et politiques des années folles à la flamboyance des années quatre-vingt. Voici quatre exemples d'artistes et de créateurs de mode qui ont contribué à façonner la société par leur travail.

1. Halston et Warhol : une bourse de mode

Quatre portraits de Halston , Andy Warhol, 1975, Collection privée

L'amitié entre Roy Halston et Andy Warhol est celui qui a défini le monde artistique. Halston et Warhol étaient tous deux des leaders qui ont ouvert la voie pour faire de l'artiste/designer une célébrité. Ils ont enlevé la stigmatisation prétentieuse du monde de l'art et ont apporté la mode et le style aux masses. Warhol a utilisé la sérigraphie pour produire des images plusieurs fois. S'il n'a certainement pas inventé le procédé, il a révolutionné l'idée de la production de masse. Halston a utilisé des tissus et des motifs simples et élégants, mais glamour avec son utilisation de paillettes, d'ultrasuede et de soies. Il fut l'un des premiers à rendre la mode américaine accessible et désirable. Les deux ont marqué définitivement l'art et le style tout au long des années 1960, 70 et 80 qui perdurent encore aujourd'hui.

Collaboration et succès commercial

Fleurs par Andy Warhol , 1970, via le Princeton University Art Museum (à gauche) ; avec Lisa par Andy Warhol , 1978, via Christie's (centre); et Fleurs par Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (à droite)

Halston et Warhol ont collaboré ensemble sur de nombreux projets différents. Warhol créerait des campagnes publicitaires mettant en vedette les vêtements de Halston et même Halston lui-même. Dans une collaboration plus directe, Halston a utilisé l'imprimé floral de Warhol sur certains de ses vêtements, d'une robe de soirée à un ensemble de vêtements de détente.

Halston utilisait des motifs simples dans ses vêtements, ce qui les rendait très réussis. Ils étaient simplistes et faciles à porter, mais se sentaient toujours luxueux avec son utilisation de tissus, de couleurs ou d'imprimés. Warhol simplifiera également ses matériaux et son processus, ce qui facilitera la reproduction de ses œuvres et les rendra plus vendables.

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Robe de soirée par Halston , 1972, via Indianapolis Museum of Art (à gauche) ; avec Robe et cape assortie par Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (centre); et Ensemble de salon par Halston , 1974, via l'Université du nord du Texas, Denton (à droite)

Le succès commercial a eu ses défis pour les deux designers. Halston serait le premier à collaborer avec une chaîne de vente au détail, JCPenney, en 1982, qui visait à offrir aux clients une option moins chère pour ses créations. Cela n'a pas été un succès pour sa marque car cela semblait la déprécier, mais cela a ouvert la voie aux futurs designers pour faire de même. Warhol a également été critiqué, sa production étant considérée comme superficielle et superficielle. Cependant, les deux ont modernisé l'utilisation du commerce de détail et du marketing dans leurs espaces respectifs pour créer des marques à vendre au marché de masse.

Le faste et le glamour

Chaussures à poussière de diamant par Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, Londres (à gauche) ; avec Robe Femme, Paillette par Halston , 1972, via LACMA (à droite)

Warhol et Halston étaient tous deux des visiteurs fréquents du Studio 54. Ils ont fait la fête, conçu et produit des œuvres pour des célébrités telles que Liza Minnelli, Bianca Jagger et Elizabeth Taylor. Ces sorties se reflètent dans leurs œuvres car elles ont inspiré et défini l'ère disco des années 1970.

Halston est connue pour créer des tenues de soirée entièrement en sequins. Il posait des paillettes horizontalement sur le tissu. Cela crée un effet chatoyant du matériau, qu'il utiliserait pour créer des motifs ombrés ou patchwork. Ses créations étaient des silhouettes simples qui créaient une aisance et un mouvement pour la danse. Son utilisation des paillettes était très populaire parmi les stars, y compris Liza Minnelli qui portait ses créations pour des performances et des sorties à Atelier 54 .

La série Diamond Dust Shoes de Warhol illustre également la vie nocturne du Studio 54 et l'influence des célébrités. Diamond Dust est ce qu'il a utilisé sur des sérigraphies ou des peintures, créant un élément supplémentaire de profondeur à la pièce. Les empreintes de chaussures de Warhol étaient initialement l'idée d'une campagne publicitaire pour Halston. Il a même utilisé certains des modèles de chaussures de Halston comme source d'inspiration.

Le créateur devenu célèbre a commencé avec Warhol et Halston. Il ne s'agissait pas seulement des types d'art et de vêtements qu'ils créaient, mais aussi de leur vie sociale. De nos jours, il existe des créateurs de mode et des artistes qui sont des personnalités célèbres et cela contribue au succès de leurs marques.

2. Sonia Delaunay : là où l'art devient mode

Sonia Delaunay avec deux amis dans l'atelier de Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonia Delaunay non seulement révolutionné une nouvelle forme de Cubisme mais aussi envisagé les liens entre l'art et la mode. Delaunay et son mari ont été les pionniers Orphisme et expérimenté différentes formes d'abstraction dans l'art. Elle a été la première du genre à utiliser son propre style artistique et à faire la transition vers le monde de la mode en utilisant ses créations textiles, ses imprimés ou ses motifs originaux. On se souvient plus d'elle pour son art et sa connexion avec son mari que pour sa mode. Ses vêtements ont été à la pointe du changement dans les vêtements pour femmes dans les années 1920. Son catalogue de vêtements est davantage rappelé dans les photographies et les références à son art que dans les vêtements physiques eux-mêmes. Pour Delaunay, il n'y a pas de frontière entre l'art et la mode. Pour elle, ils ne font qu'un.

Mode simultanée et rebelle

Robes simultanées (trois femmes, formes, couleurs) par Sonia Delaunay , 1925, via Musée national Thyssen-Bornemisza, Madrid (à gauche) ; avec Robe simultanée par Sonia Delaunay , 1913, via Musée national Thyssen-Bornemisza, Madrid (à droite)

Delaunay a lancé son entreprise de mode dans les années 1920 en créant des vêtements pour des clients et en créant des tissus pour des fabricants. Elle a appelé son label Simultanément et a perfectionné son utilisation de la couleur et du motif sur une variété de supports différents. Simultanisme a joué un rôle important dans son processus de conception. Son utilisation de la technique est très similaire à une courtepointe en patchwork ou à des textiles d'Europe de l'Est. Les couleurs se superposent et les motifs sont utilisés pour créer harmonie et rythme. Ses thèmes communs incluent les carrés / rectangles, les triangles et les lignes diagonales ou les sphères - qui se chevauchent tous dans ses différentes conceptions.

Planche 14 de Sonia Delaunay : Ses peintures, ses objets, son tissu simultané, ses modes par Sonia Delaunay , 1925, via la National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay était une jeune femme pendant la Époque édouardienne où les corsets et le conformisme étaient la norme. Cela a changé dans les années 1920 lorsque les femmes portaient des jupes au-dessus du genou et des vêtements amples et ajustés. Cet aspect est quelque chose que l'on retrouve dans les créations de Delaunay, et elle était passionnée par la création de vêtements adaptés aux besoins des femmes. Elle a conçu des maillots de bain qui permettaient aux femmes de mieux participer à des sports qui inhibaient auparavant la façon dont elles les pratiquaient. Elle a placé ses textiles sur des manteaux, des chaussures, des chapeaux et même des voitures faisant de chaque surface sa toile. Ses créations ont créé une liberté de mouvement et d'expression à travers la couleur et la forme.

La transition de Delaunay au cinéma et au théâtre

Le P’tit Parigot by René Le Somptier , 1926, via IMDB (à gauche) ; avec Costume for ‘Cléopâtre’ in the Ballets Russes production of ‘Cléopâtre’ par Sonia Delaunay, 1918, via LACMA (à droite)

Delaunay est passée au cinéma et au théâtre au cours de sa carrière. Elle a conçu les costumes du film de 1926 Le P’tit Parigot (« La Petite Parisienne ») de René Le Somptier. Delaunay et son mari ont tous deux contribué au film, son mari contribuant aux décors utilisés dans les films. À gauche, la danseuse roumaine Lizicai Codreanu est représentée dans l'un des costumes conçus par Delaunay. Son utilisation des sphères, des zigzags et des carrés est un autre exemple de simultanéisme. Les zigzags du fond se mêlent aux jambières des costumes. Le disque entourant le visage du danseur était un thème récurrent dans les modes de Delaunay.

Elle a également créé des dessins pour ‘Cléopâtre’ , par les Ballets Russes. Semblable à ses collaborations au cinéma, elle a créé les costumes et son mari a travaillé sur la scénographie. Les deux ont collaboré pour créer une expérience harmonieuse pour le spectateur. Le costume de Cléopâtre a des rayures multicolores et des demi-cercles mélangeant son style abstrait des années 1920 au ballet traditionnel.

3. Les collaborations d'Elsa Schiaparelli et de Salvador Dalí

Chaussure en forme de chapeau Schiaparelli par Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí , 1937-38, via Vogue Australie

L'avant-garde de art surréaliste est jumelé avec le chef de file de la mode surréaliste. Salvador Dalí et créateur de mode Elsa Schiaparelli ont collaboré et se sont inspirés tout au long de leurs carrières respectives. Ils ont créé des images emblématiques telles que le Robe Homard , Le chapeau de chaussure (la femme de Dalí, Gala vue ci-dessus), et La robe de déchirure , qui a choqué et inspiré le public à la fois dans l'art et la mode. Dalí et Schiaparelli ont ouvert la voie à de futures collaborations entre créateurs de mode et artistes en comblant le fossé entre ce qui est considéré comme de l'art vestimentaire et la mode.

Le Homard et Dalí

Robe de soirée femme par Elsa Schiaparelli et Salvador Dali , 1937, via le Philadelphia Museum of Art (à gauche) ; Salvador Dalí par George Platt Lynes , 1939, via le Metropolitan Museum of Art, New York (à droite)

Alors qu'un homard est apparemment inoffensif, il est en fait ancré dans la controverse. Dalí a utilisé les homards comme thème récurrent dans son travail et s'intéressait à l'anatomie du homard. Sa coquille agit comme un squelette à l'extérieur, et elle a un intérieur doux à l'intérieur, à l'inverse des humains. Le homard dans l'œuvre de Dalí a également des tonalités sexuelles, issues de la dynamique femme-homme.

La robe Lobster est une collaboration entre les deux artistes avec Dalí esquissant le homard à utiliser sur la robe. Il a suscité beaucoup de controverse lors de sa première apparition en Vogue . Tout d'abord, il a un corsage transparent et une jupe en organza blanc. Cette transparence, montrant l'image à peine visible du corps du modèle, était quelque chose de complètement nouveau dans la mode vue à grande échelle. L'utilisation du tissu blanc contraste également avec le rouge du homard. Le blanc peut être considéré comme virginal ou signifiant la pureté par rapport au rouge, qui peut signifier sexualité, pouvoir ou danger. Le homard est commodément placé sur la jupe pour couvrir la région pelvienne d'une femme. Ce placement est similaire à la photo de Dalí ci-dessus, ce qui signifie en outre la sexualité des femmes par rapport à la réaction des hommes.

Le modèle qui portait le vêtement en Vogue était Wallis Simpson, l'épouse d'Edouard VIII, qui a abdiqué le trône anglais pour l'épouser. C'est encore un autre exemple de prendre une figure ou une image controversée dans la culture et de la transformer en quelque chose à vénérer.

Style effrayant

Femme à tête de roses par Salvador Dali , 1935, via Kunsthaus Zurich (à gauche); avec La Robe Squelette par Elsa Schiaparelli , 1938, via le Victoria and Albert Museum, Londres (à droite)

Les squelettes sont un autre thème vu dans l'art surréaliste et ont été utilisés dans plus de collaborations entre Dali et Schiaparelli. La Robe Squelette était le premier du genre en raison de son sujet, mais aussi en raison de sa technique. Schiaparelli a utilisé une technique appelée matelassé où deux couches de tissu sont cousues ensemble créant un contour. La ouate est insérée dans le contour, créant un effet en relief. Cette technique crée une surface texturée sur le tissu plat donnant l'illusion que des os humains dépassent à travers la robe. Cela a fait scandale car la robe était faite d'une matière collante qui collait à la peau. Les imaginations des peintures et des dessins de Dali ont été réalisées dans le monde physique en trois dimensions par les vêtements de Schiaparelli. Dali, comme mentionné précédemment, s'intéressait à l'anatomie, et cela se traduit également dans son travail.

4. Yves Saint Laurent : là où l'art et l'inspiration se rencontrent

Robe d'inspiration Picasso par Yves Saint Laurent by Pierre Guillaud , 1988, via Times LIVE (à gauche) ; avec Les oiseaux by Georges Braque, 1953, in Musée du Louvre, Paris (right)

Où est la frontière entre l'imitation et l'appréciation ? Les critiques, les téléspectateurs, les artistes et les concepteurs ont eu du mal à déterminer où cette ligne est tracée. Cependant, lors de la discussion Yves Saint Laurent , ses intentions n'étaient rien de moins que la flatterie et l'admiration des artistes et des peintures dont il s'inspirait. En regardant son vaste portefeuille, Saint Laurent s'est inspiré des cultures et de l'art du monde entier, et il l'a incorporé dans ses vêtements.

Si Yves Saint Laurent n'a jamais rencontré les artistes qui l'ont inspiré, cela ne l'a pas empêché de créer des œuvres en leur hommage. Laurent s'est inspiré d'artistes tels que Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,et Picasso . Il était un collectionneur d'art et avait des peintures de Picasso et Matisse dans sa propre maison. Prendre l'imagerie d'un autre artiste comme source d'inspiration peut parfois être considéré comme controversé. Saint Laurent, cependant, utiliserait des thèmes similaires à ceux de ces artistes et les incorporerait dans des vêtements portables. Il a pris un motif en deux dimensions et l'a transformé en un vêtement en trois dimensions qui rend hommage à certains de ses artistes préférés.

Pop Art et révolution des années 60

Robe de cocktail portée par Muriel, hommage à Piet Mondrian, collection haute couture automne-hiver 1965 par Yves Saint Laurent, photographié par Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (à gauche) ; avec Robe du soir portée par Elsa, Hommage à Tom Wesselmann, collection haute couture automne-hiver 1966 par Yves Saint Laurent, photographed by Gérard Pataa, 1966 , via Musée Yves Saint Laurent, Paris (right)

Les années 1960 ont été une période de révolution et de commercialisme et ont été une nouvelle ère pour la mode et l'art. Les créations de Saint Laurent ont connu un succès commercial lorsqu'il a commencé à s'inspirer de Pop Art et abstraction. Il crée 26 robes en 1965 inspirées des peintures abstraites de Piet Mondrian. Les robes incarnaient l'utilisation par Mondrian de formes simplistes et de couleurs primaires audacieuses. Saint Laurent a utilisé une technique où aucune couture n'est visible entre les couches de tissu, donnant l'impression que le vêtement était une pièce entière. Saint Laurent a pris l'art de Mondrian des années 1920 et l'a rendu portable et racontable aux années 1960.

Les robes de style mod sont des exemples classiques du style des années 1960 où l'aspect pratique devenait un problème plus important pour les femmes. Ils étaient similaires aux vêtements des années 1920, qui étaient moins contraints et avaient des manches et des ourlets montrant plus de peau. Les silhouettes carrées de Saint Laurent permettaient l'aisance et le mouvement pour les femmes. Cela l'a également conduit à s'inspirer d'artistes pop art tels que Tom Wesselman et Andy Warhol. Il a créé une ligne de modèles inspirés du pop art qui présentaient des silhouettes et des découpes sur ses vêtements. Il s'agissait de briser les contraintes quant à ce qu'était l'abstraction dans l'art et de commercialiser le design. Laurent a réuni ces deux idées pour créer des vêtements pour femmes qui libèrent et attirent la femme moderne.

L'art de la haute couture

Ensembles du soir, hommage à Vincent van Gogh, portés par Naomi Campbell et Bess Stonehouse, collection haute couture printemps-été 1988 par Yves Saint Laurent, photographié par Guy Marineau , 1988, via Musée Yves Saint Laurent, Pris

La Vincent Van Gogh Les vestes de Saint Laurent sont un exemple de la façon dont Saint Laurent a combiné l'inspiration d'autres artistes et ses propres talents de créateur. Comme ses autres vêtements, les thèmes liés aux artistes n'ont pas été copiés et collés sur les vêtements de Saint Laurent. Ce qu'il a choisi de faire à la place, c'est de s'en inspirer et de créer des pièces qui reflètent son propre style. La veste est représentative du style des années 80 avec ses épaules fortes et son look boxy très structuré. C'est un collage de tournesols brodés dans le style pictural de Van Gogh.

Détail veste tournesol par Yves Saint Laurent , 1988, via Christie's (à gauche) ; avec Tournesols-détail de Vincent Van Gogh , 1889, via le Musée Van Gogh, Amsterdam

Yves Saint Laurent a collaboré avec la maison de Maison Lesage , leader de la broderie haute couture. La veste de tournesol est brodée de perles tubulaires bordant les bords de la veste et de pétales et de tiges de tournesol. Les fleurs sont remplies de différentes nuances de paillettes oranges et jaunes. Cela crée une pièce de texture multidimensionnelle similaire à la technique de Van Gogh consistant à superposer une peinture épaisse sur une toile. On estime qu'il s'agit de l'une des pièces de haute couture les plus chères à être fabriquées, vendue 382 000 euros chez Christie's. Saint Laurent a ouvert la voie à la façon dont on pouvait porter la mode comme une œuvre d'art en soi.