Comprendre l'école d'artistes Ashcan en 6 faits et 7 peintures

Riverain n ° 1 par George Bellows , 1915, via le Columbus Museum of Art, Colomb

L'école Ashcan était un groupe vaguement défini d'artistes américains travaillant au tournant du 20e siècle. Leur travail a commencé à Philadelphie vers la fin du 19e siècle, mais ils sont surtout connus pour les œuvres qu'ils ont produites plus tard, après avoir déménagé à New York au début du 20e siècle. Bien que les rangs de l'école Ashcan ne soient pas strictement définis, Robert-Henri est souvent considérée comme la force dirigeante de l'école d'art Ashcan, avec certains des autres membres les plus éminents, notamment Jean Sloan , Georges Bellow , Everett Shin , Georges Luks , et Guillaume Glackens .

1. L'école Ashcan a pratiqué un nouveau type de réalisme

La ligne de café de John Sloan , 1905, via le Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

L'école Ashcan s'est engagée dans une redéfinition de le réalisme . Cependant, ce réalisme n'était pas nécessairement poursuivi par une simple ressemblance, comme dans les œuvres de Gustave Courbet et le début Peintres réalistes français au début du XIXe siècle . Au contraire, pour les artistes Ashcan, le réalisme a été découvert dans la tactilité ; Dans leurs peintures, la démarcation visuelle des sujets et des scènes se dissout. Les espaces souvent maladroits et tentaculaires des paysages urbains, des scènes d'intérieur et des portraits dans ces œuvres démontrent que le vérisme n'est pas atteint par des moyens typiques.

En revanche, une grande attention est portée à la qualité de la lumière et de l'ambiance de ces images. Cette approche est illustrée par John Sloan La ligne de café , où la ligne titulaire des travailleurs, attendant le café tôt le matin est presque méconnaissable en tant que telle. Au lieu de cela, Sloan se préoccupe d'établir un sentiment d'appartenance. D'épaisses touches de peinture tourbillonnent au bas de la toile : neige sale emmêlée dans les rues de la ville, reflétant la faible lueur des réverbères.

L'art de l'école Ashcan propose qu'une image qui capture, si rien d'autre, la réponse viscérale soit plus essentielle, plus réelle qu'un espace étudié et rendu avec diligence. Alors, alors que les artistes Ashcan se sont engagés à peindre fidèlement la vie autour d'eux, les peintures rapidement brossées communiquent cette vérité principalement par la sensation immédiate et l'attrait haptique.

2. Ashcan Art était collectiviste

EVG chez Sharkey par George Bellows , 1909, via le Cleveland Museum of Art

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Pour l'école d'artistes Ashcan, les corps qui occupent leurs images ne sont pas tant des personnes que des présences. Le mouvement de ces corps à travers l'espace est communiqué avec un impact sévère, mais les corps eux-mêmes sont essentiellement inconnaissables en dehors de la sensation ambiante de présence. Considérez dans George Bellows EVG chez Sharkey comment les traits des boxeurs eux-mêmes sont à peine présents, l'accent est plutôt mis sur le coup de pinceau musclé qui fonctionne comme la sensation de force et d'action dans la peinture. Les seuls visages reconnaissables sont de minuscules caricatures lâches dispersées dans la foule, qui fonctionnent plus comme une suggestion de la présence d'une grande mer de personnes que comme la représentation d'un seul individu.

Alors que la plupart des artistes Ashcan travaillaient au moins occasionnellement dans le portrait, souvent assis les uns pour les autres dans ces cas, ces portraits éludent toujours la question de la description d'un individu. Les sujets des portraits d'Ashcan sont presque invariablement décrits sans gestes ou signifiants de caractère et de personnalité. Le modèle est généralement stoïque, centré sur un fond sombre qui ronge les bords de sa forme. Peu ou pas de contexte est fourni, ce qui signifie que le spectateur est beaucoup moins capable de définir clairement le sujet dans ces images que dans presque tous les autres exemples de portraits. En effet, les portraits sont plutôt compris comme des représentations d'un ensemble plus large de personnes.

3. Ashcan Art concernait la vie quotidienne

Habitants des falaises par George Bellows , 1913, via LACMA

Le terme « art Ashcan » provient d'un commentaire, émis avec dérision envers Robert Henri et son entourage en raison de leur choix de peindre et de dessiner des images de cendriers et de filles retroussant leurs jupes dans la rue Horatio. La représentation d'une variété de personnes dans l'environnement non filtré de la ville et le mépris de la beauté médiatisée étaient radicaux. Des peintures telles que Habitants des falaises de George Bellows capturent des scènes apparemment anodines de la vie urbaine. Cependant, le soin apporté à peindre une telle scène est un acte de vénération envers une classe de personnes souvent invisible dans l'art.

Cet engagement envers le quotidien, et plus particulièrement la vie des travailleurs, remonte à la Réalistes français du début au milieu du 19e siècle, qui peignait couramment des scènes de Les agriculteurs ou d'autres ouvriers. Tandis que le thème du quotidien se prolongeait dans Impressionnisme , l'éventail des modes de vie représentés se restreignit à la classe supérieure. Dans l'impressionnisme, les scènes courantes incluaient des femmes en robe somptueuse se prélassant, ou à leur vanités , ballets , jockeys , plaisanciers , et déjeuners . Ce glissement du sujet des travailleurs, que la critique en France avait qualifié de vulgaire dans les tableaux des réalistes, vers la représentation d'un mode de vie de classe supérieure, décor certainement plus confortable pour les mécènes des arts, s'inverse en le travail des artistes Ashcan.

4. Ashcan Art était journalistique

Rue Hester par George Luks , 1905, via le Brooklyn Museum

De nombreux artistes d'Ashcan ont travaillé comme illustrateurs de journaux. Peut-être à cause de cette association, les œuvres de plusieurs de ces peintres prennent une qualité journalistique. Bien sûr, la peinture réaliste est née d'un désir d'enregistrer et de communiquer la vérité de la vie. Comme l'écrivait Gustave Courbet dans Manifeste réaliste : Savoir pour faire, c'était mon idée. Être en mesure de traduire les mœurs, les idées, l'apparence de mon temps, selon ma propre estimation ; être non seulement peintre mais aussi homme ; bref, créer de l'art vivant, c'est mon objectif.

De toute évidence, Courbet était résolu à peindre d'une manière qui reflète l'époque où il vivait. Ainsi, ce qui distingue l'école Ashcan était une volonté de refléter leur environnement sans le même arbitrage que les réalistes antérieurs avaient pratiqué.

Alors que la peinture réaliste antérieure était beaucoup plus composée et ciblée, les toiles des artistes Ashcan tendent davantage vers le désordre du réel. Nous voyons des rues animées, des intérieurs sombres et incertains, tous regorgeant de corps empilés les uns sur les autres. Cet effet peut être observé dans George Luks Rue Hester , une image qui semble n'avoir aucune action ou sujet immédiatement perceptible au-delà de la foule écrasante qui s'étend sur le plan de l'image.

5. Les artistes d'Ashcan ont combattu le réalisme académique et l'impressionnisme

Enfant qui rit par Robert-Henri , 1907, via le Whitney Museum of American Art, New York

Robert Henri appréciait l'impressionnisme lors de sa formation en France dans les années 1880. Il se réfèrera cependant avec mépris au style comme un nouvel académisme en 1895. À cette époque, l'impressionnisme était bien établi dans Amérique aussi, avec des peintres comme William Merrit Chase parmi les plus célèbres et les plus appréciés du pays. La rébellion du mouvement à ses débuts s'était évanouie, car les impressionnistes ont trouvé une acceptation dominante, redéfinie comme un appareil de la peinture académique contre laquelle ils s'étaient initialement battus.

Bien qu'il existe certainement des parallèles dans la manipulation lâche du matériau dans les toiles d'Ashcan et celles des impressionnistes, les objectifs des peintres d'Ashcan étaient distincts et leurs œuvres ont donc divergé de l'impressionnisme de plusieurs manières importantes. Les valeurs de l'école Ashcan se reflètent de nombreuses façons dans son travail. La palette et l'utilisation de la couleur en sont les expressions les plus évidentes. Au lieu de la couleur exagérée de l'Impressionnisme qui les a précédés, ou de la couleur exubérante et arbitraire des Fauviste , Néo-impressionniste , et Postimpressionniste peinture qui s'est développée parallèlement à eux en France, les artistes Ashcan se sont tournés vers une palette beaucoup plus sombre, plus sobre, explicitement inspirée par des artistes tels que Thomas Eakins , Édouard Manet , et François Hals . Pour ne citer qu'un des nombreux excellents exemples de l'œuvre de Robert Henri, le portrait Enfant qui rit démontre cette palette terreuse et l'utilisation intensive de la couleur noire ou presque noire dans l'art Ashcan.

6. L'école Ashcan n'avait pas peur de la laideur

Le chariot du boucher par George Luks , 1901, via l'Art Institute de Chicago

Bien qu'il existait un précédent pour l'épanouissement expressif et pictural, rien au tournant du siècle ne rivalisait avec la vitalité et la rugosité des toiles de l'école Ashcan. La tolérance pour le coup de pinceau expressif dans des mouvements comme l'impressionnisme était souvent due à la capacité perçue de beauté avec un tel traitement. Le style plus lâche se prêtait à l'exagération et à la distorsion de la couleur et de la forme, qui étaient généralement poursuivies jusqu'à la fin de l'attrait esthétique.

Le style et le processus Ashcan se chevauchaient certainement avec l'impressionnisme à certains égards, mais le but de ces choix était assez différent entre les deux mouvements. La vitalité et l'honnêteté étaient les principales préoccupations de l'école Ashcan, et ils ont donc peint avec des traits vigoureux et rapides pour capturer des moments d'intérêt fugaces dans la ville agitée qu'ils habitaient. Alors que, dans l'impressionnisme académiquement assimilé du tournant du siècle, le style impressionniste avait été effectivement formalisé en un peu plus qu'une préférence esthétique. Avec leur propre style brut et pictural informant des visions de la vie urbaine totalement dépourvues de la pompe perspicace de l'impressionnisme, les artistes Ashcan ont été surnommés les apôtres de la laideur par les critiques.

Comme une déclaration de la tolérance des artistes Ashcan pour la laideur à la fois dans le sujet et le traitement, George Luks Le chariot du boucher est une peinture appropriée pour terminer. Luks peint, avec une franchise étonnante, un morceau de l'infrastructure peu flatteuse de la ville. Bien que l'image soit rendue aussi vaguement que n'importe quelle peinture d'Ashcan, cette rugosité est, plus qu'un obscurcissement du sujet, un moyen de le souligner. La laideur du tableau devient le devenir du sujet.