Jeff Koons est-il vraiment un artiste ?

À un moment donné, beaucoup d'entre nous se sont posé la question : qu'est-ce que l'art? Peut-être que tous les cours d'histoire de l'art au lycée commencent par le fait que l'enseignant demande à une salle pleine d'élèves la même enquête, ce qui peut susciter des regards vides ou un débat intense. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse, cependant. Historiquement, pour être un artiste digne et éligible à l'inclusion dans le canon occidental, il fallait le sexe masculin et, à des degrés divers, la blancheur et le privilège. Ces trois exigences tacites sont remplies par l'artiste vivant le mieux payé aujourd'hui, Jeff Koons.

Qui est Jeff Koons ?

Jeff Koon est une figure polarisante de l'art contemporain; souvent les gens l'aiment ou le détestent. Né en 1955 et originaire de York, en Pennsylvanie, Jeff Koons a fréquenté le Maryland Institute College of Art et, après un voyage mouvementé au Whitney Museum, a été transféré à l'Art Institute of Chicago. En tant qu '«homme d'idées» autoproclamé derrière des sculptures, des peintures et diverses fabrications controversées et parfois infâmes, Koons a été franc sur son absence dans la production matérielle de son travail. Dans un Rencontrez les artistes interview, Jeff Koons explique vaguement l'attrait métaphysique de la lumière et de la réflexion.

Sur des images de lui marchant dans son studio en pantalon bleu marine et une chemise boutonnée pressée, il utilisera des mots à la mode ici et là qui sonnent tous bien et élucident sans dire beaucoup de substance réelle. Il semble que personne ne sourcille devant cette scène profondément ironique. En d'autres termes, une œuvre portant le nom de Jeff Koons est généralement considérée comme de l'art.

Qui est considéré comme un artiste ?

Patauger dans les eaux de savoir qui est ou n'est pas un artiste peut devenir trouble. Cela est dû en partie à la subjectivité de l'art et à son problème historique et institutionnel de contrôle canonique. À cet égard, déplaçons l'enquête ailleurs. Étant donné que Jeff Koons n'a rien à voir avec la production matérielle des œuvres qui portent son nom, peut-il vraiment être considéré comme un artiste ?

Les artistes doivent-ils réellement créer leur propre art pour s'en approprier ? Peut-être que tout cela dément un problème plus profond en jeu. Selon l'économiste et journaliste contemporaine Allison Schrager, '... les artistes qui prospèrent sont ceux qui ont le sens politique pour courtiser les meilleures galeries au début de leur carrière ou se faire connaître pour devenir des stars d'Instagram'. Dans le monde de l'art où le gagnant remporte tout, ceux qui réussissent ne sont peut-être pas les meilleurs artistes ou ne produisent pas de grandes œuvres nées des idées les plus originales ou les plus créatives. Jeff Koon's l'ascension vers la gloire doit davantage à un schéma de marketing réussi d'affaires et de controverse.

Comment la Renaissance peut-elle aider?

Malgré sa contribution inexistante à la production matérielle finale de son œuvre, un photoréaliste peindre comme Lèvres ou sculpture comme Panthère rose crédite toujours Jeff Koons et Jeff Koons seul. Disons que Koons se tient simplement sur les épaules de géants comme Marcel Duchamp , qui est souvent considéré comme le père de l'art conceptuel. Mais juste pour remuer un peu le pot, l'idée de quelque chose et son sous-produit infiniment Instagrammable devraient-ils remplacer les compétences individuelles, les compétences et la formation nécessaires pour être un artiste ? Regarder le passé peut aussi être étonnamment éclairant. Pour un autre coup de douce nostalgie, aventurons-nous à travers l'histoire de l'art jusqu'au Renaissance du Nord .

Cela peut sembler une comparaison disparate, mais gardez à l'esprit le mythe dominant d'un artiste en tant que génie singulier né à la Renaissance. Tout comme leurs homologues italiens, les ateliers ont prospéré dans toute l'Europe du Nord. Pour le contexte, dans l'introduction de leur catalogue Peinture néerlandaise ancienne, (1986), produit pour la National Gallery of Art, John Oliver Hand et Martha Wolff notent au lecteur que les attributions d'atelier ou d'atelier indiquent qu'une pièce a été, 'Produite dans l'atelier ou l'atelier de l'artiste nommé, par des étudiants ou des assistants, éventuellement avec participation de l'artiste nommé. Il est important que le concept créatif soit de l'artiste nommé et que l'œuvre soit destinée à quitter l'atelier en tant que sienne. L'une de ces attributions s'applique à l'atelier tournaisien de Robert Campin et à l'une des premières peintures néerlandaises les plus célèbres et les plus connues, la Triptyque de l'Annonciation (Retable de Mérode), (1427-28).

Robert Campin (1378/9-1444), communément appelé le Maître de Flémalle, est une figure marquante de la Renaissance nordique. Avec son contemporain Jan van Eyck, Campin a été crédité du développement du style naturaliste de la peinture sur panneau et d'une attention particulière aux détails caractéristiques de la région et de l'époque. Bien qu'il soit non daté et non signé, des preuves stylistiques et techniques suggèrent que le retable a été réalisé par étapes sur une période de cinq ans, environ. 1427-32. L'étendue de l'implication de Campin dans la production de la pièce est inconnue et on pense généralement qu'il avait deux apprentis pour l'aider, à savoir Rogier van der Weyden et Jacques Daret.

Conformément à la tradition flamande et à la pratique générale de la Renaissance septentrionale, le Retable de Mérode est un exemple brillant de l'union entre le rendu habile des formes et leur imprégnation de sens. Comme le dit Erwin Panofsky dans son livre Peinture néerlandaise ancienne , (1953), « plus les peintres [flamands] se réjouissaient de la découverte et de la reproduction du monde visible, plus intensément ils ressentaient le besoin de saturer de sens tous ses éléments. Inversement, plus ils s'efforçaient d'exprimer de nouvelles subtilités et complexités de pensée et d'imagination, plus ils exploraient avec empressement de nouveaux domaines de la réalité. Bien que la religion ait informé le symbolisme et la signification de leurs œuvres, les idées derrière une peinture comme la Retable de Mérode n'étaient pas moins valables que les idées individualisées des artistes d'aujourd'hui.

L'exploration de la forme et de la fonction conceptuelle n'est pas exclusive à l'art contemporain, ni du tout un développement né de l'ère moderne. La seule différence, peut-être, est la compétence technique requise des artistes, étayés par leurs assistants ou ateliers, pour concrétiser leurs idées. Cela dit, il est important de distinguer la division du travail du travail entièrement externalisé. En tant que mythe involontaire né de la Renaissance, la nature paradoxale entre la perception d'un artiste individuel et la mentalité de groupe d'un atelier est bien documentée. Bien que nous utilisions la même terminologie, l'atelier de Jeff Koons ne s'apparente pas à un atelier de la Renaissance comme celui de Campin. Les maîtres artistiques des siècles passés n'ont pas besoin de créditer leurs étudiants ou assistants car la relation entre l'artiste et les membres de leur atelier était mutuellement bénéfique.

Après avoir travaillé avec le Maître de Flémalle, Van der Weyden et Daret sont devenus des artistes à part entière. L'influence stylistique de Campin est évidente dans le travail de ses élèves après leur départ de son atelier, tout comme les compétences, la croissance et l'expérience acquises en tant qu'apprentis. Compte tenu de la description de son studio comme d'un cadre d'usine, la relation entre Koons et ses assistants apparaît plutôt exploitante, profitant au premier aux dépens du second. Avec le système d'externalisation complète de la fabrication de Koons, ses idées ne peuvent être produites qu'avec un niveau d'exploitation de base inévitable. Outre le fait que Jeff Koon's éloquence lorsqu'il attribue une valeur sociale et une signification à tout produit de son usine, le sens d'une œuvre, telle que son public la comprend, doit prendre en considération la méthode de sa fabrication.

La marque Jeff Koons et le problème de la paternité

Pour chaque œuvre d'art répertoriée sur son site Web, Jeff Koons reçoit à la fois le crédit et la propriété du droit d'auteur. Bien que, tout comme un architecte, l'étendue de la contribution de Koons à la construction pratique est nulle. Là où le plan d'un architecte sert de feuille de route aux entrepreneurs embauchés pour construire leur conception, Koons n'assume aucune responsabilité pour l'ingéniosité technique et la connaissance exclusive de la façon dont son idée ou son concept est conçu. Cette partie, comme le travail manuel pour concrétiser ses idées, est également externalisée.

Tout cela soulève la question : si Jeff Koons n'est pas un artiste, alors qu'est-il ? Autrement dit, il n'y a pas de réponse simple. Ce qui ne peut être réfuté, ce sont les excellentes compétences en vente et en marketing de Koons. Peut-on vraiment en dire autant de son sens artistique ? D'une part, le monde de l'art a définitivement répondu à cette question avec un retentissant Oui . D'un autre côté, si nous voulons tirer quelque chose des conversations sur la décolonisation de l'histoire de l'art dans les cercles universitaires, nous devons sonder non seulement l'artiste et son art, mais la manière dont son art est produit.

Interdisant l'accès à la fabrication externalisée, Jeff Koons est un autre homme blanc qui s'est commercialisé avec succès en tant qu'artiste tout en revendiquant le travail et le travail des autres comme siens. Il ne faut pas beaucoup d'auto-réflexion, que ce soit figuratif ou une distorsion littérale teintée de rose regardant fixement un Ballon Vénus spectateur, de savoir que cela en dit plus sur le consumérisme que tout ce qui est produit par un studio de Jeff Koons.