Photoréalisme : comprendre la maîtrise de la mondanité

Bus avec reflet du Flatiron Building par Richard Estes , 1966-67, via Smithsonian Magazine et Marlborough Gallery, New York

Le photoréalisme est un mouvement artistique radical des années 1960 en Amérique du Nord qui a vu des peintres copier des photographies dans les moindres détails sur d'immenses toiles expansives. Tout au long du mouvement photoréaliste, les artistes ont fait preuve d'une virtuosité technique magistrale dans la peinture qui ne ressemblait à rien avant lui, mariant d'une manière nouvelle les deux médiums opposés que sont la peinture et la photographie.

Des artistes aussi variés que Malcolm Morley, Chuck Close et Audrey Flack ont ​​adopté le style photoréaliste pour observer le nouveau visage brillant de la culture urbaine d'après-guerre, transformant des sujets humbles ou banals tels que de vieilles cartes postales, des dessus de table en désordre ou des vitrines de magasins en œuvres d'art fascinantes. . Mais surtout, le mouvement artistique photoréaliste a marqué une période capitale dans l'histoire de l'art, car depuis lors, le matériau photographique a joué un rôle essentiel dans le développement de la peinture contemporaine.

L'appareil photo : l'outil d'un peintre pour le photoréalisme

SS Amsterdam devant Rotterdam par Malcom Morley , 1966, via Christie's

Depuis son invention au 19eLa photographie du siècle dernier a inévitablement eu un impact sur la nature et le rôle de la peinture. Ce n'était plus le rôle de la peinture de capturer l'exactitude de la vie, donc la peinture était libre d'être tout à fait autre chose : beaucoup ont soutenu que ce changement a conduit 19eet 20e-art du siècle plus loin dans le domaine de l'abstraction , où la peinture pouvait se comporter comme bon lui semblait. Mais au début des années 1960, de nombreux artistes en avaient assez de jeter de la peinture pour elle-même, recherchant plutôt quelque chose de frais et de nouveau. Entrez les artistes Malcolm Morley et Richard Estes. Le peintre britannique Morley est souvent cité comme le premier artiste à avoir exploré le photoréalisme en créant des copies minutieusement détaillées de cartes postales représentant des paquebots idylliques naviguant sur les eaux bleues éblouissantes dans un style qu'il a qualifié de superréaliste.

Le dîner par Richard Estes , 1971, via Smithsonian Magazine et Marlborough Gallery, New York

Sur les talons de Morley se trouvait le peintre américain Richard Estes, qui a suivi la tendance avec des représentations minutieusement rendues de la façade brillante de New York, des fenêtres polies des restaurants des années 1950 à l'éclat métallique des voitures toutes neuves. Les surfaces réfléchissantes qu'il employait étaient une vitrine délibérée de sa maîtrise magistrale de la peinture et deviendraient extrêmement influentes sur le photoréalisme. Ce nouveau style de peinture ressemblait, au départ, à un retour aux traditions du réalisme, mais en réalité, c'était un tout nouveau domaine de territoire inexploré. Ce qui distingue le travail du photoréalisme des peintres très réalistes du passé était une tentative délibérée de reproduire des qualités uniques à l'image photographique, comme indiqué dans la publication L'art dans le temps : Les artistes photoréalistes des années 1960 et 1970 ont étudié le type de vision propre à l'appareil photo… mise au point, profondeur de champ, détails naturalistes et attention uniforme à la surface de l'image.

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Photoréalisme, Pop Art et Minimalisme

Quincailleries par John Salt , 1981 , via les galeries nationales d'Écosse, Édimbourg

Comme Pop Art et Minimalisme, Le photoréalisme a émergé des années 1950 en Europe et aux États-Unis en réaction contre les langages extrêmement émotifs de Expressionisme abstrait. Le Pop Art est venu en premier, ouvrant la voie avec un accent effronté sur le glamour fantaisiste de la publicité et de la culture des célébrités injectées de couleurs vives acides et de designs simplifiés. Le minimalisme était cool et lisse en comparaison, une approche épurée et raffinée de l'abstraction avec des grilles répétitives, une géométrie et une couleur restreinte. Le mouvement photoréaliste a émergé quelque part entre ces deux courants, partageant l'appropriation de la culture populaire avec le Pop Art , et la rationalité propre et méthodique du minimalisme. Contrairement à l'amusement effronté du Pop Art, les artistes photoréalistes ont observé des sujets banals avec une ironie ironique et impassible qui était dépourvue d'émotion humaine : un contraste primordial peut être observé entre d'Andy Warhol motif Pop iconique de Boîtes de soupe Campbell's, 1962 et les observations photoréalistes de John Salt d'une vitrine de quincaillerie à Quincailleries , 1981. Le photoréalisme s'est également heurté au minimalisme en rendant des éléments de contenu narratif ou réaliste par opposition à leur langage pur et propre de simplicité réductrice.

Artistes principaux

Chrysler '64 par Robert Bechtle , 1971, via Christie's

Au début des années 1970, le photoréalisme prend de l'ampleur et devient un énorme phénomène à travers l'Amérique du Nord. Les chefs de file du nouveau style comprenaient les artistes californiens Robert Bechtle, Ralph Goings et Richard Mclean et à New York les peintres Chuck Close, Audrey Flack et Tom Blackwell. Plutôt qu'un groupe unifié, chaque artiste a travaillé de manière indépendante, abordant un style photoréaliste dans son propre cadre conceptuel. Robert Bechtle a peint des scènes qu'il a qualifiées d'essence de l'expérience américaine, reflétant l'iconographie visuelle de la publicité avec des scènes banlieusardes ordinaires de familles et leurs automobiles fiables comme symbole ultime du luxe capitaliste. Cependant, son accent sur le placage plat et brillant est un peu trop parfait, suggérant que l'obscurité se cache derrière cette façade superficielle. Richard Mclean a également produit une vision idéalisée de la vie américaine, mais il a présenté des sujets équestres ou bovins au lieu de l'étalement des banlieues, documentant les cavaliers intelligents, les maîtres-animaux et les chevaux brillants sous un soleil de plomb comme le véritable emblème du rêve américain.

Médaillon par Richard Mcclean , 1974, via le musée Guggenheim, New York

Un mouvement est né

Divers noms ont d'abord été lancés à cette équipe hétéroclite de jeunes artistes en plein essor, notamment le nouveau réalisme, le super-réalisme et l'hyper-réalisme, mais c'était le galeriste new-yorkais Louis K Meisel qui a d'abord inventé le terme 'photoréalisme' dans le catalogue de la Musée Whitney exposition Vingt-deux réalistes, 1970. Suite au succès de cette exposition, Meisel s'est ensuite réinventé en tant que pom-pom girl individuel pour le photoréalisme dans les années 1970, consacrant sa propre galerie SoHo à la promotion d'œuvres d'art photoréalistes, ainsi qu'en publiant un guide strict en cinq points décrivant dans des détails précis à quoi une œuvre d'art photoréaliste devrait ressembler. Un autre moment marquant pour le mouvement photoréaliste est survenu en 1972 lorsque le conservateur suisse Harald Szeemann dirigé l'ensemble documents 5 en Allemagne comme vitrine du style photoréaliste intitulé Interroger le réel – Les mondes picturaux aujourd'hui, mettant en vedette le travail de 220 artistes travaillant avec des styles de peinture photographiques.

Comment ont-ils fait ?

Grand autoportrait de Chuck Close, 1967-68, via le Walker Art Center, Minneapolis

Les artistes photoréalistes ont exploré une gamme d'astuces inventives et parfois ingénieuses pour obtenir des résultats d'une précision aussi impressionnante. Le peintre new-yorkais Chuck Close a réalisé d'immenses portraits minutieusement détaillés de lui-même et de ses amis en combinant plusieurs techniques révolutionnaires. La première consistait à appliquer une grille à une image polaroid pour la décomposer en une série de petits composants, puis à peindre chaque infime partie à la fois pour l'empêcher d'être submergé par l'énormité de la tâche à accomplir. Il a comparé cette approche méthodique au « tricot », car l'image est construite méthodiquement rangée par rangée. Close a également appliqué des éléments de peinture avec un aérographe et gratté avec des lames de rasoir pour obtenir des zones de définition plus fines et a même attaché une gomme à une perceuse électrique pour vraiment travailler dans ces zones de tonalité plus douces. Étonnamment, il revendique son emblématique 7 pieds sur 9 pieds Grand autoportrait, 1967-68 a été réalisé avec seulement une cuillère à café de peinture acrylique noire.

Seconde Guerre mondiale (Vanité) par Audrey Flack , 1977, via Christie's

En revanche, sa collègue artiste new-yorkaise Audrey Flack projetait ses propres images photographiques sur une toile comme guide pour la peinture; la première de ses œuvres à être réalisée de cette manière fut Portrait de famille Farb, 1970. Travailler avec la projection lui a permis d'atteindre un niveau de précision éblouissant qui n'aurait pas été possible à la main seule. Flack appliquait ensuite de fines couches de peinture sur ses toiles avec un aérographe, supprimant ainsi toute trace de sa main dans le résultat final. Contrairement aux styles détachés de ses contemporains, les peintures de Flack étaient souvent investies d'un contenu émotionnel plus profond, en particulier ses études de natures mortes qui faisaient écho à la tradition du memento mori avec des objets soigneusement placés symbolisant la brièveté de la vie tels que des crânes et des bougies allumées, comme on le voit dans des travaux tels que Seconde Guerre mondiale (Vanité), 1977.

Hyper-réalisme

Homme sur un banc par Duane Hanson , 1977, via Christie's

Dans le sillage du mouvement photoréaliste, une nouvelle version gonflée du style a émergé tout au long des années 1970, connue sous le nom d'hyperréalisme. Contrairement à l'œil mécanique général et détaché des sujets photoréalistes, l'hyperréalisme s'est concentré sur des sujets délibérément émotifs, tout en renforçant le sentiment d'admiration et d'ampleur de leurs sujets avec des échelles énormes, un éclairage extrême ou des allusions au contenu narratif. Conservateur, écrivain et conférencier indépendant Barbara Maria Stafford décrit le style du magazine de la Tate Gallery Documents de la Tate comme quelque chose qui est artificiellement intensifié et forcé de devenir plus réel qu'il ne l'était lorsqu'il existait dans le monde réel.

La sculpture était un volet particulièrement important de l'art hyper-réel, en particulier les moulages de corps en fibre de verre des sculpteurs américains Duane Hanson et John de Andrea, qui placent des personnages incroyablement réalistes dans des poses ou des scénarios qui font allusion à des histoires inédites sous la surface. Le sculpteur australien contemporain Ron Mueck a poussé ces idées à l'extrême ces dernières années, produisant des emblèmes figuratifs surréalistes qui parlent de la complexité de la condition humaine avec des échelles décalées visant à amplifier leur impact émotionnel. Son énorme nouveau-né dans Une fille, 2006, mesure plus de 5 mètres de long, capturant avec un drame théâtral la merveille miraculeuse de mettre un enfant au monde.

Une fille par Ron Mueck , 2006, via la National Gallery of Melbourne, Australie et L'Atlantique

Idées récentes en photoréalisme

Bouclé par Jeff Koons , 1999, via le Musée Guggenheim, Bilbao

Le photoréalisme a atteint son apogée dans les années 1970, mais depuis lors, des variations du style ont persisté au cours des décennies suivantes. Après l'explosion des technologies de l'information dans les années 1990, une nouvelle vague d'artistes a adopté des méthodes de travail photoréalistes, mais beaucoup ont dépassé le littéralisme du mouvement artistique photoréaliste en introduisant des éléments d'édition numérique créative sur des programmes informatiques.

Sans titre (Océan) par Vija Celmins , 1977, via le musée d'art moderne de San Francisco

Dans l'artiste américain Jeff Koon's kitsch, Easyfun-éthéré série, y compris l'œuvre Bouclé, 1999, il crée des collages numériques contenant de séduisants extraits découpés de magazines et de panneaux publicitaires, qui sont ensuite mis à l'échelle en peinture par son équipe d'assistants sur d'immenses toiles de la taille d'un mur. À l'autre extrémité du spectre, l'artiste américaine Vija Celmins réalise de minuscules dessins et impressions sur papier en noir et blanc, magnifiquement observés, illustrant les vastes étendues de l'océan ou le ciel nocturne rempli d'étoiles avec de minuscules marques et taches répétitives qui ne font que révèlent les traces de leur fabrication.

Morts peu profondes par Glenn Brown , 2000, via la Gagosian Gallery, Londres

Le peintre britannique Glenn Brown adopte une toute autre approche ; s'appuyant sur le langage surréaliste de l'hyperréalisme, il réalise des copies photoréalistes d'œuvres d'art expressionnistes célèbres qui brillent d'une aura de lumière non naturelle comme si elles étaient visualisées sur un écran d'ordinateur. Le processus complexe de Brown consistant à copier en peinture une photographie de l'œuvre d'un autre artiste révèle à quel point nos expériences de voir et de faire des peintures sont étroitement liées à l'expérience numérique d'aujourd'hui.