La révolution mexicaine en 5 grandes œuvres d'art

Pendant la plus grande partie de son histoire, le Mexique s'est trouvé entouré de conflits. Comme dans le reste du monde, à travers toutes les turbulences, l'art est resté une constante dans le pays comme un refuge face aux difficultés. De même, l'art s'est consolidé comme une forme d'expression qui permet la nuance, l'introspection et le commentaire, en particulier le commentaire social. Avant, pendant et après l'un des conflits les plus sanglants du pays, la révolution mexicaine, l'art s'est retrouvé à l'épicentre de la critique des injustices et de l'appel à un monde meilleur.

Des œuvres d'art anti-autoritaires et pro-démocratiques aux œuvres égalitaires et utopiques, l'art était à la fois un outil et une arme. Les artistes ont choisi de se mettre au premier plan de la discussion révolutionnaire, devenant même parfois des militants à la limite. Leur travail et leurs idées ont transcendé le conflit armé et se sont positionnés au centre d'une conversation plus large sur la lutte, le sens et l'identité. Voici 5 excellents exemples qui résument la ferveur de la révolution mexicaine.

un. Le crâne de Garbancera , 1912, par José Guadalupe Posada

Bien qu'il ne parle pas explicitement de la révolution mexicaine, Le crâne de Garbancera parle de l'arrière-plan du conflit. Jose Guadalupe Posada l'a créé à l'origine comme une caricature qui accompagnait les commentaires sociaux et a été distribué sous forme de tract. Ce type d'écriture était populaire à l'époque, apparaissant avec des crânes illustrés décoratifs. Posada n'a pas été le premier à proposer l'idée, mais sa version est devenue un symbole folklorique mexicain.

Le mot ' pois chiche ' se traduit par 'relatif aux pois chiches', mais l'utilisation ici fait référence à la Mexicains d'origine qui a cessé de vendre des produits indigènes et a commencé à vendre des pois chiches, qui avaient été importés d'Europe à la place. Le terme a été utilisé comme péjoratif pour critiquer les attitudes générales qui préféraient les modes de vie européens, en particulier espagnols et français, et qui tentaient de rejeter ou de limiter la culture mexicaine authentique. De telles attitudes se sont propagées sous le règne de Porfirio Diaz, le dirigeant et dictateur mexicain de l'époque, qui a favorisé la culture européenne. Posada critiquait ce régime et trouvait les élites qui le soutenaient tout aussi honteuses. Son art a révélé leur dédain pour la culture mexicaine et les a critiqués avec des œuvres telles que Le crâne de Garbancera .

L'art de Posada était populaire auprès des moins privilégiés grâce à son humour et à ses commentaires. Il dépeint leur souffrance et leur misère, ainsi que l'hypocrisie et les erreurs des élites. Chez Posada Crâne Garbancera a servi de principale source d'inspiration pour Diego Rivera catrina dans sa peinture murale 'Rêve d'un dimanche après-midi dans le centre d'Alameda'. Dès lors, la représentation de La Catrine est devenu un symbole populaire de la mort au Mexique, apparaissant couramment dans les festivités du Jour des Morts. Le travail est aussi un « calaverita littéraire » (crâne littéraire), une composition poétique qui raconte une histoire irrévérencieuse sous la forme d'une épitaphe, ornée de crânes.

2. épopée du peuple mexicain , 1935, de Diego Rivera

Diego Rivera est l'un des artistes les plus renommés de la révolution mexicaine. Son travail et sa relation avec Frida Kahlo ont solidifié son image. Il est normalement considéré le porte-drapeau du muralisme mexicain , le mouvement artistique du XXe siècle qui a dominé le Mexique post-révolutionnaire. Il faisait partie de les trois grands muralistes ('les trois grands') aux côtés de Jose Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros. Son travail dépeint généralement l'idiosyncrasie de la société mexicaine, les luttes et les aspirations de la révolution et les idéaux généraux de gauche, dont il était un fervent partisan.

Dans épopée du peuple mexicain , également connu sous le nom de 'L'histoire du Mexique', Rivera dépeint une vision grandiose du Mexique. Commandé par le secrétaire à l'éducation, Rivera a peint la fresque murale de 1929 à 1935 à Palais national . Il est divisé en trois sections principales : l'aile droite représente la civilisation préhispanique mexicaine à travers le mythe toltèque de Qu'est-ce que Acatl Topiltzin , le centre dépeint l'histoire mexicaine de la Conquête espagnole aux années 1930, et l'aile gauche dépeint une vision de gauche pour l'avenir du Mexique.

La révolution mexicaine occupe le devant de la scène, située en haut et au centre de la section centrale. Un point culminant clé est l'apparition du révolutionnaire Emiliano Zapata tenant une banderole dans laquelle sa célèbre demande ' terre et liberté » (« Terre et liberté ») est écrit.

La peinture murale peut être appréciée comme une œuvre d'art complexe à plusieurs couches. Il est dérivé, inspiré et plein d'espoir de la Révolution mexicaine. Mais les raisons de son existence racontent également une histoire plus grande sur la révolution elle-même. C'est un exemple de l'État post-révolutionnaire qui tente de solidifier la révolution dans l'esprit du pays en tant que tournant de son histoire et de sa société en faisant progresser la révolution mexicaine et ses idéaux dans le Mexique moderne et contemporain à travers l'art.

3. Attaque contre les enseignants ruraux , 1936, par Aurore Reyes

À première vue, le muralisme mexicain semble avoir été exclusivement composé d'hommes, mais bien qu'il ait été certainement dominé par eux, plusieurs femmes artistes ont eu un impact significatif sur le mouvement. Des artistes comme Rina Lazo, Elena Huerta, Electa Arenal et bien d'autres ont prouvé que les femmes étaient tout aussi capables de produire un travail de qualité, percutant et conséquent. La murale Attaque contre les enseignants ruraux a été peint par Aurora Reyes, la première muraliste mexicaine du mouvement.

Chez Reyes premier travail , l'histoire violente d'une attaque contre des enseignants ruraux est racontée, mais un récit plus profond se cache entre les coups de pinceau. On peut voir une enseignante se faire agressivement tirer par les cheveux par un homme qui en même temps détruit un livre et détient de l'argent. L'enseignant est également touché par la crosse d'une arme tandis qu'un groupe de trois élèves assiste à la violence depuis la ligne de touche. L'histoire racontée par Reyes, qui était également enseignant, est basée sur l'attaque réelle contre des enseignants ruraux perpétrée la même année dans la petite ville de San Felipe Torres Mochas, Guanajuato.

Le tableau décrit également les causes systématiques de ces actes de violence. Selon Reyes, le scapulaire suspendu au cou de l'un des agresseurs et l'argent entre les mains de l'autre mettent en évidence deux origines principales de la violence : la religion et le capitalisme. Activiste et communiste de longue date, Reyes croyait que la violence pouvait être mieux comprise si elle était vue sous un angle plus large, qui pourrait expliquer ses raisonnements et ses motivations plus profonds. La violence masculine occupe une place centrale dans le tableau, mais l'acte d'accusation de Reyes ne va pas exclusivement vers les hommes; au contraire, l'accusation transcende les individus et atteint le système politique et économique, ainsi que la culture.

Quatre. Du porfirisme à la Révolution , 1966, David Alfaro Siqueiros

En 1957, le directeur du Musée national a commandé une fresque monumentale qui pourrait «compléter les témoignages du passé». L'artiste en charge de la nouvelle murale était peintre David Alfaro Siqueiros , l'un des trois grands maîtres du mouvement muraliste mexicain. La peinture murale n'a été terminée qu'en 1966 car Siqueiros a été emprisonné de 1960 à 1964 en raison de son activisme politique.

A droite de la fresque, le dictateur Porfirio Diaz apparaît entouré de danseurs de cancan et de son cabinet de soumission, signifiant son influence et son admiration pour la culture française et européenne. Il semble également fouler aux pieds la Constitution, marquant son autorité et son mépris de la loi. Vers le centre, défilant des rangées de ' rural' peut être vu, la deuxième branche de l'armée couramment utilisée par Diaz pour réprimer les soulèvements. A côté d'eux figurent plusieurs Rangers américains, évoquant leur intervention lors de la grève de Cananea, une mine rentable du nord du Mexique appartenant à un citoyen américain.

Le centre de la pièce rend clair le message de Siqueiros : le dirigeant syndical Fernando Palomares et William C. Greene, le propriétaire de la mine, se battent pour le drapeau du Mexique, représentant la lutte pour le contrôle de l'autonomie politique et économique du Mexique.

Vers la gauche, on peut voir défiler des rangées d'ouvriers et d'intellectuels de gauche célèbres s'approcher du centre pour lutter pour leurs droits. Sur la gauche de la peinture murale, les rangées de révolutionnaires en marche se mêlent aux ouvriers, signifiant les racines populaires de la révolution et la lutte des classes inférieures. Du porfirisme à la Révolution est plus littéral par rapport au reste de l'œuvre de Siqueiros et à certaines des autres peintures murales de l'époque, mais il raconte une importante partie concentrée de l'histoire dans laquelle l'avenir du pays a radicalement changé.

5. Retable de la Révolution , 1968, de Juan O'Gorman

de Juan O'Gorman Retable de la Révolution est une pièce emblématique sur un moment précis dans le temps. Au début de la révolution mexicaine, le de facto le chef est devenu Francisco I. Madero, qui apparaît au centre de la pièce à cheval et tenant le drapeau mexicain. Madero était un homme d'affaires propriétaire terrien du nord du Mexique qui, bien qu'ayant des idéologies similaires à celles de Diaz, était finalement farouchement opposé à la poursuite du régime du dictateur. Une telle attitude a abouti à sa célèbre devise politique, qui couronne la peinture murale d'O'Gorman : suffrage effectif, pas de réélection (suffrage effectif, pas de réélection).

Le règne de Madero n'a duré qu'un peu plus d'un an; il a été trahi par les loyalistes de Diaz, qu'il a maintenus au pouvoir à ses côtés. Verger victorien et deux autres loyalistes, unis à l'ambassadeur américain, Henry Lane Wilson, ont conspiré pour déposer Madero et installer un nouveau gouvernement qui reviendrait au statu quo précédent. Wilson et Huerta sont représentés sur la peinture murale, apparaissant à gauche, avec l'ambassadeur remettant la bande présidentielle, symbole officiel de la présidence, à Huerta. Le reste de la fresque dépeint la scène du ' marche de la loyauté », une marche menée par Madero dans le cadre de la tentative de coup d'État.

La peinture murale est un exemple puissant d'un événement important interprété rétrospectivement. Les gens à l'époque et les gens se rendent compte maintenant de la terrible erreur commise par Madero, marquée par la représentation de son frère, qui apparaît à côté de la femme de Madero et de son vice-président, à droite de la peinture murale. Au-dessus d'eux, un couple de colombes peut être vu assis, signifiant leur paix par rapport aux hyènes au-dessus de Wilson et Huerta. Le frère de Madero l'avait averti de la menace que représentait Huerta, mais Madero l'a ignoré.