Voici comment les critiques sociales de William Hogarth ont façonné sa carrière

William Hogarth a mis en lumière la nature hypocrite de la morale et de l'éthique au cours des années 1700 en Angleterre. Son dégoût envers les interprétations propagandistes françaises de la vie des riches à travers le rococo a inspiré l'une de ses séries morales les plus populaires. Avec l'avènement de l'imprimerie généralisée, il a pu diffuser ses opinions sur les actions du peuple sous une nouvelle forme de christianisme et une Angleterre plus industrieuse, snobant également les Français et dépeignant ses visions cyniques mais réalistes du monde.

Jeunesse et carrière de William Hogarth

Autoportrait par William Hogarth , 1735, via le site Web du Yale Center for British Art

On peut dire qu'il n'y a pas beaucoup d'informations sur la vie de William Hogarth, cependant, ce que l'on sait peut nous donner beaucoup d'informations sur la façon dont ses alignements moraux ont commencé. Pour commencer, il est né dans une famille de la classe moyenne à Londres. Cependant, la famille avait des revenus fluctuants en raison des mauvaises affaires et des dettes de son père pour lesquelles il a fini par aller en prison.

Beaucoup supposent que c'est le père de Hogarth qui a inspiré une grande partie de la direction morale présente dans ses œuvres, notamment en raison du fait que c'est la dette de son père qui a empêché Hogarth d'aller à l'école, ce qui lui a permis d'être apprenti chez un graveur en premier lieu. De plus, on peut affirmer que ses peintures et ses gravures donnent une certaine inclinaison à son histoire. Dans le livre, Les Oeuvres de William Hogarth, il est indiqué par Sir Robert Walpole, comte d'Orford , que Hogarth les oeuvres sont son histoire (Clerk 1810), et en regardant ses œuvres, on constatera que cela sonne vrai.

Chambre des communes – Administration de Sir Robert Walpole par William Hogarth, Sir James Thornhill et Anthony Fogg , 1803, via le Metropolitan Museum of Art, New York

De nombreux aspects fondamentaux des œuvres de William Hogarth montrent un intérêt pour ceux qui l'entourent. Pendant son temps comme apprenti graveur et longtemps après, il a analysé la nature des gens et leurs sensibilités dans des croquis qu'il ferait des visages qu'il a vus dans les rues de Londres. C'est à l'époque où il travaillait et apprenait à devenir graveur qu'une autre des entreprises commerciales de son père a échoué et qu'il s'est retrouvé en prison, un fait dont Hogarth n'a jamais parlé.

Vous appréciez cet article ?

Inscrivez-vous à notre newsletter hebdomadaire gratuiteRejoindre!Chargement...Rejoindre!Chargement...

Veuillez vérifier votre boîte de réception pour activer votre abonnement

Merci!

Les enfants Graham par William Hogarth , 1742, via la National Gallery, Londres

Hogarth n'a pas terminé son apprentissage en tant que graveur mais est parti avec des compétences qui lui ont permis de travailler de manière indépendante comme graveur sur cuivre. Finalement, il a pu payer une éducation à la St Martin's Lane Academy et acquérir les compétences fondamentales et formelles nécessaires pour travailler sérieusement dans les beaux-arts. Malgré les échecs de son père, Hogarth a pu travailler strictement avec l'intention d'être le successeur de son père.

Au cours de sa carrière de peintre anglais, Hogarth s'est fait un nom local en tant que portraitiste. Pour lui, cela est devenu une entreprise insatisfaisante et qui n'a pas bien payé. Des années après la négligence de son père, il était encore évident que l'artiste était strict avec l'argent et voulait être très soucieux de l'argent tout en travaillant à la pige. Ces questions l'ont amené à élargir davantage ses horizons, ajoutant des critiques sociales à ses œuvres et véhiculant un message moral qu'il valorisait à travers sa pratique.

Où il concentre ses critiques sociales

Crédulité, superstition et fanatisme par William Hogarth , 1762, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Il existe de nombreux arguments quant à l'origine du système de croyances morales de Hogarth. Il est possible que ses croyances religieuses, sa relation avec sa famille et ses expériences avec l'argent aient façonné ses valeurs et ses idéaux représentés dans son travail. Sa fascination pour la vie de ceux qui l'entourent, ainsi que ses propres expériences de pénurie et d'abondance, ont permis à Hogarth de créer des œuvres à partir de perspectives variées.

Cela l'a également rendu cynique envers la nature gaspilleuse et frivole de la croûte supérieure de la société. Hogarth était également un satiriste connu, donc au début de sa carrière, il avait déjà un œil pour la critique sociale. Le fondement de la satire a toujours été la critique.

Crédulité, superstition et fanatisme par William Hogarth , 1762, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Quant aux activités religieuses de William Hogarth, il était un déiste connu : quelqu'un qui croit en une puissance supérieure qui a créé le monde et les êtres qui y résident, mais qui n'agit pas dans les vies humaines. Hogarth a réalisé des œuvres telles que Crédulité, superstition et fanatisme et sa série Industrie et Farniente . Sa gravure Crédulité, superstition et fanatisme est arrivé tard dans sa carrière, deux ans avant sa mort. L'œuvre était pratiquement considérée comme l'œuvre majeure de Hogarth par Sir Robert Walpole.

Cette pièce est le point culminant de la volonté des gens de croire des bêtises, montrée du point de vue de Hogarth. La crédulité est la volonté hyperactive de croire que quelque chose est réel ou vrai, indépendamment de la preuve. C'était quelque chose qui rendait Hogarth fou, que ce soit la volonté des gens de croire quelque chose basé sur la religion ou une rumeur. Il voulait que les autres voient à quel point ils avaient été ridicules dans leurs croyances.

Crédulité, superstition et fanatisme par William Hogarth , 1762, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Si vous regardez à droite sur la gravure, un thermomètre apparaît. C'est mesurer les différents types de condition humaine, ou ce qui réside dans le cœur humain. De la luxure au désespoir et à la déprime, beaucoup de choses sont documentées sur ce thermomètre.

L'apprenti industrieux accomplissant le devoir d'un chrétien par William Hogarth , 1747, via le Metropolitan Museum of Art, New York

La Industrie et Farniente série a une gravure appelée L'apprenti industrieux accomplissant le devoir d'un chrétien . Ici, Hogarth expose la nature hypocrite du devoir chrétien. L'apprenti lui-même est dévoué, bien qu'il choisisse d'être à côté de la fille qui lui plaît, ce qui signifie que sa priorité n'est pas nécessairement la parole de Dieu. Deuxièmement, les gens en arrière-plan parlent entre eux. Ils ne font pas attention du tout, comme l'homme qui dort derrière le jeune apprenti. Performant est le mot parfait pour décrire cette pièce car chaque personne présente n'est là que pour accomplir son devoir. Ils ne se soucient pas vraiment des enseignements moraux.

Le dégoût de Hogarth pour la nature hypocrite et fanatique du christianisme en Europe, illustré par le Rococo français était la base de plusieurs de ses œuvres. C'est pourquoi on a tendance à mettre l'accent sur le manque de comportement moral de la classe supérieure avec son Marriage-à-la-Mode et Le progrès d'une prostituée .

Le mouvement artistique rococo et le dégoût de Hogarth

La réunion by Jean-Honoré Fragonard , 1771-1772, via la Frick Collection, New York

Le rococo est né en France à la fin du XVIIe siècle et a persisté jusqu'au XVIIIe siècle. Il était considéré comme la dernière étape du mouvement baroque; parfois il est même considéré comme le baroque tardif. L'art rococo a pris la nature théâtrale et ornée du baroque et l'a transformé en quelque chose de séduisant et de chic. Ce n'était pas comme des œuvres comme David par Gian Lorenzo Bernini qui avaient un ton théâtral mais sérieux et dépeignaient un moment sérieux dans une œuvre religieuse. Le fossé entre le rococo et le baroque se résume au sujet, vraiment. Lorsque le rococo est finalement arrivé en Grande-Bretagne entre 1740 et 1750, il était considéré comme un style strictement français. Mais William Hogarth a créé la base esthétique de l'art rococo britannique.

Le Bénédicité by Jean Baptiste Siméon Chardin , 1725-1750, via le musée du Louvre, Paris

Si nous devions comparer William Hogarth à n'importe quel artiste rococo français, nous pourrions regarder Jean-Baptiste-Siméon Chardin car ses œuvres se concentraient sur les bourgeois domestiques sans trop se soucier des choses frivoles. La principale différence serait que Chardin ne choisissait pas ses sujets pour les humilier mais pour informer les autres de la vie quotidienne réelle de ceux qui les entouraient. Cela rappelle beaucoup le Mouvement de réalisme et les travaux de Gustave Courbet et ses œuvres remarquables telles que Les Casseurs de pierres.

La balançoire by Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, via la Wallace Collection, Londres

Hogarth était l'un des rares peintres anglais à s'être concentré sur le rococo une fois qu'il a fait son apparition en Grande-Bretagne. Cela étant dit, il a estimé que les vues françaises sur la frivolité, au sein de la classe supérieure en particulier, étaient insensées. Sa réponse à des œuvres comme La balançoire by Jean-Honoré Fragonard était sa série Marriage-à-la-Mode .

La séquence picturale et son importance

Le progrès d'une prostituée : Planche 3 , 1732, via le site Web du Metropolitan Museum of Art

Au cours de son ère de gravure, ainsi que de peinture, Hogarth a créé des œuvres qui fonctionnaient en tandem les unes avec les autres de manière séquentielle. Lui-même dans son Notes autobiographiques a déclaré qu'il avait découvert qu'il était le pionnier du genre de la séquence picturale. Certaines de ses premières œuvres représentées en séquence picturale étaient de nature plus salace dans l'espoir d'acquérir un autre type de clientèle. Ce travail a fini par être le travail fondamental de la première série de séquences picturales de Hogarth, Le progrès d'une prostituée . Il a continué à travailler avec ce sujet car il était rentable en raison des possibilités de reproduction à travers les gravures. Il a également pu assumer lui-même cette tâche. L'inspiration derrière le titre de cette série était Le cheminement du pèlerin par John Bunian .

A Rake's Progress VI: La maison de jeu par William Hogarth , 1734, via le site Web de la collection du musée de Sir John Soane

Le conservateur de Le progrès d'un râteau VI : La Maison des jeux, au musée Sir John Soane, Joanna Tinworth a déclaré que les séquences picturales étaient innovantes parce que les récits picturaux montraient en série des aspects de la vie contemporaine du XVIIIe siècle. Les lieux et les personnages représentés, souvent tirés de la vie réelle, auraient été immédiatement reconnaissables par les contemporains de Hogarth (Tinworth, 2021).

Hogarth a utilisé une séquence picturale dans sa série remarquable représentant des sujets moraux modernes, tels que Le progrès d'une prostituée , Le progrès d'un râteau , et Marriage-à-la-Mode . La séquence picturale n'était pas seulement innovante mais radicale en ce sens qu'elle obligeait les personnes représentées à rendre des comptes, créant un espace où d'autres devaient parler de leur propre moralité et de leurs croyances primordiales.

Qu'est-ce qui a mis Hogarth sur la carte ?

Le progrès d'une prostituée : Planche 2 par William Hogarth , 1732, via le site du Metropolitan Museum of Art

Le progrès d'une prostituée a créé non seulement son propre genre, mais également sa base de consommateurs. Avec sa façon de vendre par abonnement et ses peintures étant son marketing, Hogarth créait des œuvres que les gens ne savaient pas qu'ils voulaient ou dont ils avaient besoin. Sa séquence picturale distingue ses œuvres car elles étaient destinées à accrocher le spectateur et à l'engager pleinement dans l'histoire de la pièce. Créer des œuvres de nature un peu promiscuité était ce dont les gens de l'ère rococo avaient besoin, et Hogarth en a pleinement profité, créant finalement Le progrès d'un râteau .

Le progrès d'une prostituée : Une critique de la femme au travail

Le progrès d'une prostituée Série complète (planches 1 à 6) par William Hogarth , 1732, via Sanders d'Oxford

Le progrès d'une prostituée est une série de six œuvres qui non seulement a mis Hogarth sur la carte, mais a également forcé les gens à remettre en question leur propre position morale et éthique concernant la vie des travailleuses du sexe. William Hogarth a fait référence à de nombreuses personnes réelles que les clients reconnaîtraient et s'immergeraient pleinement dans leur travail. Par exemple, le personnage principal de la série est Moll Hackabout qui est soupçonné d'être une combinaison de deux femmes, Moll Flanders et Kate Hackabout. Moll Flandre était le nom d'un roman de Daniel Defoe qui décrivait les aventures de Moll Flanders. Kate Hackabout était une travailleuse du sexe renommée en Angleterre. Le nom a été fait pour être ironique et avoir un ton sombre sous-jacent.

Le progrès d'une prostituée : Planche 1 par William Hogarth , 1732, via le Metropolitan Museum of Art, New York

La première planche de la série était une image de notre principal personnage fictif arrivant à Londres et cherchant un travail de couturière. Elle est plutôt trompée, selon l'oie dans l'un de ses sacs, en lui faisant croire qu'elle a l'occasion de faire un travail de bonne réputation pour Elizabeth Needham, une madame connue dans l'Angleterre des années 1700. Moll est un personnage naïf facile à manipuler, ce que William Hogarth a voulu dépeindre ici, montrant le manque de plein consentement de la part de Moll.

La préfiguration de sa chute inévitable est montrée avec les casseroles à gauche juste avant leur chute. Dans assiette deux nous voyons qu'elle est maintenant devenue la maîtresse d'un riche marchand, ayant perdu son innocence envers l'homme et un monde de luxe que nous voyons disposé en désordre devant elle. Les peintures accrochées autour de son appartement illustrent davantage sa promiscuité et son état moralement corrompu.

Le progrès d'une prostituée : Planche 4 par William Hogarth , 1732, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Dans la troisième planche, nous la voyons tomber, car elle est maintenant criblée de syphilis. Sa femme de chambre est plus âgée, contrairement à sa femme de chambre de la planche deux, donnant au spectateur l'idée que sa carrière de femme active touche à sa fin et que sa jeunesse est éphémère. De plus, dans la quatrième planche, William Hogarth fait prendre conscience du fléau de l'argent rapide et facile de l'époque. L'image montre Moll entrant en prison avec d'autres, ses marchandises ne lui appartenant plus. Elle se tient sous une pancarte qui dit Mieux vaut travailler que rester ainsi, nous donnant un aperçu plus approfondi de la croyance globale de Hogarth pour ceux qui ne prennent pas la voie morale pour gagner de l'argent. Moll est montrée comme n'ayant aucun allié avec sa femme de chambre lui volant des chaussures en bas à droite.

Le progrès d'une prostituée : Planche 5 par William Hogarth , 1732, via le site Web du Metropolitan Museum of Art

Progrès de la prostituée : Planche 6 par William Hogarth , 1732, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Dans la finale de cette série, Moll tombe malade puis meurt des suites d'une maladie vénérienne. Elle a aussi un fils qui subira le même sort qu'elle. Il est assis sous son cercueil dans la plaque six, tandis que des personnes qui auraient connu et se souciaient de Moll utilisent son cercueil pour des hors-d'œuvre et des boissons, lui manquant de respect même après sa mort. L'histoire de Moll est censée être l'ultime récit édifiant et l'anecdote éthique. La série est satirique mais ses tons sombres n'ont pas manqué à ceux qui ont fréquenté cette série.

Marriage-à-la-Mode by William Hogarth

Marriage-à-la-Mode: The Marriage Settlement par William Hogarth , 1743, via la National Gallery, Londres

William Hogarth Marriage-à-la-Mode est une série de six peintures qui était la finale de sa série de séquences picturales, avec un accent satirique sur la vie conjugale des personnes soi-disant illustres et recherchées de la classe supérieure. Hogarth voulait que les gens remettent en question les œuvres du rococo français et réalisent à quel point c'était vraiment propagandiste. Il voulait montrer que beaucoup de ces mariages de la classe supérieure n'étaient pas basés sur l'amour et que la nature intrigante et frivole montrée dans les œuvres de Rococo était loin de la vérité.

Deux pièces qui illustrent le ressentiment de Hogarth envers le rococo sont les peintures numéro deux et six de la série. L'un est représenté du point de vue d'un homme et l'autre du point de vue d'une femme. Cela nous donne une vue complète de la perspicacité de Hogarth.

Mariage à la mode : Le suicide de la comtesse , 1743, via la National Gallery, Londres

Le suicide de la comtesse , le sixième et dernier tableau de la série, doit être analysé ici en premier, car il se rattache bien au tableau de Hogarth. Le progrès d'une prostituée. Cette pièce se déroule dans la demeure d'une famille bourgeoise anglaise. La famille n'est pas de la classe la plus élevée car leur maison a l'air plus morne. Cela se voit à travers leur chien affamé, les murs altérés et le manque d'œuvres d'art visibles. À gauche, on voit une comtesse mourante et son mari retirer son alliance après avoir découvert qu'elle avait une liaison avec un homme qui vient d'être déclaré mort. L'homme qui se tient à l'extrême droite en vêtements beiges est le messager. Nous le savons grâce à sa posture. La bonne tient la fille de la comtesse près d'elle pour lui dire au revoir alors qu'elle se suicide, la mort de son amant pesant sur elle.

Mariage à la mode : Le suicide de la comtesse (Fermer) , 1743, via la National Gallery, Londres

C'est un fait médical connu que la syphilis peut être transmise au fœtus par le placenta pendant la grossesse. L'un des symptômes caractéristiques de la syphilis était des plaques ressemblant à des verrues sur la peau. Il y a une tache sur la joue gauche de la petite fille qui pourrait être un signe révélateur de la syphilis. Si tel est le cas, le comte n'aurait-il pas été au courant de l'affaire ? Si tel est le cas, cela montre la nature immorale de leur mariage et le manque de loyauté les uns envers les autres.

Mariage à la mode : Le suicide de la comtesse (Gros plan 2) , 1743, via la National Gallery, Londres

Les chiens ont tendance à symboliser de nombreuses idées dans l'art, telles que la fidélité, la richesse ou l'amour. On le voit dans des œuvres comme Vénus d'Urbino par Titien et Anne Louis Girodet Roucy-Trisson s Le Sommeil d'Endymion. Les chiens sont un motif qui peut être vu dans de nombreuses pièces de cette série. Dans Le suicide de la comtesse , le manque de fidélité dans la relation est ce qui peut être pris en compte. Le chien montré comme affamé représente le manque d'amour dans ce mariage ainsi que le manque de fidélité de la comtesse. Le chien se faufilant pour arracher la nourriture de la table est parallèle à l'affaire de la comtesse dans une tentative de satisfaire son besoin d'amour véritable, derrière le dos de son mari. William Hogarth affiche parfaitement le manque de romantisme et la nature terne d'une affaire que les artistes rococo français ont montré sous un jour ludique et positif.

Marriage-à-la-Mode: The Tête à Tête par William Hogarth , 1743, via la National Gallery, Londres

La deuxième pièce de la série TheTête à Tête a plus un caractère comique que l'œuvre tragique précédente. Ce tableau montre la misère que le mari endure cette fois. Tout comme le tableau précédent, il y a un désintérêt mutuel pour le mariage. Le chien en bas à droite détourne le regard du couple, ce qui représente l'idée qu'ils cherchent tous les deux à se divertir ailleurs. Le mari est assis, épuisé, sur sa chaise, regardant dans l'espace, désintéressé. Nous savons qu'il rentre d'un bordel à cause d'un bonnet de femme dans sa poche. La femme est physiquement séparée de son mari, épuisée par la fête qui s'est déroulée la nuit précédente. Cependant, elle a un regard plus heureux sur son visage que lui. La pièce est montrée comme désordonnée et aucun d'eux ne semble s'en soucier.

Marriage-à-la-Mode: The Tête à Tête (Fermer) , 1743, via la National Gallery, Londres

Derrière eux, au-dessus du manteau, une peinture de Cupidon est montrée. Elle est cependant partiellement couverte par un buste. Le nez du buste est cassé, ce qui est un symbole d'impuissance qui traduit la tension sexuelle dans leur mariage. Il est important de savoir que le peuple était la principale inspiration de William Hogarth car il y avait un surplus d'immoralité et d'hypocrisie lors de l'avènement de l'idéologie méthodiste et d'un pic économique. Cela s'est produit parce que l'Angleterre est entrée dans l'ère industrielle et négocie davantage. Ses séquences picturales et ses contes moraux sont l'aboutissement de la perte de la peur des conséquences de ses actes.