6 artistes féminines emblématiques que vous devriez connaître

Maman , une sculpture de l'artiste Louise Bourgeois

Maman, une sculpture de l'artiste Louise BourgeoisLe Walk of Fame de l'histoire de l'art est pavé de noms d'artistes masculins, mais commence à collectionner davantage d'artistes féminines. La perception générale d'un maître et d'un chef-d'œuvre masculin est fortement influencée par le fait que leurs homologues féminins sont presque totalement absents de nos manuels scolaires et des galeries de musées les plus importantes.

Artistes féminines aujourd'hui

Dans l'industrie cinématographique, la sous-représentation des femmes dans les rôles principaux en tant que réalisatrices et productrices a provoqué de nombreuses vagues d'indignation au cours des deux dernières années. Les hashtags se multiplient sur les réseaux sociaux tels que #OscarsSoMale montrent qu'il existe une forte demande pour plus de visibilité féminine.

Il en va de même pour l'industrie de l'art, bien que le tollé ne soit pas aussi fort qu'à Hollywood. L'une des raisons pourrait être que, du moins dans l'art moderne et contemporain, il y a eu une évolution plus lente et plus régulière vers la représentation d'un plus grand nombre de femmes. Dès 1943, Peggy Guggenheim a organisé une exposition entièrement féminine dans sa tristement célèbre galerie new-yorkaise L'art de ce siècle , y compris les contributions de Dorothée Bronzage et Frida Kahlo . Cette entreprise pionnière, appelée 31 Femmes , a été le premier du genre en dehors de l'Europe. Depuis lors, beaucoup de choses ont changé. Aujourd'hui, de nombreuses galeries représentent toujours plus d'artistes féminines. De plus, il y a plus de femmes qui contribuent à des festivals d'art prestigieux et elles remportent des prix importants.

Grosse Fatigue, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Cependant, les femmes artistes sont encore sous-représentées dans le paysage muséal. La société d'information sur le marché de l'art Art net a révélé dans une analyse qu'entre 2008 et 2018, seulement 11% de toutes les œuvres acquises par les meilleurs musées américains l'étaient par des femmes. Ainsi, lorsqu'il s'agit d'une compréhension historique de l'art, il reste encore beaucoup de travail à faire pour accroître la visibilité des artistes féminines et de leur travail.

Voici un tour d'horizon de mes artistes femmes préférées à travers l'histoire de l'art, jusqu'à aujourd'hui, que j'apprécie pour leur maîtrise des multiples médias, pour leur pensée conceptuelle, pour leur traitement des sujets centrés sur le féminin et ainsi, pour créer une œuvre remarquable et unique .

Camille Henriot

L'artiste féminine contemporaine d'origine française Camille Henrot est célèbre pour son travail avec différents médias allant du film à l'assemblage et à la sculpture. Elle s'est même aventurée dans l'Ikebana, une technique japonaise traditionnelle d'arrangement floral. Mais ce qui rend son travail vraiment remarquable, c'est sa capacité à combiner des idées apparemment contradictoires. Dans ses œuvres complexes, elle oppose la philosophie à la culture pop et la mythologie à la science. L'idée sous-jacente et globale de ses œuvres n'est jamais trop évidente. Camille Henrot est passé maître dans l'art d'emballer les choses avec élégance, créant des atmosphères subtiles et mystiques. Ce n'est qu'après vous être immergé dedans que vous pourrez relier les points.

Pour mieux l'illustrer, prenons un exemple : Entre 2017 et 2018, Camille Henrot expose une Carte Blanche au Palais de Tokyo à Paris, intitulée Les jours sont des chiens . Elle s'interroge sur les rapports d'autorité et de fiction qui déterminent notre existence, et s'empare d'une des structures les plus fondamentales de notre vie – la semaine – pour organiser sa propre exposition. Alors que les années, les mois et les jours sont structurés par une donnée naturelle, la semaine, au contraire, est une fiction, une invention humaine. Pourtant, le récit qui le sous-tend ne diminue pas ses effets émotionnels et psychologiques sur nous.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, photographie par Andy Keate via camillehenrot.fr

Dans l'une des salles, Camille Henrot expose son installation Le renard pâle , qui avait auparavant été commandée et produite par la Chisenhale Gallery. Elle l'a utilisé pour représenter le dernier jour de la semaine - le dimanche. Il s'agit d'un environnement immersif construit sur le précédent projet de Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) - un film récompensé par le Lion d'argent à la 55e Biennale de Venise. Alors que Grosse Fatigue raconte l'histoire de l'univers en treize minutes, The Pale Fox est une méditation sur notre désir commun de comprendre le monde à travers les objets qui nous entourent. Elle accumule du matériel personnel et le superpose selon un excès de principes (les directions cardinales, les étapes de la vie, les principes philosophiques de Leibniz), créant l'expérience physique d'une nuit blanche, une psychose cataloguée. Sur son site, elle précise qu'avec The Pale Fox, j'avais l'intention de moquer l'acte de construire un environnement cohérent. Malgré tous nos efforts et notre bonne volonté, on se retrouve toujours avec un caillou coincé à l'intérieur d'une chaussure.

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Haris Épaminondas

Le travail de l'artiste chypriote se concentre sur les collages expansifs et les installations multicouches. Pour l'exposition internationale au 58e Biennale de Venise , elle a combiné des matériaux trouvés tels que des sculptures, de la poterie, des livres ou des photographies, qu'elle a utilisés pour construire avec soin l'une de ses installations caractéristiques.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, photographie de Tony Prikryl

Semblable à Camille Henrot, ses compositions ne révèlent pas immédiatement leurs significations profondes. Cependant, ce qui différencie son travail de celui de Camille Henrot, c'est qu'elle n'inscrit pas ses objets dans des récits complexes et des théories conceptuelles. Au lieu de cela, ses installations sont organisées de manière beaucoup plus simple, évoquant un sens de l'ordre minimaliste. Ce n'est qu'après avoir examiné de plus près les objets individuels que vous remarquerez les contradictions derrière une esthétique apparemment parfaite. Pour ses compositions, Haris Epaminonda utilise des objets trouvés qui, dans une compréhension traditionnelle, seraient complètement étrangers les uns aux autres. Par exemple, vous pouvez trouver un bonsaï debout à côté d'une colonne grecque de manière presque naturelle. L'artiste emmêle ses objets dans un tissu de significations historiques et personnelles inconnues du public et, probablement, d'elle-même aussi. Si Haris Epaminonda n'ignore pas les histoires implicites de ses objets, elle préfère les laisser exercer leur pouvoir intrinsèquement.

VOL. 27, Haris Epaminonda, 2019, via moussemagazine.it

Pour sa vidéo de trente minutes Chimera, Haris Epaminonda a remporté le prix de la 58e Biennale de Venise Lion d'argent prix en tant que jeune participant prometteur et depuis lors, est l'une des étoiles filantes internationales de l'art contemporain.

La poigne d'Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby est née au Nigéria et vit et travaille actuellement à Los Angeles. Adolescente, sa mère remporte la loterie de la carte verte, permettant à toute la famille de s'installer aux États-Unis. Dans ses peintures, Akunyili Crosby reflète ses expériences en tant que membre de la diaspora nigériane contemporaine. Sur de gigantesques surfaces de papier, elle applique plusieurs couches afin de représenter des portraits et des intérieurs domestiques, juxtaposant profondeur et planéité.

Cette artiste féminine travaille avec une technique mixte contenant des transferts photographiques, de la peinture, du collage, du dessin au crayon, de la poussière de marbre et du tissu, entre autres. De cette façon, l'artiste crée des peintures extraordinaires qui illustrent des thèmes domestiques plutôt ordinaires dans lesquels elle se représente elle-même ou sa famille. Son travail est vraiment axé sur les contrastes, tant sur le plan formel que sur le fond. En regardant de plus près les détails de ses peintures, vous trouverez des objets tels qu'un radiateur en fonte indiquant les hivers froids de New York ou une lampe à pétrole posée sur une table, par exemple, qui est tirée des souvenirs d'Akunyili Crosby du Nigeria.

Maman, maman et maman (prédécesseurs n° 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

Cependant, les contrastes ne sont pas seulement limités à ce qui précède : en 2016, une forte demande soudaine pour le travail d'Akunyili Crosby, qu'elle produit lentement, a dépassé l'offre. Cela a fait exploser les prix de ses œuvres sur le marché. Cela a culminé avec la vente d'une de ses peintures à la vente aux enchères d'art contemporain de Sotheby's à novembre 2016 pour près d'un million de dollars, établissant un nouveau record d'artistes. Seulement six mois plus tard, une œuvre est vendue par un collectionneur privé pour environ 3 millions de dollars à Christie's Londres et en 2018, elle a vendu un autre tableau pour environ 3,5 millions de dollars à Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

L'artiste franco-américaine est surtout connue pour ses sculptures à grande échelle, la plus célèbre étant une gigantesque araignée en bronze, la 'Louise Bourgeois Spider' intitulée Maman qui voyage constamment à travers le monde. D'une hauteur de neuf mètres, elle a créé une représentation surdimensionnée et métaphorique de sa propre mère, même si l'œuvre n'a pas du tout pour but de révéler une relation tragique entre mère et fille. Au contraire : La sculpture est un hommage à sa propre mère qui travaillait comme restauratrice de tapisseries à Paris. Tout comme les araignées, la mère de Bourgeois renouvelait les tissus - encore et encore. L'artiste percevait ainsi les araignées comme des créatures protectrices et secourables. La vie est faite d'expériences et d'émotions. Les objets que j'ai créés les rendent tangibles, a dit Bourgeois pour expliquer son propre travail.

Maman, Louise Bourgeois, 1999, via guggenheim-bilbao.eus

En plus de créer des sculptures, elle était également une peintre et graveuse prolifique. En 2017 et 2018, le musée d'art moderne à New York (MoMA) a consacré une rétrospective de l'œuvre moins connue de l'artiste, intitulée An Unfolding Portrait, se concentrant principalement sur ses peintures, croquis et estampes.

Ma vie intérieure, Louise Bourgeois, 2008, via moma.org

Quel que soit le média utilisé par l'artiste aux multiples talents, Bourgeois s'est principalement concentré sur l'exploration de thèmes tournant autour de la domesticité et de la famille, de la sexualité et du corps, ainsi que de la mort et de l'inconscient.

Gabriele Münter

Si tu sais Vassily Kandinsky , Gabriele Münter ne devrait pas être un moindre nom pour vous. L'artiste féminine expressionniste était à l'avant-garde du groupe Le Cavalier bleu (Le Cavalier bleu) et collabore avec Kandinsky, qu'elle a rencontré lors de ses cours à l'école Phalanx de Munich, institution d'avant-garde fondée par l'artiste russe.

Portrait de Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky a été le premier à remarquer les capacités de peinture de Gabriele Münter au début du XXe siècle. Leur relation professionnelle – qui a fini par devenir également personnelle – a duré près d'une décennie. C'est à cette époque que Gabriele Münter apprendra à travailler avec un couteau à palette et des coups de pinceau épais, appliquant des techniques qu'elle a dérivées du français. Fauves .

Avec ses compétences nouvellement acquises, elle a commencé à peindre des paysages, des autoportraits et des intérieurs domestiques dans des couleurs riches, des formes simplifiées et des lignes audacieuses. Après un certain temps, Gabriele Münter a développé un intérêt plus profond pour peindre l'esprit de la civilisation moderne, un thème commun aux artistes expressionnistes. Tout comme la vie elle-même est une accumulation de moments transitoires, elle a commencé à capturer des expériences visuelles instantanées, généralement de manière rapide et spontanée.

La Maison Jaune (La Maison Jaune), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

Pour évoquer des sentiments, elle utilise des couleurs vives et crée des paysages poétiques riches en fantaisie et en imagination. La relation entre Gabriele Münter et Kandinsky a fortement marqué le travail de l'artiste russe. Il a commencé à adopter l'utilisation des couleurs saturées de Gabriele Münter et son style expressionniste dans ses propres peintures.

Leur relation a pris fin lorsque Kandinsky a dû quitter l'Allemagne pendant la Première Guerre mondiale et a donc dû retourner en Russie. À partir de ce moment, Gabriele Münter et Kandinsky ont poursuivi une vie séparée l'un de l'autre, mais leur influence mutuelle sur les œuvres de l'autre est restée.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp est probablement l'une des femmes artistes les plus polyvalentes de l'histoire de l'art. Elle a travaillé comme peintre, sculpteur, designer textile et scénographe et comme danseuse, entre autres.

Scénographie pour König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, photographie de E. LinckL'artiste suisse a commencé comme professeur de broderie, de tissage et de design textile à l'Université des Arts de Zurich. En 1915, elle rencontre son futur mari Jean Hans Arp , qui avait fui l'armée allemande pendant la Première Guerre mondiale et qui avait rejoint le Mouvement Dada . Il l'a initiée au mouvement et par la suite, elle a participé à des spectacles organisés par le dadaïstes au Cabaret Voltaire. Elle a contribué en tant que danseuse, chorégraphe et marionnettiste. En outre, elle a conçu des marionnettes, des costumes et des décors pour ses propres performances et celles d'autres artistes au Cabaret Voltaire .

En plus de se produire lors d'événements Dada, Sophie Taeuber-Arp a créé des œuvres textiles et graphiques qui comptent parmi les premières œuvres constructivistes de l'histoire de l'art, avec celles de Piet Mondrian et Kasimir Malevitch.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia CommonsEn outre, elle a été l'une des premières artistes à appliquer des pois dans ses œuvres. Sophie Taeuber-Arp avait une compréhension distinguée des formes géométriques sophistiquées, de l'abstraction et de l'utilisation des couleurs. Ses œuvres ont souvent été considérées comme pionnières et en même temps joyeuses.

En 1943, Sophie Taeuber-Arp décède des suites d'un accident chez Max Bill. Elle et son mari avaient décidé de passer la nuit car il était tard. C'était une froide nuit d'hiver et Sophie Taeuber-Arp alluma le vieux poêle de sa petite chambre d'amis. Le lendemain, son mari la retrouve morte à cause d'une intoxication au monoxyde de carbone.

Sophie Taeuber-Arp et son mari Jean Arp avaient travaillé en étroite collaboration lors de divers projets communs. Ils étaient l'un des rares couples de l'histoire de l'art à ne pas correspondre aux rôles traditionnels de l'artiste et de sa muse. Au lieu de cela, ils se sont rencontrés au niveau des yeux et ont été également respectés et appréciés par leurs amis artistes - Marcel Duchamp et Joan Miró étant deux d'entre eux - et par des critiques d'art pour leurs œuvres