9 artistes corporels canoniques que vous devriez connaître

Les artistes corporels réalisent souvent des œuvres sur la relation entre le corps et l'esprit. À travers leur corps, ils explorent des thèmes comme la souffrance, la douleur, la nudité ou la honte. L'art corporel traite également du genre, du pouvoir et de l'identité. Les artistes du corps ont souvent brouillé les frontières existantes dans la relation entre l'artiste et le public. Ces dernières années, de nombreux artistes corporels ont expérimenté des implants corporels et des corps virtuels. Voici 9 artistes du corps que vous devriez connaître.

Qu'est-ce que l'art corporel ?

L'étendue de l'art corporel est large : les modifications du corps et du visage existent depuis longtemps depuis la préhistoire. Le tatouage et la peinture faciale sont des pratiques anciennes issues des cultures indigènes de Nouvelle-Zélande et d'Amérique du Nord. Les mimes peuvent également être considérés comme un type d'art corporel originaire de la Grèce antique. Art de la performance , également connu sous le nom de Body art, est apparu pour la première fois comme un médium à part entière au milieu des années 1960, puis a connu un renouveau dans les années 1990.

Au cours des années 1960 et 1970, le monde occidental a connu plusieurs révolutions sociales comme la lutte pour l'égalité des femmes. La perpétuation des idéalisations du corps des femmes dans l'art et les médias occidentaux, que les hommes ont massivement générés, a commencé à être étudiée par les artistes et les historiens de l'art. Les artistes féministes se sont réappropriées leurs corps et ont utilisé de nouvelles façons de les représenter. En utilisant leurs corps en performance est devenu un moyen pour de nombreux artistes d'affirmer leur contrôle.

En utilisant leur corps, les artistes ont relié leurs expériences individuelles à l'expérience humaine partagée. La performance d'un artiste corporel a donc fonctionné comme une synecdoque à l'humanité et aux défis auxquels nous sommes confrontés pour trouver un terrain d'entente pour nos expériences. Le corps est devenu un outil parfait pour montrer que quelque chose de personnel était bien politique.

1. Chris Burden

​​Chris Burden a cimenté sa place dans l'histoire de l'art avec l'œuvre intitulée Tirer . Lors d'une exposition publique en 1971, l'artiste controversé a invité un ami à lui tirer dessus avec un fusil .22 à une distance de 15 pieds. Le tireur était légèrement hors cible et la balle est entrée dans le bras de Burden. Cette performance a permis au public d'être témoin d'un exemple réel de ce qui se passe quand quelqu'un se fait tirer dessus. La désensibilisation de la société à la violence et la différence entre voir un événement terrible en direct et à la télévision étaient les thèmes principaux de ce travail.

2. Marina Abramovic

En réponse aux innombrables meurtres dans l'ex-Yougoslavie, Abramovic compose le baroque balkanique. Elle a passé quatre jours à laver chacun de ces os sanglants, assise sur 1 500 os de vache, vêtue d'une robe blanche, entourée de photographies projetées d'elle et de ses parents. Elle a chanté quelques-unes des chansons folkloriques de son pays et enregistré une explication sur la façon d'éliminer les rats dans le Balkans . En raison de la chaleur torride et de la puanteur nauséabonde dans la chambre du sous-sol, la progression des performances est devenue viscérale. Elle croyait que l'analogie entre l'incapacité de laver tout le sang et l'incapacité d'effacer la honte de la guerre avait une application universelle.

3. Yoko Ono

Yoko Ono a été l'un des pionniers de l'art participatif. Ono l'a interprétée pour la première fois Pièce coupée à Kyoto en 1964. Depuis, elle l'a interprétée à Tokyo, New York, Londres et, plus récemment, à Paris en 2003. L'implication des autres est fondamentale dans son travail. Pièce coupée dépend de la volonté du public de comprendre et de se conformer aux instructions de l'artiste, ou aux règles qu'elle a appelées le score . Ces règles définissaient les rôles des participants.

Pièce coupée avait l'artiste assise sur une scène dans son plus beau costume, tenant une paire de ciseaux devant elle. Le public a été invité à s'approcher d'elle un par un, en utilisant les ciseaux pour couper un petit morceau de son vêtement qu'ils devaient garder. Certaines personnes s'approchèrent prudemment d'elle, coupant un petit carré de tissu de sa jupe ou de sa manche. D'autres sont venus hardiment, coupant les bretelles du soutien-gorge ou le devant de ses vêtements. Dans une interview au MoMA, Ono a déclaré : Quand je fais le Cut Piece, j'entre en transe, et donc je ne me sens pas trop effrayé.… Nous donnons généralement quelque chose avec un but… mais je voulais voir ce qu'ils prendraient…. Il y eut un long silence entre l'un personne qui arrive et la personne suivante qui arrive. Et j'ai dit que c'était fantastique, belle musique, tu sais? Ba-ba-ba-ba, coupe ! Ba-ba-ba-ba, coupe ! Belle poésie, en fait.

4. Valie EXPORT

Cette photographie montre une femme traçant le paysage urbain de Vienne avec son corps en se penchant en arrière pour imiter la courbe du trottoir. L'image se superpose à une ligne rouge épaisse qui suit la forme soulignée par la position, mettant en évidence la relation entre la ville et le corps. C'est une partie de la configurations du corps ( Configurations du corps ) série sur laquelle Valie EXPORT a commencé à travailler au milieu des années 1970. Les personnages de la série accentuent la géométrie de la ville. Les tirages sont mis en valeur par des ajouts comme la ligne rouge vue dans l'œuvre ci-dessus ou l'encre noire peinte sur des tirages à la gélatine argentique. Le corps de l'artiste est représenté comme quelque chose qui contraste avec le paysage urbain.

5. Gina Volet

Gina Pane est surtout connue pour elle Action pièces, dans lesquelles elle exécutait une série d'actions en utilisant son propre corps. Ces actions exigeaient fréquemment une endurance physique extrême et une tolérance à la douleur. Elle a encouragé le public à sympathiser émotionnellement avec ce qu'elle vivait. Elle a exécuté ses actions en privé, mais elles ont été définies et tournées avec précision afin que le spectateur puisse ressentir la profondeur émotionnelle de la pièce même s'il n'avait pas observé sa réalisation.

Action sentimentale C'est une œuvre complexe à plusieurs niveaux qui utilise le langage visuel du rituel et de la religion pour commenter le plaisir, le chagrin et l'amour entre femmes. Pane a interprété cet acte devant un public entièrement féminin au Milan’s Galerie de diagrammes . Elle est entrée dans la galerie vêtue de tout blanc tout en tenant des roses rouges. Elle a offert les roses au public et les a ensuite reprises. Elle a enlevé les épines et a poignardé son bras avec elles en les arrangeant soigneusement dans une rangée. Elle a ensuite coupé la paume de sa main avec une lame de rasoir. Après quoi, elle a commencé à offrir au public des roses blanches tachées par sa paume ensanglantée. La juxtaposition du blanc et du rouge, le sang et les stigmates marquent tous le sacrifice et font allusion à la théologie chrétienne.

6. ORLAN

ORLAN est pionnière de ce qu'elle considère Art charnel . Elle pose des préoccupations intrigantes sur le consentement, l'image de soi et la beauté qui préfigurent et inspirent de nombreux débats actuels sur le transhumanisme, la technologie utopique et la modification corporelle. Les méthodes qu'ORLAN utilise pour attirer l'attention du public sur son corps, telles que les caméras, les microscopes et les flux en direct, sont essentielles pour le sens de ses œuvres. Le corps d'ORLAN est le sujet principal de ses œuvres. Son travail explore le processus de la chirurgie plutôt que le produit final de la chirurgie plastique, faisant du corps altéré un lieu de débat public plutôt qu'un spectacle.

7. Beth Stephens et Annie Sprinkle

Annie Sprinkle a traité du sexe et de l'amour dans divers contextes, du point de vue d'une travailleuse du sexe et d'une actrice porno à celui d'une artiste de performance. Elle et sa partenaire Beth Stephens sont des pionnières de l'écosexualité, une forme d'identité sexuelle terre à terre qui déclare que la Terre est notre amante . Voir la nature comme un amoureux suggère qu'un lien avec la Terre est réciproque et, par conséquent, l'écosexualité tient les gens responsables de la protection de l'environnement. Cela remet en question les notions hétéronormatives et redéfinit les concepts de genre, d'amour et de sexualité.

Beth Stephens et Annie Sprinkle ont épousé Earth en 2008. Le premier mariage a été suivi de nombreux autres, dont un mariage blanc avec la neige, un mariage violet avec la lune et bien d'autres. Les invités au mariage ont rejoint Stephens et Sprinkle alors qu'ils juraient d'aimer, d'honorer et de chérir de nombreuses facettes du cosmos. Sprinkle et Stephens ont écrit des vœux pour épouser la Terre, des manifestes écosexuels et des instructions pour faire l'amour avec la Terre appelées 25 façons de faire l'amour avec la Terre .

8. Hermann Nitsch

Herman Nitsch était un artiste contemporain autrichien. Ses performances sont théâtrales et intègrent différents médias. Il s'est concentré sur l'implication des corps dans les rituels et la violence afin d'explorer la vie de manière plus holistique.

Le théâtre des mystères des orgies était une représentation de 6 jours tenue lors d'un festival folklorique destiné à célébrer les humains. L'œuvre se composait de différents médiums artistiques et elle a été réalisée pour la première fois dans les années 1950.

9. Yayoi Kusama : L'art corporel sans le corps de l'artiste

Salles de miroir à l'infini est une série qui Kusama commencé à fabriquer dans les années 1960. L'artiste a aujourd'hui réalisé plus d'une vingtaine de ces pièces. Chaque Chambre Miroir Infini est une pièce d'un noir absolu entièrement recouverte de miroirs. Kusama avait auparavant décoré ces pièces avec des lanternes, des phallus et des citrouilles. Aujourd'hui, de petites lumières LED suspendues au plafond clignotent de manière répétitive pour créer des pois électroniques pulsés. Les miroirs donnent l'impression d'un espace sans limites. La personne qui vit la pièce devient essentielle à la pièce elle-même.

Le corps de l'artiste n'est pas présent, néanmoins, l'œuvre dépend du corps et de la présence physique du spectateur pour créer du sens. Le corps du participant double, triple et quadruple à l'infini. Ainsi, ce travail joue avec la perception du corps et de l'identité.