Art textile : Top 6 des artistes à connaître

La couture existe depuis très longtemps, mais l'idée que la couture et la broderie peuvent être considérées comme de l'art est assez nouvelle. Tout au long de l'histoire, l'art textile a été considéré comme une forme d'art moindre par rapport à la peinture ou à la sculpture. C'était un passe-temps approprié pour les femmes, mais pas quelque chose qui appartenait à une galerie. Aussi oppressant qu'il soit, il offrait également un espace d'exploration créative. C'est cette double nature de la couture et de la broderie qui a inspiré les artistes féministes aux États-Unis et au Royaume-Uni à commencer à exprimer leurs idées politiques à travers l'art textile dans les années 1970 et 1980. De nos jours, les œuvres en tissu de grands artistes comme Louise Bourgeois se trouvent dans les musées et les galeries du monde entier.

1. L'art textile de Louise Bourgeois (1911-2010)

Hystérique par Louise Bourgeois , 2001, via ArtForum

Peu d'artistes féminines ont atteint le même niveau de célébrité internationale que Louise Bourgeois . Bien qu'il y ait plusieurs raisons à la manque d'artistes femmes dans l'histoire de l'art et même des musées et galeries contemporains, l'influence de Bourgeois sur le monde de l'art au sens large est indéniable. Avec une carrière s'étendant sur sept décennies et sur deux continents, l'artiste d'origine française a été l'une des forces créatives les plus prolifiques de son temps. Ses œuvres les plus célèbres appartiennent à ce Rosalinde Krauss surnommée le domaine élargi de la sculpture, mais elle était aussi une peintre accomplie, une graveuse et, surtout pour nous ici, une artiste textile. Bourgeois est souvent associé à Surréalisme , et elle a exposé à plusieurs reprises avec le Expressionnistes abstraits, mais elle n'a jamais été officiellement membre d'aucun mouvement et son style artistique était tout à fait unique.

Dans ses sculptures à grande échelle et ses installations, Bourgeois a expérimenté divers matériaux qui n'étaient pas considérés comme artistiques jusqu'à la seconde moitié du XXe siècle. Le caoutchouc, le silicone, la laine et le fil apparaissent tout au long de l'œuvre de Bourgeois, qui a été fortement influencée par les expériences de sa petite enfance.

L'artiste est né en 1911 à Paris, France. Ses parents possédaient un atelier de restauration de tapisseries anciennes, donc Bourgeois avait une expérience de première main dans le travail textile même si elle est d'abord allée étudier les mathématiques à la Sorbonne. En 1938, elle termine ses études d'art et ouvre sa propre galerie à Paris. La même année, elle rencontre son compagnon de toujours, l'historien de l'art Robert Goldwater, et a déménagé avec lui à New York, où sa carrière artistique continuerait à prospérer.

Louise Bourgeois de Robert Mapplethorpe , 1982 (imprimé en 1991), via Tate Museum, Londres

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Cependant, les souvenirs de Louise Bourgeois du temps passé dans l'atelier de ses parents et leurs relations familiales complexes n'ont jamais cessé d'inspirer ses œuvres. Des idées développées grâce à la découverte de psychanalyse montrent dans la plupart de ses œuvres - les notions d'inconscient, de sexualité infantile, de désir, de tendresse, de douleur, de maternité et de mort sont prédominantes tout au long de son opus. La image de l'araignée , le plus célèbre représenté dans le grande sculpture publique Maman à partir de 1999, a été expliquée par Louise Bourgeois elle-même comme étant une représentation de sa mère : intelligente, subtile, délibérée et patiente. Cette interaction entre le tissage et la maternité est également un aspect important de ses œuvres textiles.

Ayant été très tôt en contact étroit avec le textile, Louise Bourgeois a ressenti un lien émotionnel avec les tissus de différentes sortes, et la couture était une activité réparatrice et cicatrisante. Elle a collecté divers morceaux de textile tout au long de sa vie, les transformant finalement en objets profondément intimes et parfois autobiographique œuvres d'art. Les textiles apparaissent dans ses dessins, cousus main illustrés livres en tissu , et sculptures figuratives. Alors que ses pièces d'art textile en deux dimensions étaient principalement abstraites, géométriques et contemplatives, ses sculptures douces étaient très organiques et souvent même explicites dans leur rapport au corps, à la sexualité et à la reproduction.

En passant des décennies à essayer de déconstruire sa propre enfance, sa vie intime et son subconscient, Louise Bourgeois a eu un effet profond à une échelle beaucoup plus grande - ouvrant la voie à des générations d'artistes qui continueraient à explorer non seulement différents types de matériaux mais aussi différents types de sujets dans l'art. Bien qu'elle n'appartienne à aucun groupe ou mouvement, Louise Bourgeois est une figure centrale de l'art féministe, de l'art textile et de la sculpture contemporaine.

2. Années Albers (1899-1994)

Tapisserie par Anni Albers , 1948, via le Musem of Modern Art, New York

Née Annelise Fleischmann Anni Albers était un artiste textile et graveur germano-américain, l'un des premiers à perturber le binaire habituel entre l'art et l'artisanat. En tant que jeune femme intéressée par la peinture, Albers a été découragée de poursuivre l'art par Oskar Kokoshka, mais malgré cela, elle s'est inscrite à la Ecole du Bauhaus à Weimar en 1922. A l'époque, l'école n'était pas très libérale en matière éducation artistique des femmes , et Albers a été empêchée de rejoindre l'atelier qu'elle voulait avec son mari Joseph Albers .

Initialement peu intéressée par ce qu'elle croyait être l'atelier de tissage trop féminin et simple, Albers a vite compris tout le potentiel de cette forme d'art tactile. L'art textile deviendra sa principale forme d'expression pendant quatre décennies, et ses œuvres finiront par ouvrir la voie à d'autres artistes textiles pour gagner en reconnaissance et explorer davantage le médium. L'exposition rétrospective d'Albers en 1949 au Museum of Modern Art de New York a été la première exposition de cette institution à être uniquement consacrée à un artiste textile. Même sa pratique ultérieure de la gravure a été profondément influencée par les connaissances qu'elle a acquises du tissage, sa lithographies abstraites ressemblant étrangement aux motifs géométriques des tapisseries.

Les œuvres de tapisserie et les estampes d'Albers ont été inspirées par le Bauhaus et sa proximité avec des artistes tels quePaul Kleeet Walter Gropius . Avec un sens délicat de la texture et des qualités haptiques des matériaux, Anni Albers a incorporé des fils naturels et synthétiques, du métal et du plastique dans son travail, créant des tapisseries à grande et petite échelle avec des motifs géométriques, un contraste élevé et une symétrie souvent équilibrée. Ses créations ont été soigneusement étudiées et esquissées en préparation du travail, et cette attention aux détails et ce sens de l'équilibre peuvent être retracés depuis ses premières œuvres textiles jusqu'à ses explorations matures de la lithographie et de la sérigraphie.

3. Judith Scott (1943-2005)

Sans titre par Judith Scott , 2002, via le Museum of Modern Art, New York

La histoire de Judith et Joyce Scott est l'une des histoires les plus captivantes du monde de l'art. Née avec le syndrome de Down, la sculptrice de renommée internationale Judith Scott a été séparée de sa jumelle fraternelle Joyce à l'âge de sept ans. En raison d'une perte d'audition non diagnostiquée dans la petite enfance, l'artiste a été étiquetée comme inéducable et envoyée loin de sa famille dans une institution de soins privée. Comme il n'y avait pas de compréhension plus profonde du handicap et de la santé mentale à l'époque, Judith Scott a passé plus de trois décennies séparée de sa sœur, privée de toute stimulation éducative ou esthétique. En 1985, cependant, sa sœur Joyce devient sa tutrice légale et décide de la ramener chez elle en Californie. Deux ans plus tard, Judith est inscrite au Centre d'art de croissance créative à Oakland, où elle a finalement découvert son talent pour l'art de la fibre.

Le fil, la laine, le tissu et les objets trouvés sont devenus un langage nouvellement découvert pour Judith Scott, et elle a rapidement commencé à créer des sculptures en tissu élaborées à grande échelle. Le Centre d'art a immédiatement reconnu son talent et lui a fourni l'espace et la liberté d'utiliser tous les matériaux disponibles pour sa peinture colorée. totems cocons et grandes abstractions . Comme si elle avait enfin les moyens d'exprimer ses pensées et ses sentiments, Judith Scott a travaillé sur ses sculptures cinq jours par semaine jusqu'à la fin de sa vie, produisant un total d'environ 200 pièces. Ses œuvres se trouvent maintenant dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, associées à des mouvements comme art étranger ou Art brut . L'héritage de Judith Scott, cependant, a des implications plus profondes pour le monde de l'art en général, reposant certaines questions essentielles sur qui a accès à l'art et à la création artistique.

4. Chiharu Shiota (1972)

Voyage incertain par Chiharu Shiota , 2019 via le site de Chiharu Shiota

Chiharu Shiota est un artiste japonais contemporain travaillant dans les domaines de l'art de la performance et de l'installation. Elle est surtout reconnaissable pour son utilisation de fil rouge et noir dans installations immersives . Signifiant les connexions et les relations humaines, de longues lignes de fil rouge sont tissées en toiles et entrelacées avec divers objets comme des portes, des clés, des robes, des livres ou des bateaux, créant des espaces abstraits mais évocateurs dans les galeries et les musées.

Née à Osaka, l'artiste japonaise a étudié à Kyoto, Canberra et plus tard à Berlin, où elle a eu la chance de travailler avec l'artiste d'installation allemand et d'apprendre de lui. Rebecca Corne , ainsi que pionnier de l'art de la performance Marina Abramovic . Shiota a acquis à la fois la reconnaissance du public et les éloges de la critique pour ses œuvres déjà dans les années 2000, mais elle a acquis une renommée internationale après avoir exposé pour le Pavillon japonais à la 56e Biennale de Venise en 2015.

Remplies de symbolisme et de significations poétiques subtiles, les œuvres d'art textile de Chiharu Shiota explorent les thèmes de la mémoire, de l'émotion, de l'intimité, de la féminité, du passé et du patrimoine. La plus grande exposition solo jamais réalisée par Shiota, L'âme tremble , organisé par le Mori Art Museum, fait actuellement le tour du monde. L'exposition présente quelques-unes de ses œuvres les plus abouties, comme Voyage incertain , En silence , Reflet de l'espace et du temps , et Connecter de petits souvenirs . Alors que ses réseaux de fils caractéristiques jouent un rôle dans chaque installation, chaque œuvre traite de différentes qualités de l'expérience humaine, du corps féminin au passage du temps.

5. Sheila Hicks (1934)

Pilier d'enquête / Colonne souple par Sheila Hicks , 2013-2014, via le Museum of Modern Art, New York

Sheila Hicks est un artiste américain basé entre Paris, France et New York. Elle est surtout connue pour ses grands textiles sculpturaux aux couleurs vives, ses tapisseries expérimentales et son approche innovante du tissage et de l'art du tissu. Tout comme Chiharu Shiota et Louise Bourgeois, la carrière artistique de Hicks a été façonnée par des voyages dans d'autres parties du monde. Née aux États-Unis au lendemain du crash de Wall Street, elle a passé la majeure partie de son enfance sur la route, avec son père à la recherche d'un travail. Elle s'est intéressée au tissage en tant que forme d'expression culturelle au cours de ses années à l'Université de Yale et a finalement reçu une bourse Fulbright pour étudier les anciennes techniques de tissage au Chili. Elle a passé de nombreuses années au Chili et au Mexique, à apprendre des artisans traditionnels du textile et à organiser ses propres ateliers. Pour Hicks, le tissage et l'art textile représentent un langage universel qui transcende les géographies et les frontières.

En glanant des connaissances traditionnelles de différentes parties du monde, Sheila Hicks a développé son propre style unique, composé de couleurs vives, de matières premières et d'approches innovantes. Ses premières œuvres d'art textile comme Blue Letter (1959) étaient principalement des tapisseries bidimensionnelles avec des surfaces planes de couleur et des techniques de tissage variées, tandis que ses œuvres ultérieures sont devenues de plus en plus sculpturales. Son installation colossale Escalade au-delà des terres chromatiques exposée à la Biennale de Venise 2017 a montré à la fois son expérience de voyageuse/anthropologue textile et de peintre universitaire intéressée par la théorie des couleurs. Pilier d'enquête (2013-2014) ont également repoussé les frontières entre art textile, sculpture et installation immersive , en juxtaposant des fils souples et lâches avec les éléments architecturaux du bâtiment du musée. Inspirées des pratiques indigènes, ses œuvres sont désormais présentes dans les collections de grands musées des États-Unis à l'Europe et à l'Asie.

6. Art textile d'El Anatsui (1944)

Sans titre par El Anatsu i, 2017, via le site El Anatsui

El Anatsui est un sculpteur et graveur ghanéen basé au Nigéria, le plus souvent associé aux artistes du Groupe Nsukka . Bien qu'il ne travaille pas directement avec les mêmes types de matériaux que les autres artistes textiles, El Anatsui intègre la couture dans sa pratique. Les œuvres qui ont attiré l'attention du public international sur cet artiste africain sont ses projets d'art textile à grande échelle tels que tapisseries/tentures murales fabriqués à partir de capsules de bouteilles en aluminium et de particules métalliques similaires liées entre elles par du fil de cuivre.

Dans sa pratique, El Anatsui combine un intérêt pour les connaissances et l'artisanat traditionnels africains comme le tissage et la sculpture sur bois avec les traditions occidentales de la sculpture abstraite et de la gravure. Ses installations sur bouteilles ont été exposées à travers le monde occidental dans des institutions telles que le Metropolitan Museum of Art, le Brooklyn Museum et la Biennale de Venise, changeant certaines des idées fausses sur l'art et les artistes africains. Des matériaux trouvés et recyclés sont présents dans ses œuvres depuis les années 1990, dans une tentative de souligner les inégalités culturelles, économiques et environnementales de la société contemporaine et sa trajectoire consumériste. Ils sont aussi liés à l'histoire de l'Afrique, à l'expansion coloniale européenne, et à ses conséquences, de la traite négrière à l'apparition du rhum en Afrique. Malgré la nature robuste des matériaux, la pratique consistant à coudre chaque élément ensemble crée des tapisseries flexibles, colorées et dynamiques qui peuvent être exposées dans différentes circonstances et itérations. Des œuvres comme Bleeding Takari II et Ink Splash (2007) ont le même aspect visuel de tissu ondulant que si elles étaient faites de fil ou de laine.