Comment la photographie a ouvert une nouvelle compréhension de l'art

Le premier procédé photographique largement disponible a été rendu public en 1839 par Louis Daguerre, créateur du Daguerréotype. La vulgarisation de la photographie a provoqué un grand émoi dans le monde de l'art et a conduit à des changements significatifs dans la façon dont l'art était perçu. Puisque la photographie pouvait rendre le monde plus fidèlement que la peinture, cette dernière devait se réinventer. Pour cette raison, l'attention des peintres est passée de la représentation de la réalité à la représentation des émotions et des impressions. La photographie peut, pour cette raison, être considérée comme un grand moteur de la réinvention de la peinture qui s'est produite à la fin du XIXe et tout au long du XXe siècle.

Quand et comment la photographie est-elle apparue pour la première fois ?

Deux enfants regardant l'image produite à l'intérieur d'une camera obscura, tiré de la philosophie naturelle d'E. Atkinson , via Science & Society Picture Library Prints

Premier procédé photographique réussi, le Daguerréotype , a été créé en 1837 par Louis Jacques Mandé Daguerre. Daguerre avait auparavant travaillé comme peintre de scène professionnel dans un théâtre. Pour cette raison, il connaissait déjà le pièce sombre , une petite pièce sombre avec un petit trou ou une lentille qui laissait passer une image de l'extérieur. Daguerre s'est inspiré de ce procédé pour créer le premier appareil photographique au monde.

La pièce sombre était déjà utilisé depuis des siècles et permettait le reflet des images du monde extérieur sur une surface plane. Jusqu'à Daguerre, la principale difficulté était de graver l'image produite sans avoir à dessiner dessus sur une feuille de papier. Même après que d'autres inventeurs du 19ème siècle aient réussi à transférer l'image sur un morceau de cuivre, l'image a rapidement disparu lorsqu'elle est exposée à la lumière. Avant Daguerre, il était impossible qu'une photographie sorte de la chambre noire dans laquelle elle avait été réalisée.

Cependant, Daguerre n'a pas gravé les images sur papier mais plutôt sur des plaques de cuivre argentées. Cette invention fut annoncée au public par un ami, Dominique François Jean Arago, en 1839. Dès lors, ce nouveau procédé se répandit dans le monde entier. À la fin de 1839, des daguerréotypes ont commencé à être produits dans plusieurs pays industrialisés différents. En raison de sa rapidité de diffusion, cette nouvelle invention a été rapidement perfectionnée par plusieurs fabricants.

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C'est au Royaume-Uni, au début des années 1840, que les premiers studios de photographie européens est apparu. Les temps de révélation ont considérablement diminué, passant des trente minutes de Daguerre à seulement vingt secondes dans la plupart des studios. A la fin des années 1880, Georges Eastman crée les premières pellicules. À partir de là, les photographes n'ont plus eu besoin de transporter des plaques de cuivre argentées, et la photographie est devenue moins chère et plus accessible.

Réception de la photographie : la démocratisation de l'art

Still Life, la première photographie jamais prise avec un daguerréotype fiable , 1837, via My Modern Met

La photographie a eu un impact significatif sur la société du XIXe siècle et sa réception dans des milieux artistiques variés . Si certains accueillent favorablement la photographie et l'utilisent comme une aide à leur production artistique, d'autres critiquent cette invention et refusent de la considérer comme valable pour les artistes, tout comme Gustave Courbet .

Indépendamment des différentes réceptions de la photographie, cette invention a révolutionné les sociétés européennes du XIXe siècle. Pour la première fois, l'art était devenu abordable non seulement pour les classes supérieures mais aussi pour les classes inférieures. Les familles de la classe moyenne et de la classe inférieure pouvaient faire réaliser leurs portraits presque instantanément dans un studio de photographie à des prix relativement abordables.

On peut dire qu'il y a eu, pour la première fois, une démocratisation de l'art et de l'image. Alors que certains ont réagi positivement à cela et à l'accessibilité de l'art dans toute la société, d'autres y ont vu une banalisation de la création artistique. Beaucoup critiquaient la photographie et ne la voyaient que comme une imitation industrielle de l'art à des fins commerciales.

L'art avant l'avènement de la photographie

Portrait dans un studio de photographie , XIXe siècle, via ENGIM

Malgré leurs variations, les mouvements artistiques en Europe avant le XIXe siècle ont toujours eu le réalisme comme objectif . Leur changement et leur variation se manifestaient principalement dans le changement thématique (ce qui était peint) ou la technique, mais la représentation réaliste avait toujours été valorisée dans chacun d'eux.

Au moment de l'invention et de la diffusion de la photographie, les principaux mouvements artistiques en Europe étaient le romantisme et Néoclassicisme . Le premier avait déjà introduit un changement dans le monde artistique en mettant l'accent sur l'expression de l'artiste.

Diane et Cupidon par Pompeo Stone , 1761 (Peinture néoclassique), via The Metropolitan Museum of Art, New York

Dans la peinture romantique, il y avait de nombreux éléments qui n'appartenaient pas à la réalité (éléments surnaturels, par exemple) mais étaient néanmoins représentés de manière réaliste.

Dans la peinture néoclassique, il y a eu un renouveau de la représentation de figures et de scènes mythologiques. Aussi magnifiquement et harmonieusement que possible, ceux-ci ont toujours été représentés avec beaucoup de détails et de précision. Même si certains artistes ne s'inscrivaient pas dans ces courants artistiques, ils peignaient tout de même de manière réaliste. Qu'il s'agisse de sujets humains, de la nature ou de figures mythologiques, ce que les peintures européennes de l'époque avaient en commun était leur objectif de représenter des images aussi fidèlement et avec le plus de détails possible.

L'impressionnisme : un mouvement artistique façonné par la photographie

Le boulevard Montmartre un matin d'hiver de Camille Pissaro , 1897, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Les peintres témoins de l'avènement de la photographie ont développé une perception de la réalité et des images différente de celle de leurs prédécesseurs. Ces artistes ont compris que la réalité était éphémère et que chaque instant était fugace et limité. La nature de la réalité, réalisaient ces peintres, devait être en mouvement constant.

Pour cette raison, le mouvement artistique deImpressionnismea été le premier à s'écarter de la norme réaliste de l'art européen. Les artistes de l'impressionnisme ont admis que la photographie était la meilleure pour capturer des images fixes et qu'ils ne pouvaient pas la surpasser. Pour cette raison, les impressionnistes ont exploré d'autres dimensions de la peinture, telles que la couleur, la lumière et le mouvement. Ce style montrait clairement que la peinture n'était pas destinée à concurrencer la photographie, mais plutôt à la compléter, à représenter ce que la photographie ne pouvait pas.

Impression, lever de soleil de Claude Monnet , 1872, via l'art en contexte

Les peintres impressionnistes, au lieu de représenter fidèlement la réalité en détail, se concentrent sur l'impression de réalité et tenter de transmettre le mouvement dans leurs peintures . Les peintures impressionnistes représentent la réalité telle qu'elle est perçue par l'œil humain : fugace et transitoire, parfois floue ou floue. Au début, ces représentations quelque peu floues de la réalité ont été critiquées comme des peintures de mauvaise qualité ou inachevées, mais avec le temps, elles ont fini par être appréciées.

À partir de cette époque, il est devenu largement admis que la peinture ne pouvait rivaliser avec la photographie pour représenter fidèlement la réalité. Cette prise de conscience libère en quelque sorte la peinture des carcans du réalisme et ouvre la porte à un basculement des milieux artistiques. Au lieu de valoriser le réalisme, les artistes ont commencé à se concentrer sur l'expression des émotions, des impressions et de tout ce qui fait partie de l'expérience humaine. À bien des égards, l'impressionnisme a créé un pont entre l'art traditionnel, centré sur le réalisme, et l'art moderniste, qui s'est éloigné d'une représentation fidèle de la réalité.

Le mouvement artistique moderniste : une nouvelle conception de l'art

Femme au chapeau par Henri Matisse , 1905, via le musée d'art moderne de San Francisco

Au début de le 20ème siècle , il était clair que la photographie était venue pour rester. Non seulement cela, mais il y avait un autre médium flambant neuf pour représenter la réalité : le film. Après une projection de film en 1895 à Paris par les frères Lumière, ce nouveau médium s'est rapidement amélioré et a gagné en popularité. Représenter fidèlement la réalité n'était plus une tâche nécessaire pour les peintres. Pour cette raison, l'impressionnisme n'était que le premier d'une série de mouvements artistiques qui s'éloignaient du réalisme.

Au cours de la première moitié du 20ème siècle, il y a eu de multiples mouvements au sein Modernisme qui a transformé le monde de l'art. Le premier était Fauvisme , qui représentaient des scènes réelles et des sujets utilisant des couleurs vives qui ne correspondaient généralement pas à la réalité. Les fauvistes ont utilisé des coups de pinceau épais, s'inspirant des peintres postimpressionnistes tels que Vincent van Gogh. Le premier nom du fauvisme était Henri Matisse. Lorsqu'on lui a demandé quelle était la couleur de la robe de la dame dans son célèbre tableau Femme au chapeau était, aurait-il répondu : Noir évidemment .

L'un des premiers mouvements au sein du courant moderniste a été Expressionnisme , qui a ses origines dans Van Gogh et Edvard Munch, mais s'est considérablement développé quelques décennies plus tard grâce au groupe allemand Le pont ( Le pont ). Dans l'expressionnisme, l'accent n'est pas de représenter avec précision la réalité extérieure, mais la réalité intérieure, les sentiments et les émotions. Les artistes expressionnistes ont utilisé des couleurs vibrantes et des coups de pinceau inhabituellement épais, et les peintures résultantes étaient extrêmement denses et intenses, véhiculant des émotions et des environnements clairs.

Paysage apocalyptique par Ludwig Meiner , 1912, via Sotheby's

Particulièrement pendant les années qui ont suivi la Première Guerre mondiale , les peintures expressionnistes deviennent particulièrement grotesques et sombres. En se concentrant sur les émotions dans la représentation de la réalité, les expressionnistes pourraient brosser un tableau plus précis et critique de la société. À bien des égards, ces peintures pourraient montrer ce que la photographie ne pouvait pas, à savoir les sentiments des artistes entourant la réalité représentée.

L'un des mouvements les plus célèbres du modernisme est probablementCubisme. Ce mouvement a révolutionné le concept de perspective et rejeté la représentation d'objets en trois dimensions. Au lieu d'utiliser des techniques de modélisation et de perspective typiques, les cubistes, tels que Picasso ou Braque, ont représenté les objets en deux dimensions, essayant souvent d'inclure différentes perspectives d'un seul objet à la fois. En explorant ainsi la perspective, le cubisme, comme d'autres mouvements artistiques modernistes, va au-delà de ce que la photographie peut faire. Parfois, les objets représentés s'éloignent tellement de la réalité qu'il est extrêmement difficile de comprendre ce qu'ils sont. Plus tard, le cubisme a évolué pour devenir plus accessible et plus facile à comprendre, comme on le voit sur les tableaux les plus célèbres de Picasso, tels que Guérnica .

Nature morte : violon et chandelier de Georges Braque, 1910, via le musée d'art moderne de San Francisco

Vers 1920 a commencé l'un des mouvements les plus importants du modernisme : Surréalisme . Les surréalistes reprennent là où les dadaïstes s'étaient arrêtés. Bien que fructueuse dans ses premières années, le mouvement dadaïste s'est rapidement perdu dans son propre absurdisme et a été abandonné par de nombreux artistes. Le surréalisme, bien qu'énigmatique et absurde à sa manière, n'est pas du tout dépourvu de sens. Bien au contraire, il tente de démontrer le chevauchement des processus psychologiques dans l'esprit humain qui provoquent les rêves et l'imagination.

L'instant sublime par Salvador Dalí , 1938, via la Fondation Gala

Dans la peinture surréaliste, ce n'est pas la réalité physique qui est représentée, mais le rêve et la réalité inconsciente. Comme dans d'autres mouvements artistiques modernistes, le surréalisme est complémentaire de la photographie car il représente quelque chose de bien au-delà de sa portée : l'esprit humain et le monde onirique. En se libérant des chaînes de la réalité, les peintres surréalistes dépeignent nos esprits et nos rêves d'une manière révolutionnaire.

Comment la peinture moderniste a influencé la photographie

Coupez avec le couteau de cuisine Dada à travers la dernière époque culturelle de Weimar Beer-Belly en Allemagne par Hannah Hoch , 1919, via les musées d'État de Berlin

Bien qu'elle n'ait pas été créée à des fins artistiques, la photographie a été rapidement explorée par les artistes. Premièrement, la photographie était utilisée comme aide à la peinture ou à d'autres formes d'art traditionnelles. Plus tard, certains artistes ont commencé à explorer la combinaison de la photographie, de la peinture et d'autres médiums, créant ainsi de nouvelles formes d'art, telles que le photomontage. L'un des artistes les plus éminents de ce nouveau médium artistique était Hannah Hoch , un artiste de la République de Weimar, qui a créé des exemples célèbres de photomontage.

Il a fallu du temps et de la controverse pour que la photographie soit considérée comme une forme d'art. De nombreux critiques, jusqu'au XXe siècle, refusaient encore d'accepter la photographie comme autre chose qu'un mécanisme industriel qui imitait la réalité mais avait peu de valeur artistique en soi. Cependant, tout au long du XXe siècle, la photographie a commencé à être reconnue comme une forme d'art et les photographes ont créé des moyens innovants de s'exprimer à travers elle.

Équivalent par Alfred Stieglitz , 1927 (Photographie abstraite), via The Metropolitan Museum of Art, New York

Le modernisme a également considérablement influencé la photographie et ses représentations alternatives de la réalité et de l'émotion humaine. Au cours du 20e siècle, les photographes ont également exploré l'expérimentation et photographie abstraite . Bien qu'ils représentent toujours la réalité, ces types de photographie explorent les formes, les couleurs et les perspectives sans s'efforcer de représenter avec précision une scène ou un objet donné.

Comment la photographie a changé notre perception de l'art : un aperçu

Îles jaunes de Jackson Pollock, 1952, via Tate Museum, Londres

L'invention du daguerréotype en 1837 a eu un impact sur la société et le monde artistique que Daguerre n'aurait pas pu prévoir. En surpassant la peinture dans sa capacité à représenter la réalité, la photographie a, en quelque sorte, libéré la peinture du besoin d'être réaliste. La photographie a également permis un accès plus large à l'art et aux portraits, très demandés dans la société du XIXe siècle.

L'impressionnisme a été le premier mouvement à être façonné par la photographie et à s'éloigner du réalisme qui était la norme dans l'art européen. Ce mouvement a agi comme un pont entre les mouvements précédents et le modernisme. Dans les différents mouvements artistiques du modernisme, de nombreux artistes ont exploré d'innombrables nouvelles façons de s'exprimer. Les artistes ont commencé à se concentrer sur l'expérience humaine et les différentes façons de percevoir la réalité et ont créé des œuvres révolutionnaires. La photographie a suivi la tendance à la subjectivité et à l'abstraction, ce qui a contribué à sa reconnaissance comme une forme d'art à part entière.

De nos jours, l'art est compris non seulement comme une représentation fidèle de la réalité, mais comme quelque chose qui provoque la réflexion et l'émotion. De nombreux spectateurs s'intéressent aux significations et aux sentiments qu'une œuvre d'art véhicule ou représente ou à la critique sociale qu'elle contient. Le réalisme, bien que toujours valorisé par certains, a perdu sa place de priorité au sein des milieux artistiques et par les artistes eux-mêmes. Cela est particulièrement clair lorsque l'on pense aux mouvements artistiques qui se sont éloignés de la réalité, tels que Expressionisme abstrait .