Rococo français : les œuvres emblématiques de ce mouvement

Le rococo français s'est concentré sur la nature somptueuse et facétieuse de l'aristocratie et de la bourgeoisie françaises. Chaque artiste a pris un aspect du mouvement rococo qui pourrait être considéré comme fondamental. Bien que ces pièces diffèrent grandement les unes des autres, elles ont chacune contribué à la fondation et à l'innovation du mouvement artistique rococo. De la frivolité à l'élégance, de l'érotisme à l'espièglerie, chaque pièce que nous verrons ici incarne tout ce que l'on peut attendre du rococo.

L'émergence de l'art rococo français

Portrait de Louis XV by Maurice-Quentin de la Tour , 1748, via le musée du Louvre, Paris

Sous le règne de Louis XV, de 1715 à 1774, la haute bourgeoisie française a pu connaître de nouvelles libertés sociales et intellectuelles. Les bourgeois plus aisés et les membres de l'aristocratie peuvent désormais se concentrer davantage sur le jeu et le plaisir que sous le règne précédent de Louis XIV. La souveraineté de Louis XIV s'est construite autour du contrôle étouffant qu'il exerçait sur l'aristocratie française, se surnommant même le Roi Soleil et maintenant une croyance dans la célèbre phrase L’etat, c’est moi – L'État, c'est moi .

Le caractère frivole de la Art rococo vient du fait que les Français de la classe supérieure peuvent désormais se détendre et se livrer à des passe-temps licencieux au lieu de la nature fidèle et oppressive typique de la haute société sous le règne de Louis XIV. Le rococo s'est également déroulé pendant la période des Lumières qui amène désormais les gens à remettre en question les vérités de leur temps ainsi que leur foi et leur religion. Cela a permis au peuple de se détendre davantage et d'avoir moins peur des représailles divines et impériales.

Salacious Rendezvous of Jean-Honoré Fragonard

Progrès de l'Amour : La Rencontre by Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

Jean-Honoré Fragonard Les œuvres de étaient presque comme la référence du mouvement artistique rococo français. Il a peint la vie ludique des jeunes aristocratiques. Il s'est concentré sur la frivolité et la nature éphémère de la beauté. L'artiste est devenu un maître du rendu des tissus, tels que le velours et la soie, la pierre et la rose préférée du temps.

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La Progrès de l'amour série a été commandée par Madame du Barry, l'une des maîtresses de Louis XV. Cette série dans son ensemble peut sans doute être considérée comme l'épine dorsale de l'art rococo. Cependant, La réunion est sans doute le tableau le plus populaire de la série. La réunion était la deuxième pièce après La poursuite . Les sujets fréquents de Fragonard étaient les amants. La réunion est situé sur le domaine des parents de la jeune femme. Le jeune homme que nous voyons escalade une échelle pour lui rendre visite. Le jeune couple se rencontre secrètement dans une grotte cachée du domaine, la jeune fille regardant autour d'elle avec anxiété pour vérifier si elle a été suivie.

Progrès de l'Amour : La Rencontre (Close up) by Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

L'arrière-plan est brossé avec des traits lâches créant une apparence plus plumeuse pour les arbres et des nuages ​​​​duveteux ajoutant à la nature ludique de la pièce. Les pastels plus clairs ajoutent une lueur de jeunesse au jeune homme et à la femme tout en créant une autre couche de support pour les tons séduisants et jeunes. Il y a aussi des notes de couleur intense comme la veste rouge que porte l'homme qui est censée évoquer un sentiment de passion. On pourrait aussi regarder le ruban bleu sur les chaussures de la demoiselle qui casse le pastel et illumine la pièce. Sa palette et sa technique illustrent ce que l'on attend des pièces rococo.

Progrès de l'Amour : La Rencontre (Close up 2) by Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

Les amants sont entourés de roses pour créer une sorte de nid d'amour sous l'œil attentif d'Eros et Vénus . Eros se dispute avec Vénus et veut récupérer ses flèches alors qu'elle les confisque pour avoir permis la survenue d'un amour interdit. Fragonard était connu pour utiliser des allusions à la mythologie dans ses œuvres ainsi que pour repousser les limites de la bienséance, comme en témoigne la réaction de Vénus à la décision d'Eros de frapper les jeunes amants. La confiscation de Vénus pourrait également transmettre l'hésitation du jeune homme en tant que celui qui a initié le badinage interdit. La réunion seul peut sans doute être la exemple de ce qui fait un morceau de Rococo.

Progrès de l'amour : lettres d'amour by Jean-Honoré Fragonard , 1771-1772, via The Frick, New York

Lettres d'amour est une autre pièce de la Progrès de l'amour . En fait, c'est la pièce finale. L'art rococo avait tendance à être de nature théâtrale, mais cette pièce ressemble à un simple aperçu d'un moment intime. Cela semble plus naturel tout en étant le point d'arrêt parfait pour l'histoire d'un jeune amour. Le jeune couple est assis en souvenir de leur fréquentation, lisant les lettres qu'ils ont échangées. Ils partagent la même palette de couleurs que les fleurs créant un sentiment d'amour mutuel, contrairement aux différentes palettes des deux amants que nous avons vus dans La réunion .

Fragonard montre la chaleur et l'intimité de telles liaisons au lieu de la peur qui accompagne la rébellion juvénile. Il transmet que le courage amoureux mène à la vraie fidélité qui est représentée par un chien peint délicatement sous les pieds du couple. Lettres d'amour incarnait le rococo français car il véhiculait le côté plus doux et moins frivole du mouvement.

La balançoire by Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, via la Wallace Collection, Londres

Les deux pièces dont il a été question précédemment ne transmettent pas toutes les différentes facettes des pièces rococo de Fragonard, car une grande partie de son travail avait tendance à être extrêmement suggestive. La balançoire est l'une de ces pièces. Il a été commandé par le baron de Saint-Julien comme portrait de sa maîtresse.

Dans le tableau, le Baron, l'homme au premier plan, est illuminé par sa maîtresse. Il est amoureux alors qu'il lui tend la main. Dans l'ombre du côté droit de la pièce se trouve le mari de la maîtresse, qui devait à l'origine être l'évêque, mais cette idée a été abandonnée car elle était trop scandaleuse. De St. Julien a dit à Fragonard de mettre l'accent sur les jambes de la femme. Ses jambes sont restées couvertes, mais elle peint en donnant un coup de pied à l'une d'elles pour s'amuser.

La balançoire (Fermer) by Jean-Honoré Fragonard ,1767-1768, via la Wallace Collection, Londres

À l'extrême gauche, Eros porte ses doigts à ses lèvres symbolisant le secret de l'affaire. Les chérubins symbolisent le caractère inexcusable de l'infidélité montrée, l'un renfrogné et l'autre sous le choc. La chaussure de la maîtresse étant négligemment lancée est un peu plus ludique, enlevant le sérieux de la rencontre indécente.

La lumière donne à la maîtresse une lueur séduisante, faisant d'elle un objet de séduction alors qu'elle filtre à travers les arbres. Son mari étant couvert d'ombres transmet sa propre ignorance au sujet de la liaison de sa femme avec de St. Julien. Fragonard a romancé des alliances sans scrupules et des relations adultères souvent dans ses premières œuvres. De tels sujets amoureux étaient fréquents dans l'art rococo français. Fragonard n'a pas inventé la représentation de la tricherie dans l'art mais il en a certainement fait un objet de rêverie.

François Boucher : L'Idéal et l'Odalisque

Le gentil berger par François Boucher, 1736-1739, image numérisée de Art européen du XIXe siècle: troisième édition

François Boucher est l'artiste le plus risqué des trois que nous mentionnons ici. Il était suggestif comme Fragonard mais il privilégiait beaucoup plus l'érotisme. Si Fragonard repoussait les limites de la bienséance, Boucher les traversait de plein fouet. En outre, il a jeté les bases du fantasme d'évasion idyllique d'un simple pastorale la vie dans l'art rococo. C'était quelque chose qui n'était pas présent dans les œuvres de Fragonard.

Dans Le gentil berger , une parade nuptiale a lieu entre une bergère et un berger. Du moins en surface. En regardant les deux sujets, il y a quelque chose de frappant et de déplacé à leur sujet - leurs vêtements ! Boucher a créé des fantasmes pour la classe supérieure dans ses œuvres, le réalisme était sans conséquence lorsqu'il s'agissait de répondre aux ruses des riches, en dehors du réalisme Néerlandais coup de pinceau qu'il a adopté.

Odalisque par François Boucher , 1742-1745, via le musée du Louvre, Paris

On peut affirmer que la pièce la plus excitante de Boucher est sa Odalisque . Un et odalisques était une fille de harem turque. C'était une tendance du XIXe siècle de représenter ces dames. Ils ont également été un sujet fréquent pendant et après la orientaliste Mouvement. Ce style de peinture répondait à la culture européenne sexuellement réprimée. Les Européens étaient enthousiasmés par l'idée d'un monde qui n'aurait pas peur d'explorer la sexualité d'une manière différente.

Le modèle de cette peinture rococo est extrêmement séduisant et invitant alors qu'elle regarde le spectateur, espérant attirer une réponse. Elle ne nous regarde pas directement dans l'espoir de maintenir une attitude quelque peu innocente malgré son état couché et la rougeur de ses joues et de ses fesses. Cette pièce n'a pas le visage juvénile de Fragonard mais détient un érotisme qui a séduit et inspiré beaucoup pendant le rococo français. L'œuvre montre les célèbres bleus riches et les tissus luxuriants de Rococo.

Fille au repos (Louise O'Murphy) par François Boucher , 1751, via le Wallraf-Richartz-Museum, Cologne

La Fille au repos , ou Blonde Odalisque , est plus érotique et frais que son odalisque précédente. Elle aussi est couchée devant le spectateur. Le sujet est déshabillé mais maintient un étrange sentiment d'innocence qui est typique de nombreuses œuvres d'art rococo. Le rendu néerlandais réaliste sur sa peau la fait se démarquer de son environnement opulent, étant élevée au rang de séductrice tout comme la gardienne précédente. Boucher ne la présente pas comme une beauté classique mais la dépeint dans une pose plus provocante destinée à séduire de manière érotique sans ambiguïté.

L'utilisation du pastel par La Tour dans l'art rococo

Portrait de Voltaire de Maurice Quentin de la Tour , 1735, via le Musée national, Stockholm

Maurice-Quentin de la Tour était connu comme l'un des portraitistes au pastel les plus accomplis et les plus célèbres des années 1700. Après avoir été apprenti peintre, il est attiré par l'immédiateté et la technique rapide des œuvres au pastel. On suppose que ce changement peut également s'être produit en raison du pastelliste Rosalba Carriera qui visita Paris en 1719. Carriera était un peintre vénitien dont les œuvres faisaient également partie du mouvement artistique rococo.

Maurice-Quentin de la Tour s'est spécialisé dans les portraits miniatures. À la fin des années 1720, il fait finalement son chemin sur le marché de l'art parisien et en 1735, il se forge une réputation de portraitiste grâce à ses pastels montrant Voltaire . En raison de son succès, il reçut des commandes de divers peuples : la famille royale, la cour, la bourgeoisie et les membres du monde artistique et intellectuel.

Voltaire de Maurice Quentin de la Tour, 1735, via UArt; près de François-Marie Arouet (Voltaire) par un peintre anonyme d'après Maurice-Quentin de la Tour , environ la première moitié du XIXe siècle, via le château de Versailles

Les pastels de Voltaire de De la Tour ont des regards très ludiques aux doux rendus intentionnels. Ces pièces ont ensuite inspiré plusieurs copies de ce portrait, des gravures aux peintures. Son utilisation du pastel était de nature extrêmement décontractée et informelle, ce qui a contribué au ton général plus clair de la pièce attendue de l'art rococo. Au moment où l'artiste a mieux saisi les traits de Voltaire, il a pu donner une interprétation encore plus rendue et presque chérie de cet homme aux multiples facettes. Son regard séduit à sa manière, incitant à rechercher la connaissance et la compréhension nouvellement autorisées de la souveraineté de Louis XV.

Portrait de la Marquise de Pompadour de Maurice Quentin de La Tour , 1755, via le musée du Louvre, Paris

Ses pastels rococo plus formels dégageaient le même look royal. Le portrait est resté un aspect important de l'art rococo français. Cette pièce n'est pas forcément théâtrale ou frivole mais elle est très parlante. Madame de Pompadour était la principale maîtresse de Louis XV et une courtisane bien connue de l'époque. Elle a eu l'occasion de divertir de grands hommes du siècle des Lumières comme Voltaire et Diderot. Elle était connue pour sa beauté, son talent et son intelligence. Elle connaissait bien les arts, la littérature et était même connue comme l'arbitre du bon goût. Portrait de la Marquise de Pompadour dégage l'opulence et le détail attendus du rococo français.