4 sculpteurs grecs antiques que vous devez connaître
La sculpture de la Grèce antique a été célébrée tout au long des millénaires. Aujourd’hui, ces œuvres remplissent les salles des musées du monde entier et nombre d’entre elles sont immédiatement reconnaissables. Ces innombrables représentations de dieux et de déesses, de héros, d’athlètes et de guerriers ont été étudiées et copiées, débattues et romancées par des archéologues, des historiens, des artistes et d’autres. Mais qu’en est-il des artistes qui les ont réalisés ? C'est l'histoire de quatre des plus célèbres sculpteurs grecs antiques, du monde dans lequel ils ont vécu et des chefs-d'œuvre qu'ils ont laissés derrière eux.
1. Phidias : sculpteur grec de l'âge d'or athénien
Le cinquième siècle avant notre ère est largement considéré comme l’âge d’or de l’Athènes antique. Tandis que le peuple athénien expérimente la démocratie, les acteurs de la ville se plongent dans les comédies mordantes d’Aristophane et les tragédies poignantes de Euripide . Socrate a exploré la nature de la sagesse et la ville elle-même a subi une métamorphose. Selon l’écrivain romain Plutarque, la ville a subi une transformation glorieuse et ces magnifiques travaux de construction ont contribué à l’héritage durable de la ville en tant que l’une des grandes villes du monde antique. L’homme à qui revient normalement la plus grande responsabilité dans la transformation de la ville était Périclès . L’homme d’État athénien n’était cependant pas un artiste, malgré tous ses talents incontestables. La responsabilité de l'embellissement d'Athènes incombait Ne pas , le sculpteur.
Malheureusement, comme c’est le cas de nombreux artistes du monde antique en général, on sait peu de choses sur la biographie de Phidias. On se souvient plutôt de lui à travers ses œuvres – copiées tout au long de l’Antiquité et au-delà – et à travers sa relation au pouvoir. Dans ce dernier cas, sa relation avec Périclès semble certainement avoir attiré l'attention des critiques ; jaloux de ses talents et de la renommée qu'ils attiraient, note Plutarque dans le Vie de Périclès que Phidias était accusé d'avoir détourné l'or athénien.
La carrière artistique de Phidias était dès le début étroitement liée à Athènes. Il fut responsable des monuments sculpturaux commémorant la victoire grecque à la Bataille de Marathon (490 avant notre ère). Cela comprenait la célébration de la bravoure attique qui a été organisée à Delphes et comprenait une représentation des milices d'État athéniennes. C’est cependant à Athènes même que Phidias a réalisé son œuvre la plus emblématique. Alors que beaucoup se déversaient à Athènes sous la forme d'un tribut de la Ligue de Délos (qui était, en fait, une hégémonie maritime athénienne sur d'autres États grecs), Périclès chargea Phidias de créer des œuvres pour l'Acropole athénienne.
On espérait que les nouvelles œuvres du sculpteur refléteraient mieux le statut de la ville en tant que leader police dans le monde grec et au-delà. Les œuvres de Phidias à Athènes comprenaient deux statues colossales de la déesse Athéna, la divinité protectrice de la ville : la Athéna Promachos et le Athéna Parthénos . Le Promachos était une vaste représentation en bronze de la déesse, qui se tenait entre les Propylées (la porte monumentale de l'Acropole) et du Parthénon.
Le plus petit des deux, le Athéna Parthénos était en fait logé à l’intérieur du Parthénon. Contrairement à la sculpture en bronze à l'extérieur, le Parthénos était fait de chryséléphantine – or et ivoire. Selon la description de Pline l'Ancien, la statue mesurait près de 12 mètres (39 pieds) de hauteur (probablement en incluant la base), ce qui aurait signifié que la statue remplissait le vaste espace à l'intérieur de la structure du Parthénon. Dans la main droite de la déesse, elle tenait une statue de Niké, déesse de la Victoire. À sa gauche, elle tenait son bouclier et sa lance, le premier étant décoré d'une Amazonomachie, représentant Thésée (le roi athénien) combattant les Amazones.
Notamment, selon Plutarque, Phidias s'est même fait graver lui-même et Périclès dans la scène du bouclier ! Ailleurs sur l’Acropole, il est largement admis que, même si la construction du Parthénon relevait de la responsabilité des architectes Ictinus et Callicrate, Phidias supervisait néanmoins la décoration sculpturale de la structure, y compris la frise.
Phidias et la statue de Zeus à Olympie
Malgré ses efforts pour faire d’Athènes l’une des villes antiques les plus emblématiques, c’est à Olympie que Phidias a consolidé son héritage en tant que l’un des sculpteurs les plus importants de la Grèce antique. Dans ce sanctuaire panhellénique du Péloponnèse, se trouvait un temple de Zeus, le roi des dieux. Bien que les lecteurs modernes associent probablement désormais le sanctuaire d'Olympie aux Jeux Olympiques (les compétitions sportives qui s'y déroulent depuis le 8ème siècle avant notre ère), il abritait également autrefois l'un des Sept merveilles du monde antique : le statue de Zeus à Olympie . La majesté de la sculpture était telle que le général romain Aemilius Paullus, conquérant de la Macédoine au deuxième siècle avant notre ère, était - selon Tite-Live — tellement ému en voyant la statue qu'il eut l'impression d'avoir vu le dieu lui-même !
La statue de Zeus à Olympie a été achevée vers 435 avant notre ère. Comme les statues antérieures de Phidias à Athènes, sa vision de Zeus n'était pas non plus en marbre mais plutôt en chryséléphantine. Il y avait également d'autres similitudes entre ces statues. Par exemple, le géographe Pausanias a décrit comment Zeus – comme l’Athéna de Phidias – avait également une Nike ailée à la main et que le podium sur lequel la statue était placée était décoré d’une Amazonomachie, un peu comme le bouclier d’Athéna.
Il y avait également plusieurs différences notables. Par exemple, la figure de Zeus était assise. Le roi des dieux trônait, à juste titre, sur un vaste trône en bois de cèdre. Celui-ci était orné d'ivoire, d'or, de pierres précieuses et d'ébène. C'était aussi vaste; la figure de Zeus mesurait environ 12,5 mètres de haut (41 pieds), menant Strabon pour suggérer plus tard qu'on avait l'impression, en regardant la statue, que si Zeus se levait brusquement de son trône, il ouvrirait le toit du temple.
Au cours du cinquième siècle de notre ère, la statue de Zeus était perdue, comme tant d'autres des sept merveilles antiques (à l'exception de la Grande Pyramide). Ce qui a été conservé, cependant, ce sont les restes de l’atelier de Phidias à Olympie.
2. Polyclète et la forme humaine
Avec Phidias, Polyclète est généralement attribué à la création de ce que les historiens de l'art, les classiques et les archéologues identifient comme le style grec classique. En adoptant une vision large de l'art — et en particulier de la représentation de la forme humaine — on peut voir comment les sculptures de Phidias et de Polyclète se sont éloignées des formes plus rigides du style archaïque, visible de manière plus évidente dans le noir statues. Au lieu de cela, leur accent était mis sur la création d’une forme humaine idéalisée.
Alors que Phidias est plus connu pour ses représentations des dieux, ce sont les êtres humains créés par Polyclète qui ont été célébrés tout au long des millénaires. Ceci malgré le fait que la statue colossale d’Héra de Polyclète (maintenant perdue), érigée dans l’Héraion d’Argos, soit assimilée au Zeus de Phidias à Olympie. L’une des œuvres les plus célèbres de Polyclète est Discophore (le « porteur de disque »). Cette sculpture ne doit pas être confondue avec le Discobolus (« Lanceur de disque ») plus connu, créé par Myron. Il y avait aussi le Diadumène , représentant un jeune – probablement un athlète – attachant un bandeau. Cette œuvre incarnait particulièrement la symétrie qui était au cœur de l’œuvre de Polyclète, ainsi que la représentation idéalisée de la forme humaine.
L’œuvre la plus célèbre de Polyclète est cependant Doryphore (« Le porteur de lance »). Ce nu masculin est un exemple classique du contrasté pose. Signifiant « contre-équilibre », cette pose est conçue pour que le poids du corps s'appuie sur la jambe droite avec le pied planté, la hanche gauche légèrement relevée et le pied légèrement surélevé. Pour cette raison, la pose décale également légèrement les épaules et les bras hors de l’axe. L’effet est de créer une représentation du corps à la fois dynamique, suggérant le mouvement et idéalisée. Bien que contrasté avaient été utilisés avant l’époque de Polyclète, ce sont ses œuvres – et la base mathématique qui les sous-tendait (malheureusement perdue) qui a assuré sa renommée en tant que sculpteur.
3. Praxitèle : La Grâce des Dieux
L'approche de la représentation de la forme humaine introduite au Ve siècle par Phidias et Polyclète a été affinée par Praxitèle, un autre sculpteur athénien. Actif au IVe siècle avant notre ère (bien que les dates exactes restent inconnues), il ressort clairement des œuvres attribuées à l'artiste qu'il était familier avec les évolutions stylistiques introduites par ses prédécesseurs. Il y a cependant eu plusieurs changements importants. D’une part, Praxitèle a introduit une « courbe en S » plus profonde dans ses sculptures, une extension de contrasté qui incorporait une plus grande partie du corps au-delà de la position des pieds et des jambes. Son travail était également le plus souvent réalisé en marbre de Paros (de l'île de Paros).
Les sujets de Praxitèle variaient entre l’humain et le divin. Même si les dieux étaient parfois représentés, il s'agissait souvent de divinités mineures, plutôt que Zeus, par exemple. L'une des œuvres les plus célèbres attribuées à Praxitèle (non sans controverse) est la Hermès et l'enfant Dionysos . Elle représente Hermès avec l'enfant Dionysos, le dieu aîné transportant l'enfant vers les nymphes qui l'élèveront.
La sculpture la plus connue de Praxitèle est peut-être la Aphrodite de Cnide . La sculpture représente la déesse de l'amour se baignant ; dans de nombreuses restaurations, elle est nue, cherchant une serviette pour couvrir sa pudeur mais laissant ses seins exposés. L’infamie de la statue vient du fait qu’elle est l’une des premières représentations grandeur nature de la forme féminine nue. De nombreuses copies de la statue sont connues, mais la forme générale témoigne des influences qui ont façonné l'œuvre de Praxitèle, notamment la contrasté position.
Dans l'Antiquité, la statue se trouvait dans le temple d'Aphrodite à Cnide, renforçant ainsi la popularité du sanctuaire en tant que lieu de pèlerinage. Sans surprise, des histoires de scandale sont attachées à la statue et à son sculpteur. Praxitèle aurait utilisé un c'est ça (courtisane) comme modèle pour son Aphrodite. Plus sordide encore, il existe des récits de visiteurs du temple dans l’Antiquité devenus tellement obsédés par la représentation de Praxitèle de la déesse de l’amour qu’ils ont été submergés d’excitation sexuelle. Une rumeur prétendait même qu'un jeune homme était tellement amoureux de l'Aphrodite de Cnide qu'il aurait pénétré par effraction dans le temple et tenté de profaner la statue !
4. Lysippe et le pouvoir des images
Là où Phidias et Polyclète étaient des parangons du style grec classique, l’œuvre de Praxitèle a marqué la transition vers une nouvelle approche esthétique. Lui et Lysippe de Sikyon (une ville du nord du Péloponnèse) ont comblé le fossé entre les styles classique et hellénistique. Actif au IVe siècle, Lysippe était connu pour avoir développé un style légèrement différent et plus épuré par rapport à celui de son contemporain Polyclète. Les œuvres attribuées à Lysippe comprennent le Jeunesse victorieuse et les célèbres chevaux de Saint-Marc, qui ornent désormais la basilique Saint-Marc de Venise. Notamment, l’élève de Lysippe – Charès de Lindos – serait responsable de la construction du Le Colosse de Rhodes , une autre des sept merveilles du monde antique.
Le plus célèbre, Lysippe, serait le sculpteur personnel de Alexandre le Grand . En effet, le roi macédonien ne permettrait que son image soit reproduite par Lysippe selon Biographie de Plutarque ; de même, il note que le travail de Lysippe restait le meilleur moyen d’apprécier l’apparence du roi et bâtisseur d’empire, même des siècles après sa mort. C'est Lysippe qui est responsable de la ressemblance d'Alexandre caractérisée par les mèches ébouriffées, les lèvres entrouvertes et le regard vers le haut qui étaient si fréquemment imités.
Peut-être en raison de son rôle dans l’établissement du portrait canonique d’Alexandre le Grand – et donc du souverain archétypal du monde antique – l’œuvre de Lysippe est restée populaire pendant des siècles après sa mort. En fait, toutes ces copies innombrables ont rendu particulièrement difficile pour les historiens de l’art et les archéologues de lui attribuer des œuvres avec une grande certitude.
Une œuvre communément attribuée au génie de Lysippe est la Apoxyomène (« Le Grattoir »). Cette sculpture représente un homme en train de se nettoyer ; plus précisément, il utilise un strigile, un outil incurvé qui servait à éliminer la sueur et la crasse après l'exercice. D'après le récit de Pline l'Ancien, général romain et bras droit d'Auguste, Marcus Vipsanius Agrippa , avait Lysippe Apoxyomène statue installée dans les bains qu'il a construits sur le Champ de Mars à la fin du premier siècle avant notre ère. Plusieurs décennies plus tard, l’empereur Tibère devint tellement amoureux de la statue qu’il la fit retirer des bains et l’installer dans ses résidences privées. Le peuple de Rome était furieux ; Au théâtre, ils exprimèrent leur rage contre l'empereur en scandant « Rendez-nous nos Apoxyomène ! » et finalement faire honte à Tibère pour qu'il renvoie l'œuvre dans son domaine public.
Le poète romain Horace a fait remarquer que «La Grèce captive a emmené captif son sauvage conquérant et a introduit ses arts dans le Latium rustique.» Il faisait allusion à la façon dont les armées romaines, en maraude sur les États grecs, avaient été captivées par les trésors artistiques qu'elles avaient découverts. Dans la vie et l’héritage de ces quatre célèbres sculpteurs grecs, le pouvoir des images est évident aux yeux de tous.