5 caractéristiques qui ont défini le mouvement artistique rococo

Le côté français du mouvement artistique rococo ne représentait qu'une fraction de ce que le rococo dans son ensemble avait à offrir. De la satire et de la domesticité à la religion, il y a tellement plus dans ce mouvement que ce que les œuvres pelucheuses, salaces et pastorales de Fragonard ou de Boucher voudraient vous faire croire. Le Rococo était plus que des affaires insensées et la vie chic de l'aristocratie. C'est bien plus étagé qu'on ne le pense !

1. La domesticité et le banal dans l'art rococo

Le gentil berger , par François Boucher, 1736-1739, image numérisée de l'art européen du XIXe siècle : troisième édition

Qu'y a-t-il de si fascinant dans Jean-Baptiste-Siméon Chardin est qu'il se sent comme une première préface à la Mouvement réaliste . Il y a une douceur dans ses peintures qui donne toujours un air de chaleur que l'aristocratie voudrait voir de l'art avec des gens de la classe inférieure comme sujet. Pourtant, le manque d'ornementation et de détails dramatiques en fait la pièce la moins rococo qui sera discutée, notamment par Rococo français normes.

Ce pour quoi l'art rococo français était le plus connu était la frivolité et la vie quotidienne romantique, mais il était rarement traité de la même manière banale que Chardin. À l'autre bout du spectre se trouvait François Boucher, qui excellait à romantiser le monde de tous les jours et à le rendre palpable et attrayant pour les riches et les nantis. Son travail Le gentil berger en est un parfait exemple. Malgré le fait que Chardin soit français, il est allé dans une direction complètement différente avec son travail.

Le Bénédicité by Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, via le site Web des collections du Louvre

Le sien Le Bénédicité axé sur la domesticité de la classe bourgeoise, comme beaucoup de ses œuvres, qui ont attiré l'aristocratie. Ce travail plutôt banal et modeste était si différent de ce qui était typique pendant le rococo français que l'aristocratie ne pouvait s'empêcher de s'y intéresser. Il représente une mère encourageant ses enfants à dire leur prière quotidienne pendant le déjeuner, et il révèle une pudeur à Tiers État vie de famille qui était admirable.

Vous appréciez cet article ?

Inscrivez-vous à notre newsletter hebdomadaire gratuiteRejoindre!Chargement...Rejoindre!Chargement...

Veuillez vérifier votre boîte de réception pour activer votre abonnement

Merci!

Pendant ce temps, il y avait peu ou pas de documentation sur les pauvres, à travers l'art, car ce n'était pas un sujet jugé approprié aux yeux des riches et des nantis; ainsi, quand ils ont vu ce tableau pour la première fois, ils ont supposé qu'il s'agissait d'une famille de paysans, au lieu d'une famille ouvrière décemment aisée. La plupart de la classe supérieure a vécu une vie d'ignorance et d'hypothèse, à cet égard.

Le Bénédicité (Close up) by Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, via le site Web des collections du Louvre

Il est encore plus évident dans ce travail que Chardin a un penchant pour le réalisme et le souci du détail lorsqu'il regarde le simple détail de la vapeur ajoutée sur la nourriture. Ce sens du réalisme fait croire au spectateur que Chardin était là et a vu cette famille de ses propres yeux. Il a pu montrer avec soin une représentation précise de la vie domestique mondaine. Il y a aussi le pot en bas à droite, le léger éclat sur le bord et le ternissement peuvent vous donner l'impression d'observer une scène et non une image.

Nature morte au flacon de verre et aux fruits by Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1728, via la State Art Gallery de Karlsruhe

Un autre aspect surprenant des œuvres rococo de Chardin était qu'elles reflétaient Nature morte hollandaise peintures. Le sien Nature morte au flacon de verre et aux fruits est une autre pièce qui établit davantage son immense souci du détail. Des arêtes du fruit à leur reflet dans le flacon, Chardin a veillé à documenter chaque détail avec son pinceau. Quelque chose qui aurait facilement pu être manqué, comme le reflet déformé de l'orange dans la tasse d'argent, a été rendu de manière experte. Alors que l'art rococo français typique est axé sur les détails, il n'a jamais été pour des sujets aussi banals, et Chardin a révélé une autre façon de représenter le rococo.

2. Imagerie religieuse et fresques épiques

L'Immaculée Conception par Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, via le musée du Prado, Madrid

Lorsque vous regardez l'art rococo français, il n'y a généralement pas cette attention portée à l'iconographie et à l'imagerie religieuses, à moins qu'elles n'aient n'importe quoi à voir avec les dieux grecs et romains. Cependant, l'imagerie chrétienne et catholique n'était pas du tout répandue. Certes, les gens allaient à l'église et pouvaient apprécier une bonne fresque tous les jours, mais pendant leur temps libre, la piété était le cadet de leurs soucis, car il y avait trop de plaisir à s'amuser !

Cela pourrait être considéré comme ironique parce que vous avez des pièces comme L'Immaculée Conception par l'artiste rococo italien Giovanni Battista Tiepolo . Partant du principe qu'il était catholique, comme la majorité de ses cohortes vénitiennes, il ne faut pas s'étonner qu'il ait pris au sérieux l'imagerie religieuse et apprécié les œuvres des Époques de l'art classique et de la haute Renaissance , qui transparaît fortement dans son travail.

Institution du Rosaire par Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, image numérisée de l'art européen du XIXe siècle : troisième édition

Le sien Institution du Rosaire est un merveilleux mélange d'art rococo et de classiques. Il a la sensation légère et aérée que l'on attend de Rococo, contrairement à ses travaux antérieurs au cours de sa phase d'expérimentation et de ténébrisme. Le changement peut être attribué à sa fascination pour les œuvres de Paul Véronèse vu au Palais Ondine. Cette fresque au plafond commémorait l'avènement des pratiques de dévotion dans l'Église catholique, de la prière aux méditations, qui étaient aidées par le chapelet. La fresque donne l'illusion de regarder vers le ciel ouvert, au-delà du royaume primitif. Il utilise sans problème trompe-l’œil tout au long du tableau.

Institution du Rosaire (Gros plan) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, image numérisée de l'art européen du XIXe siècle : troisième édition

Il y a tellement de détails dans cette œuvre parce qu'elle communique l'institution réelle du chapelet comme un conte épique. En haut de l'escalier, saint Dominique remet des chapelets à ceux qui souhaitent échapper à la douleur et au péché du royaume terrestre et être accueillis au ciel par la pratique religieuse et la foi. Ci-dessous, si vous regardez attentivement en bas, il y a une main fanée et fantomatique qui émerge de l'obscurité comme pour monter également au ciel.

Cela est évident en raison de la Vierge Marie et de l'enfant Christ planant au-dessus de lui dans le royaume des cieux avec des anges. L'illusion du fond débordant de la fresque relie la peinture aux spectateurs en ce sens qu'elle touche notre royaume et ajoute de l'intérêt. Grâce à sa technique, l'art lui-même devient une métaphore visuelle ; elle guide nos yeux pour voir le transport de l'âme que la religion conduit de la terre au ciel.

Institution du Rosaire (Close up II) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, image numérisée de l'art européen du XIXe siècle : troisième édition

Enfin, il y a la théorie selon laquelle cette fresque était censée être de la propagande religieuse. Cette œuvre est une réponse à la Contre-Réforme de l'Église. L'utilisation d'images attrayantes et de trompe-l'œil était pour que l'église catholique puisse ramener plus de gens du système de croyance protestant qui était le résultat de la Réforme. Dans la foi protestante, il y a une croyance qu'il n'y a pas besoin d'images dans la foi aussi romantique que dans la foi catholique. À cet égard, on peut dire que l'Église avait le dessus parce qu'en raison de la curiosité humaine, il y avait plus de confort dans le connu que dans l'inconnu. Utiliser son travail de cette manière aligne davantage Tiepolo sur les idéaux fidèles de William Hogarth, qui consistaient à envoyer des messages à travers l'art au lieu de simplement faire appel aux caprices de l'aristocratie.

L'apothéose de la monarchie espagnole par Giovanni Battista Tiepolo , années 1760, via le Metropolitan Museum of Art, New York

L'apothéose de la monarchie espagnole est plus de ce que vous vous attendriez à voir de l'imagerie religieuse du mouvement artistique rococo, mais même alors, la nature épique de celui-ci change le poids de la fresque. Voir avec désinvolture une Vénus modesta n'est pas la même chose que de voir votre monarchie assimilée aux dieux. Les fresques de Tiepolo ont contribué au renforcement de l'emprise de l'Église catholique et de la puissance des enseignements de Dieu. Non seulement cela, il a aidé à élever les aristocrates au lieu de simplement les divertir et les flatter.

3. Théâtralité du quotidien dans le rococo français

Oeufs cassés by Jean-Baptiste Greuze , 1756, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Comme Chardin, on perçoit des bribes de quotidien dans l'art de Jean-Baptiste Greuze. Cependant, contrairement à Chardin, Greuze dramatise la vie des gens ordinaires au lieu de simplement les représenter avec désinvolture. Il y a plus de théâtre que l'on attend du mouvement artistique rococo. Ses peintures ont plus une touche néoclassique que les œuvres de Chardin, donnant du crédit à la façon dont les gens aisés s'intéressaient à la vie de la classe moyenne de la manière la plus superficielle.

La noblesse voulait avant tout se divertir. La précision n'avait pas d'importance, ce qui importait était l'histoire et l'attrait esthétique, c'est pourquoi les œuvres de Guillaume Hogarth déconcerté et insulté beaucoup. de Greuze Oeufs cassés parle de l'indignation d'une famille face à la perte de la virginité de leur fille. Une métaphore est donc véhiculée à travers les œufs cassés éparpillés, que les aristocrates trouvaient divertissants dans son scandale. Greuze faisait toujours appel au drame que les riches aimaient dans le rococo français.

La malédiction du père - Le fils ingrat by Jean-Baptiste Greuze , 1777, via le site des Collections du Louvre

La malédiction du père - Le fils ingrat est un autre excellent exemple des scènes scandaleuses sur lesquelles l'aristocratie a prospéré. Dans ce tableau, le fils souhaite quitter sa famille pour rejoindre l'armée, alors que toute sa famille s'y oppose. Il y a de la colère, de la frustration et de la peur qui se dégagent de cette peinture. Il y a aussi de l'amusement si vous regardez à l'extrême droite, où l'ami du fils a l'air amusé par l'absurdité du moment. Les mouvements dramatiques créés par Greuze rappellent le néoclassique et Baroque des œuvres qui divertissent également à un niveau superficiel et allégorique. En créant cet effet, Greuze a pu élever la vie de la classe inférieure.

4. Portrait et sujet innovants

Allégories des Quatre Continents : Personnification de l'Amérique par Rosalba Carriera , avant 1720, via la collection Cooper Hewitt

Quels ensembles de Rosalba Carriera travail en dehors des De La Tours et autres, est sa délicate subtilité lorsqu'il s'agit de mélanger les couleurs et le souci du détail, sans idéaliser complètement ses sujets. Son Allégories des Quatre Continents série en est un bel exemple. Ses œuvres sont un équilibre entre forme réaliste et idéale, contrairement à de nombreuses œuvres rococo françaises qui cherchent à transmettre uniquement une forme idéale. Elle a également tenu à utiliser de petits détails dans ses pastels pour donner un aperçu des sujets de son sujet au lieu de tout donner comme de nombreuses pièces rococo avaient tendance à le faire. Il est évident qu'elle a utilisé une palette restreinte pour atteindre ce niveau d'équilibre et d'unité dans les œuvres individuelles.

Allégories des Quatre Continents : Personnification de l'Afrique par Rosalba Carriera , avant 1720, via le site Web du Smithsonian

Contrairement à de nombreux peintres avant elle, Carriera n'avait aucun scrupule à peindre avec désinvolture des sujets étrangers. Il semble que chaque fois qu'un étranger était représenté, c'était parce qu'il mourait, était vilain, appauvri ou sexualisé, mais Carriera a donné à ses téléspectateurs quelque chose de différent. Cela ne veut pas dire que tout les artistes sont cependant restés dans ces cases. Portrait of Jean-Baptiste Belley by Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson est un bel exemple de peinture respectueuse d'un sujet étranger. Mais alors à l'autre bout, vous avez son La révolte du Caire , qui est la guerre et la mort et la méchanceté des étrangers. Carriera a aidé à contribuer aux aspects les plus subtils du rococo au lieu du drame et des accoutrements minimes, inspirant probablement des gens comme Chardin avec la manière dont elle dépeint ses sujets d'une manière plus simple que ses collègues.

5. Jugement et cynisme dans l'art rococo

Avant de par William Hogarth , 1736, via le Metropolitan Museum of Art de New York

William Hogarth, le roi rococo de l'amertume et de la satire, est un excellent exemple de ce que les gens ne le faites pas pensent quand ils pensent à l'art rococo. Il n'y a pas de fioritures, il n'y a pas de revêtement de sucre, juste la vérité brute de la vie dans la classe supérieure. Quand on nous fournit des images de femmes par William Hogarth, elles sont soit misérables, soit montrées dans un état de manie. Il dépeint les femmes d'une manière où elles ne sont jamais heureuses ou si elles le sont, c'est essentiellement le calme avant la tempête. Ce badinage n'a rien à voir avec les œuvres de Jean-Honoré Fragonard . Il n'y a pas de romance, juste l'inconfort d'une femme et la volonté d'un homme de satisfaire ses pulsions sexuelles, peu importe ce que ressent la femme. Dans Avant de, le manque d'enthousiasme de la femme est encore plus évident dans le livre sur la piété dans sa vanité.

Après par William Hogarth , 1736, via le Metropolitan Museum of Art, New York

L'autre gravure de Hogarth, bien nommée Après est la deuxième partie de Avant de . Il y a un manque de piquant et de peluches dans l'affaire considérée comme typique du mouvement artistique rococo. Il ne semble pas que la femme se soit amusée, seul l'homme avait fait le plein, remontant son pantalon en hâte de partir. Le sienutilisation de la signature du chientraduit l'instabilité de leur relation, d'abord en Avant de avec lui aboyant sauvagement aux deux, au chien tourné vers l'extérieur dans ce travail, avec une acceptation silencieuse mais une déception. Il n'est pas surprenant que le nœud de l'interprétation du rococo par Hogarth soit essentiellement tout renverser du rococo français. Il était déterminé à changer ce que devrait être le mouvement artistique rococo, dans toutes ses œuvres cyniques.