Comment Claude Monet a-t-il capturé le temps qui passe ?

En 1890, les frères Lumière étaient en train d'inventer le cinématographe qui allait devenir le cinéma tel que nous le connaissons aujourd'hui. Durant cette période, Claude Monet commence à se consacrer à l'exécution de plusieurs séries de peintures. Ces séries présentaient des œuvres montrant le même sujet, souvent sous le même angle, à différents moments de la journée et à différentes saisons. Monet a commencé avec Meules de foin série, puis je suis passé à Peupliers , le Cathédrales de Rouen , et enfin son fameux Nénuphars . Ces séries sont uniques et antérieures aux timelapses. Poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur les raisons pour lesquelles Monet choisit de peindre encore et encore les mêmes sujets.

1. Celui de Claude Monet Meules de foin

En 1883, Claude Monet, 40 ans, était le leader de l'impressionnisme français qui se retira à Giverny, en Normandie. Isolé du public et des autres artistes, son art prend une tournure unique en 1890 lorsqu'il se consacre à la peinture de ce qui deviendra plusieurs séries célèbres. C'est peut-être en peignant plusieurs versions de La Gare Saint-Lazare en 1877 ou The Petite Creuse C'est en 1889 que Monet eut l'idée de ces expérimentations artistiques.

Cette période artistique a commencé avec Meules de foin , une série composée de plus de vingt tableaux. Dès 1888, Beaucoup commence à peindre les meules de foin près de chez lui à Giverny. Le but de cette série répétitive était de montrer les différents effets de la lumière et de l’atmosphère selon les jours, les saisons et les conditions météorologiques. Parfois, le cadrage et le point de vue variaient. Avec ce nouvel objectif, Monet abandonne les paysages. Il a plutôt commencé à se concentrer sur des fragments de paysages.

En mai 1891, Beaucoup présente pour la première fois au public quinze des vingt-cinq tableaux de cette série. Cela a été réalisé lors d'une exposition organisée par la galerie Paul Durand-Ruel à Paris. Chez Daniel Wildenstein Catalogue Raisonné des œuvres de Monet, la numérotation figurant sur chaque tableau est généralement celle utilisée pour désigner chacun des tableaux de l’artiste. Cette numérotation permet de différencier les nombreux tableaux de chaque série qui portent le même titre. Pour le Meules de foin série, les peintures sont numérotées W1266 à W1290.

Ces tableaux illustrent parfaitement la façon dont les impressionnistes percevaient la couleur. Sachant que chaque couleur a son contraire, les peintres impressionnistes associaient chaque ton à sa couleur complémentaire afin de la mettre en valeur. L'œil réduit alors à lui seul la perturbation des contrastes et opère un mélange optique basé sur les tons complémentaires. Cela permet la disparition de la palette du peintre, l’œil effectuant lui-même le mélange des couleurs. Cette idée a été théorisée par le scientifique français Michel-Eugène Chevreul dans sa loi du contraste simultané des couleurs, qui a inspiré à la fois les impressionnistes et les pointillistes.

Les meules de foin ont été peintes à différents moments de la journée, ce qui a permis à Monet d'expérimenter cette théorie des couleurs. Il a étudié les variations de la lumière au cours de la journée : lueur du matin, rayons du soleil de l'après-midi et ciel du soir. Dans certains tableaux, Monet peint également les effets de lumière et de couleurs propres à chaque saison et condition météorologique. Dans Meules de céréales (W1273), l’application de la théorie des couleurs de Chevreul est indéniable. Le bleu utilisé pour la pointe de la botte de foin dans l’ombre complète les différentes tonalités orange utilisées pour représenter les rayons du soleil et leurs reflets.

Monet et les impressionnistes ne voulaient pas représenter fidèlement l’apparence conventionnelle des objets. Au lieu de cela, ils ont essayé de les interpréter à leur manière. Ce faisant, ils suggèrent une nouvelle définition de la peinture comme un champ d’expression où des sensations colorées vibrantes peuvent être obtenues. Monet conseille aux artistes inspirants de ne pas considérer les objets devant eux comme des références pour la peinture, mais plutôt comme des taches de couleur. Ce conseil prend tout son sens lorsqu'on regarde des peintures du Meules de foin série, dans laquelle même les ombres sont traitées avec des couleurs vives, pures et non mélangées.

Le Meules de foin Cette série illustre parfaitement l'évolution progressive de la peinture impressionniste. Certaines toiles conservent encore un certain degré de naturalisme, une fidélité à la réalité peinte, comme le premier tableau de la série intitulée Meules de foin, fin de l'été (W1266). Mais dans d’autres œuvres, la technique de Monet commence à rejeter les volumes et les détails et s’intéresse uniquement aux effets tactiles et lumineux. Les coups de pinceau s'épaississent et les formes se dissolvent. Les spectateurs sont confrontés à des tableaux qui expriment bien plus les émotions du peintre que le sujet original. L'un des derniers tableaux de cette série, Meule de grains au soleil (W1288) aurait ébloui le jeune Vassily Kandinsky lors d'une exposition à Moscou en 1896.

En 1969, le célèbre artiste pop Roy Lichtenstein a rendu hommage à Monet Meules de foin avec sa propre série de 7 lithographies partageant le même titre. Son propre Meules de foin représentent, comme celles de l'artiste impressionniste, les variations de lumière à différents moments de la journée, grâce à une gamme de couleurs allant du jaune le matin au noir la nuit. Les expériences de Monet avec les couleurs et sa version avant-gardiste de la sérigraphie ont eu un impact considérable sur le développement de l’art moderne. Lichtenstein approfondira cet extraordinaire dialogue artistique avec le maître impressionniste. En effet, au cours de sa carrière, l’icône du pop art a réalisé deux autres séries de lithographies inspirées de certains tableaux de Monet issus de deux séries : Cathédrale de Rouen (1969) et Nénuphars (1992).

2. Peupliers

Entre l'été et l'automne 1891, un an après Meules de foin , Monet réalise une nouvelle série de vingt-trois tableaux intitulée Peupliers . Tandis que le Meules de foin Les séries variaient considérablement en termes d'angles, de cadrages et de formats de toile, cette série est beaucoup plus cohérente. Les toiles mettaient en valeur les arbres qui se dressaient vers le ciel.

Comme Meules de foin , cette nouvelle série reprend les principes impressionnistes que Monet n'a cessé de défendre et d'illustrer : la peinture en plein air où l'on peut puiser directement dans le sujet à un instant donné. Monet a tenté de capturer l'instant présent dans cette série en peignant des ombres, marquant le mouvement du soleil et le cycle des jours et des saisons exprimé par les variations de couleurs. Cependant, sa représentation n’était ni scientifique ni réaliste, mais plutôt créée afin de traduire une impression personnelle. Ainsi, l’exactitude naturaliste de ces ombres ou couleurs est parfois discutable.

En observant l'évolution des heures, des jours et des saisons dans ses séries, Monet se concentre sur ce qui le captive le plus : les effets de lumière. En essayant de peindre ces effets, il cherche à capter l’éphémère. C'est pourquoi les sujets qu'il choisit étaient toujours simples et pourquoi les détails étaient absents de ses peintures. Seules la lumière et les couleurs comptaient. Les sujets peuvent même paraître flous, et quelques coups de pinceau suffisaient parfois à esquisser une forme.

Pour Monet, un paysage n’est pas immuable mais sujet à d’infinies variations et versions atmosphériques. Il expliqua cela au bibliothécaire néerlandais Willem Byvanck en 1891 : Voici ce que je me suis proposé : je voulais avant tout être vrai et exact. Un paysage, pour moi, n'existe pas en tant que paysage, puisque son aspect change à chaque instant ; mais il vit de son environnement, de l'air et de la lumière, qui varient continuellement […]. Il faut savoir saisir l'instant du paysage au bon moment, car ce moment ne reviendra jamais et vous vous demanderez toujours si l'impression que vous avez capturée était la vraie. .

3. Cathédrales de Rouen

Le Cathédrale de Rouen La série se compose de 30 tableaux que Claude Monet a réalisés entre 1892 et 1894. Il a principalement peint le portail ouest de la cathédrale Notre-Dame de Rouen, sous différents angles et à différents moments de la journée. Monet souhaitait que les peintures de la cathédrale soient vues ensemble, comme un ensemble.

En 1895, Monet sélectionne 20 de ces œuvres pour les exposer dans sa galerie de marchand d'art à Paris, comme il le fit avec Meules de foin plusieurs années auparavant. L'exposition a reçu un accueil mitigé de la part des critiques en raison du caractère religieux du bâtiment représenté. Certains, cependant, voyaient un côté onirique dans la façon dont la lumière jouait avec la façade de la cathédrale. Le choix de Monet d’étudier et de peindre la façade de la cathédrale de Rouen, qui est une architecture très élaborée et complexe, semble inhabituel. Il préfère généralement s'en tenir à des sujets simples et dépourvus de détails pour pouvoir se consacrer à l'étude de la lumière et des couleurs.

Ces peintures rappellent cependant la façon dont Monet traitait la surface de craie des falaises d'Étretat quelques années plus tôt. Afin de capturer l’atmosphère et la lumière frappant la surface de la pierre, Monet a expérimenté des pigments pour tenter d’obtenir les couleurs souhaitées. La façade de la cathédrale a été taillée dans de la pierre monochrome, mais les peintures de Monet affichent de nombreuses couleurs, allant des nuances de mauve et de vert aux teintes roses et oranges.

Cathédrales de Rouen met en scène un sujet urbain rare parmi ses séries fortement ancrées dans la nature. Son architecture, les ombres projetées sur sa façade et les variations de couleurs et de textures sur la pierre sont des éléments qui permettent à Monet d'appliquer ses principes impressionnistes à ce sujet urbain. Quelques années après le Cathédrales de Rouen , il met une nouvelle fois de côté les sujets ruraux et choisit le Parlement de Londres comme motif d'une nouvelle série de 19 tableaux. Ces deux séries constituent ses études les plus approfondies sur la lumière et la couleur en architecture.

4. Nénuphars : Le dernier chef-d’œuvre de Claude Monet

Suite à l’ouverture du Japon aux Occidentaux en 1853, la vague du japonisme envahit l’Europe. Les voyageurs européens ont commencé à explorer le pays et à rapporter des objets tels que du thé, des gravures et des vêtements. Monet lui-même était fasciné par la culture japonaise. La période artistique qu'il a consacrée à ses séries de peintures semble être due à son vif intérêt pour l'art japonais de l'ukiyo-e (gravures et peintures sur bois japonaises).

Monet possédait même une grande collection d'art japonais, qu'il utilisait pour décorer sa maison Giverny . Le principe même de réaliser une série d'œuvres est commun au célèbre artiste japonais Hokusai qui a notamment réalisé le Trente-six vues du Mont Fuji entre 1831 et 1833. Il est largement admis que Monet a été fortement influencé par Hokusai, ainsi que par d’autres artistes japonais tels que Hiroshige.

Nénuphars est une série composée d'environ 250 peintures à l'huile réalisées par Monet au cours des 31 dernières années de sa vie. Nénuphars est aussi le dernier et le plus grand projet de sa vie. Ces peintures représentent le bassin aux nénuphars du jardin fleuri de la maison de Monet à Giverny, qui abrite aujourd'hui la Fondation Claude Monet. Conçu par le peintre lui-même, ce jardin est une preuve de son amour pour Japonais culture. Il possède une passerelle japonaise recouverte de glycines, d'étangs de nénuphars, de saules pleureurs et de forêts de bambous. Monet s'est inspiré de ce jardin pendant plus de vingt ans. Les peintures du Nénuphars les séries varient en forme et en taille.

Beaucoup exploré tout le potentiel des reflets aquatiques. Mais le véritable sujet de ces tableaux est, encore une fois, la lumière. Monet l'a peint avec une riche palette de couleurs qui donnent vie à ses reflets dans l'eau. Il juxtapose des couleurs complémentaires comme le jaune et le violet, qui accentuent la sensation d’éclat lumineux et d’expansion de l’espace dans l’œil du spectateur.

Comme dans le Meules de foin série, au départ figurative Nénuphars les peintures sont devenues de plus en plus abstraites au fil des années. Un peu comme l'ironie de Beethoven devenu sourd, beaucoup de ces toiles ont été peintes alors que Monet souffrait de cataracte et qu'il commençait lentement à perdre la vue. Sa vision de plus en plus trouble produit des peintures irréelles et oniriques. La passerelle japonaise de son jardin a fait l’objet de plusieurs de ses peintures, mais la façon dont il la représente a considérablement changé au fil du temps. En 1899, Monet peint une version très réaliste du pont en Le bassin aux nénuphars (W1516) avec des nuances sereines de vert. Le Passerelle japonaise, Giverny (W1932), peint une vingtaine d'années plus tard, montre en revanche un amalgame de couleurs informes rouge vif, orange et jaune dans lequel le spectateur distingue à peine la forme d'un pont.

Faisant écho à sa théorie impressionniste selon laquelle la peinture de paysage devait se concentrer sur la corrélation entre la lumière et la couleur, Monet ne pouvait plus voir les détails des sujets qu'il peignait. Il atteint véritablement la vision du paysage qu'il prône : pouvoir observer son environnement comme des taches de couleur, sans formes ni détails. Dans son Nénuphars , la force de son geste créatif et le traitement large de toute la surface de la toile sans distinguer différents plans sont autant d'éléments qui séduiront plus tard les jeunes artistes américains de l'expressionnisme abstrait.

De 1914 à 1926, Monet a travaillé sur un grand ensemble de huit peintures panoramiques destinées à être offertes au gouvernement français comme symbole de paix à la fin de la Première Guerre mondiale. Cette œuvre représentait le point culminant de son Nénuphars série. Conçue comme un cycle de peintures et réalisée pour un lieu précis, le Musée de l'Orangerie à Paris, cette série de Nénuphars est désormais accrochée de manière permanente au musée selon les instructions de Monet. Les toiles sont disposées sur les murs de deux salles ovales, éclairées par la lumière naturelle.

Ce projet n’est pas une représentation classique d’un paysage. L'artiste a pleinement exploré les possibilités de la couleur et du toucher. De loin, les touches de couleurs recomposent l’image d’un plan d’eau sans rivage ni horizon. De près, le spectateur voit avant tout la matière picturale. Cet ensemble unique est une véritable chapelle Sixtine de l’impressionnisme, comme le disait le peintre André Masson en 1952. Il témoigne du dernier projet artistique de Claude Monet, conçu comme un véritable environnement et la fin de l’époque. Nénuphars série. Le Musée de l'Orangerie Nénuphars est l'un des plus grands projets de peinture monumentale de la première moitié du XXe siècle.