Le côté obscur de la vie : l'art contemporain scandaleux de Paula Rego

L'art contemporain de Paula Rego va droit au but, bouleversant le public avec des sujets outrageusement conflictuels qui reflètent les profondeurs sombres de la souffrance et de l'endurance humaines. Elle tisse ce matériau subversif avec une esthétique inspirée des sombres histoires pour enfants et du folklore de son Portugal natal, créant des images macabres convaincantes avec un air de malaise qui s'effondre parfois en pleine horreur. Une grande partie de l'art le plus récent de Paula Rego est largement reconnu aujourd'hui pour son commentaire inébranlable et brûlant sur les questions féministes, explorant le corps des femmes en tant que symboles d'oppression et de violence, mais aussi d'une force et d'un défi incroyables. Au cours de ses 70 années de carrière impressionnantes, elle a créé des archives d'art étonnamment vastes qui sont maintenant conservées dans les musées du monde entier. Jetons un coup d'œil à travers les décennies à l'évolution de la pratique de l'art contemporain de Paula Rego et à certaines des œuvres les plus convaincantes de sa carrière prolifique.

Premiers travaux : politique et subversion

Portrait de Paula Rego , via la Fondation Calouste Gulbenkian, Lisbonne

Née à Lisbonne en 1935, Paula Rego a été partiellement élevée par ses grands-parents portugais, qui l'ont d'abord initiée aux contes de fées gothiques, aux mythes et au folklore. Remplis de détails horriblement macabres et sanglants, ils ont illuminé sa jeune imagination et se sont ensuite répandus dans son art. Une grande partie de son enfance a été éclipsée par la direction fasciste de Antoine d'Oliveira Salazar , et elle était parfaitement consciente du climat socio-politique troublé qui l'entourait. L'art est devenu un moyen puissant d'exprimer ses angoisses et ses traumatismes profondément ressentis, en les mettant au grand jour pour atténuer leur impact émotionnel. Si vous mettez des choses effrayantes dans une image, elles ne peuvent pas vous faire de mal, pensa-t-elle plus tard.

Interrogatoire par Paula Rego , 1950, via Fad Magazine

La première peinture Interrogatoire, 1950, a été réalisé alors que Rego n'avait que 15 ans, prédisant la nature de son travail de maturité avec une analyse approfondie de la torture et de l'emprisonnement au Portugal fasciste. Le corps d'un jeune homme est dans un enchevêtrement douloureusement tordu d'angoisse intérieure alors que deux figures autoritaires s'approchent de lui de manière inquiétante par derrière, tenant des armes à la main. Dans le but de retirer leur fille du régime fasciste, les parents de Rego l'ont envoyée dans une école de fin d'études dans le Kent, en Angleterre, alors qu'elle avait 16 ans. De là, elle a poursuivi ses études d'art à École d'art Slade à Londres, et dans les années qui ont suivi, elle s'est liée d'amitié avec divers artistes de premier plan. Rego était la seule femme associée à la École de Londres peintres aux côtés David Hockney , Lucien Freud , et Franck Auerbach. Elle a également rencontré son mari, le peintre Victor Willing , avec qui elle aura trois enfants.

Les pompiers d'Alijo par Paula Rego , 1966, via Tate Gallery, Londres

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Au cours des années 1960, Rego est retournée au Portugal avec sa famille et son art contemporain a continué à réfléchir sur les aspects troublants de la politique portugaise. Son langage est de plus en plus fragmenté et insaisissable, reflétant les instabilités et les incertitudes d'une société en pleine tourmente politique. Elle a réalisé ces images en dessinant diverses figures, animaux et autres formes sur des feuilles de papier avant de les découper violemment et de les disposer sous forme d'éléments collés sur la toile. Dans Les Pompiers d'Alijo, 1966, des créatures étranges et monstrueuses se mêlent aux animaux et aux humains pour former un réseau enchevêtré de formes interdépendantes qui semblent flotter dans l'espace, faisant écho aux premiers Surréaliste travail de Marcel Duchamp . Rego dit que la peinture était vaguement liée à un groupe de pompiers pauvres qu'elle a vus pendant l'hiver entassés en groupes avec les pieds nus, les visages noirs et les manteaux bourrés de paille. Sa peinture curieuse et surréaliste a été réalisée en hommage à la bravoure magique de ces hommes, qui ont travaillé sans relâche en tant que bénévoles non rémunérés pour sauver des vies.

Travail d'adulte : récits troublants

La danse par Paula Rego , 1988, via Tate Gallery, Londres

À partir des années 1970, le style de Rego s'est déplacé vers une représentation plus réaliste de personnes et de lieux peints directement sur la toile. Cependant, la même qualité disloquée obsédante a été investie dans son art, obtenue à travers des corps déformés et des effets d'éclairage étranges et saisissants. Dans le célèbre et ambitieux tableau La danse, 1988, les gens semblent danser négligemment sur une plage éclairée par la lune, mais la gaieté de leurs corps est sapée par la lumière bleue froide et les ombres claires et nettes qui les entourent.

Bien que Rego n'ait laissé aucune signification directe dans l'œuvre, certains critiques ont suggéré que chaque groupe de danse se rapporte aux différents rôles identitaires qu'une femme pourrait assumer, de la figure solo indépendante à gauche aux deux couples couplés, dans lesquels une femme est enceinte. . À droite, un trio de femmes composé d'un enfant, d'une mère et d'une grand-mère, suggérant le rôle traditionnel des femmes en tant que mères d'enfants transmis d'une génération à l'autre. De cette façon, la peinture peut être comparée au symbolisme hanté de Edvard Munch.

Maria Manuel Lisboa, spécialiste de la culture portugaise, estime que le bâtiment au loin de ce tableau est basé sur un fort militaire sur la côte d'Estoril à Caxias, près du lieu de naissance de Rego. Utilisé comme prison et site de torture tout au long du règne de Salazar, sa présence sombre et imminente ajoute une couche supplémentaire d'inconfort oppressant à l'image, critiquant peut-être la nature restrictive des rôles sociaux imposés aux jeunes femmes tout au long de la dictature fasciste.

Femmes : souffrance, force et défi

Ange par Paula Rego , 1998, via Art Fund UK

Depuis les années 1990, Rego a exploré une variété de thèmes féministes puissants qui reflètent les complexités de l'identité féminine moderne. S'éloignant de la peinture, elle a commencé à travailler avec des pastels, un médium qui lui a permis de manipuler le matériau à mains nues, un processus qu'elle assimile à la sculpture plutôt qu'à la peinture. Ses femmes sont fortes, musclées et parfois ouvertement agressives même face à la souffrance, sapant les idéalisations sages et soumises du passé.

Cette qualité peut être vue dans l'héroïque Ange, 1998, qui met en scène un saint alternatif, portant une épée dans une main et une éponge nettoyante dans l'autre, nous dévisageant d'un air confiant et inébranlable. Dans la série Dog Woman de Paula Rego de la même époque, elle explore comment les femmes peuvent être comparées à des chiens - non pas de manière soumise et désobligeante, mais comme un symbole de l'instinct primal et de la force intérieure. Elle écrit : Être une femme-chien n'est pas nécessairement être opprimée ; cela a très peu à voir. Dans ces images, chaque femme est une femme-chien, pas opprimée, mais puissante. Elle ajoute : Être bestial, c'est bien. C'est physique. Manger, gronder, toutes les activités liées à la sensation sont positives. Imaginer une femme comme un chien est tout à fait crédible.

Mariée (du Chien Femme série) de Paula Rego , 1994, via Tate Gallery, Londres

Une autre série tout aussi subversive de la même période est la série poignante Abortion de Rego, réalisée en 1998 lorsqu'un référendum pour légaliser l'avortement au Portugal a échoué. Les dessins de Rego se concentrent sur le sort des femmes contraintes de subir des avortements illégaux dans des environnements sales et dangereux. Elle les représente accroupis comme des animaux sur de vieux seaux, froissés avec les genoux levés à l'agonie, ou couchés sur le dos avec les jambes grossièrement écartées par des chaises en métal, soulignant la brutalité de leur situation désespérée.

Rego soutient sa série de dessins sur le sujet… met en évidence la peur, la douleur et le danger d'un avortement illégal, ce à quoi les femmes désespérées ont toujours eu recours. C'est très mal de criminaliser les femmes en plus de tout le reste. Rendre les avortements illégaux oblige les femmes à la solution clandestine. Telle était la puissance du message de Rego ; son art contemporain est en partie reconnu pour avoir influencé l'opinion publique lors d'un deuxième référendum en 2007.

Sans titre Non je (du Série sur l'avortement ) de Paula Rego , 1998, via The National Galleries of Scotland, Édimbourg

Art Plus Tard: Contes De Fées Et Folklore

Guerre par Paula Rego , 2003, via Tate Gallery, Londres

À partir des années 2000, Rego a exploré un matériau sombrement subversif qui s'inspire souvent des contes de fées, de la mythologie et de la religion. Son dessin richement complexe Guerre, 2003, combine des animaux, des jeunes filles et des jouets, invoquant les sombres histoires d'enfants de sa propre enfance, qui avaient souvent des connotations horribles ou sinistres. Rego a réalisé ce travail en réponse à une photographie déchirante prise au début de la guerre en Irak d'une fille en robe blanche vue en train de fuir une explosion. Son interprétation des enfants souffrant de la guerre est d'imaginer l'horreur vue à travers les yeux d'un enfant, avec des masques de lapin macabres tachés de sang qui vacillent au hasard sur la tête des enfants.

Chèvre Fille par Paula Rego , 2010-2012, via Christie's

L'imprimé surréaliste Chèvre Fille imite le style traditionnel victorien des livres pour enfants avec des lavis lâches de couleur pâle et des hachures sommaires. Son imprimé est vaguement lié au conte de fées grec de la chèvre, qui est née une chèvre mais qui a pu enlever sa peau pour devenir une belle femme. Rego savoure la nature d'une histoire à moitié racontée ici, amplifiant les effets visuels gênants avec des corps anguleux effrayants, un hybride humain-animal et un éclairage gothique austère qui donne à la scène un air de menace menaçante.

L'influence de Paula Rego sur l'art contemporain aujourd'hui

Trait d'union par Jenny Saville , 1999, via America Magazine

Avec la carrière internationale de Paula Rego qui s'étend sur près de sept décennies, il n'est peut-être pas surprenant que son impact sur le développement de l'art contemporain ait été considérable. Elle a inspiré des artistes du monde entier à explorer comment la peinture et le dessin figuratifs peuvent refléter les problèmes sociopolitiques les plus urgents de l'époque. Les artistes qui ont continué dans son héritage comprennent le peintre britannique Jenny Saville , dont l'examen sans faille des corps de femmes voluptueuses est aussi direct que possible, pressé contre la toile et agrandi à une échelle monstrueuse. Comme Rego, peintre américain Cécile Brun transmet des corps non idéalisés et sexualisés qui deviennent des passages charnus de peinture expressive. artiste sud-africain Michel Armitage Les peintures d'art contemporain sont également redevables à Rego, partageant le même récit fragmentaire et déplacé et les mêmes courants sous-jacents de troubles politiques, créés en superposant des références personnelles et politiques dans une tapisserie d'idées richement complexe.