Le mouvement artistique bref mais extraordinaire du groupe Der Blaue Reiter

Cheval bleu I par Franz Marc , 1911, via le musée Lenbachhaus, Munich; Photographie de Franz Marc , 1910; Projet de couverture de Der Blaue Reiter Almanac de Vassily Kandinsky , 1911, via le musée Lenbachhaus, Munich; Photographie de Vassily Kandinsky , via le musée de Leicester

Le début du 20esiècle a apporté avec lui des révolutions et des progrès dans la façon dont l'art était perçu et créé. Der Blaue Reiter ou The Blue Rider Group a été fondé à Munich, en Allemagne, en réponse aux méthodes traditionnelles de l'art. Leur art a exploré les relations entre l'art, la musique, la couleur et le spiritisme. Même si le groupe a été de courte durée, leur art et leurs idées ont contribué au développement de l'expressionnisme allemand.

Le début du cavalier bleu

La montagne bleue de Vassily Kandinsky , 1908/09, via le musée Guggenheim, New York

Le groupe a été fondé par un mélange d'émigrants russes et d'artistes allemands natifs en 1911. Certains des noms les plus reconnaissables du groupe incluent Vassily Kandinsky et François Marc qui ont été les principaux membres qui ont façonné la vision globale du groupe. D'autres artistes incluent Alexei Von Jawlensky , Gabriele Münter , Marianne von Werefkin , Mack d'août , et Paul Klee . Ils ont formé le groupe en rejet d'un autre mouvement artistique allemand, Neue Künstlervereinigung München (Munich New Association of Artists). Ils se sont efforcés de créer une nouvelle vague d'art moderne qui se démarque de l'art conventionnel et conformiste de leurs prédécesseurs. Ils se sont intéressés à la création d'art qui exprime des émotions plutôt que de représenter des scènes littérales. Alors que chaque artiste individuel abordait le sujet et la technique différemment, ils partageaient tous les mêmes idées de créer de l'art en tant que lien avec le spirituel grâce à l'utilisation de la couleur.

La signification du nom Der Blaue Reiter

Le cavalier bleu par Vassily Kandinsky, 1903

La dénomination du groupe peut être simplifiée dans la mesure où Marc aimait les chevaux et Kandinsky aimait les cavaliers, alors ensemble ils ont créé le nom Der Blaue Reiter. Cependant, il y a plus de substance à la raison pour laquelle les chevaux, les cavaliers et la couleur signifiaient tant pour ce groupe et ont contribué à leur nom et à leur identité durable.

La peinture Le cavalier bleu est considéré comme le tableau qui est devenu la base du nom du groupe Der Blaue Reiter. Kandinsky a peint l'image en 1903, et c'est l'une des premières peintures où il est passé à un style plus abstrait. Le cavalier du nom en est venu à symboliser la transition du monde physique au monde spirituel. Cette idée vient des guerriers et chevaliers chrétiens médiévaux, comme Saint George, qui a inspiré le groupe. L'histoire de saint Georges terrassant un dragon joue un rôle majeur dans les premières œuvres de Kandinsky. Pour eux, cela représentait la mort de l'ancien et la naissance d'un commencement. Le cavalier est porteur d'un éveil divin et d'une renaissance de l'art. Les membres de Der Blaue Reiter considéraient le matérialisme de leur époque comme un obstacle à la compréhension spirituelle de l'esprit et de l'âme.

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Les grands chevaux bleus par Franz Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis

La couleur bleue est devenue la manifestation littérale du transcendant et du divin que ces artistes ont utilisé dans leur art. Le bleu était considéré comme la couleur la plus spirituelle et la plus apaisante qui soit constamment vue dans une variété d'œuvres d'art du groupe. Le bleu était fréquemment utilisé en conjonction avec les chevaux de Franz Marc car ensemble, ils représentent le voyage du monde matériel vers un monde plus céleste. Le bleu est également lié à la masculinité tandis que le jaune était plus féminin. Le rouge représentait le monde physique et naturel par rapport à l'autre monde de la couleur bleue. La combinaison du bleu et du cavalier représente la bataille entre le bien contre le mal. Pour eux, les maux du début du 20esiècle étaient les technologies modernes, les sciences et l'industrialisme urbain.

L'almanach du cavalier bleu

Couverture de l'Almanach du Cavalier bleu de Wassily Kandinsky, Franz Marc et Jean Arp , 1914, par l'intermédiaire de la Galerie d'art de l'Ontario, Toronto

Les Cavaliers bleus Almanac est une collection d'essais, d'illustrations et de partitions musicales qui est devenue la base des objectifs du groupe. Sur la couverture du livre se trouve l'emblème du groupe de Saint George. La première édition comprenait 1200 exemplaires avec 50 éditions de luxe qui incluent des gravures sur bois de Wassily Kandinsky et Franz Marc. Les gravures sur bois en édition limitée intitulées (Archer) Archer , de Kandinsky ; et Fabletier (créature fantastique) , de Marc ne figurent que dans la première édition. Le groupe n'a publié ce premier livre que lorsque la Première Guerre mondiale a interrompu les projets d'un second. Le livre contient également des partitions musicales d'Arnold Schönberg et d'Alexandre Scriabine, Schönberg ayant contribué à un essai ainsi qu'à des partitions pour trois compositions. Le son jaune de Kandinsky (Der gelbe Klang) est également inclus. Le livre contenait non seulement des images du travail du groupe, mais d'autres artistes, dont Pablo Picasso , Vincent Van Gogh , et Henri Matisse .

Le cavalier bleu de Franz Marc et Wassily Kandinsky , 1912, via le Musée des beaux-arts de Boston

Il y a aussi des images d'œuvres d'art médiévales, de la Renaissance, d'art populaire et non européennes. Cela comprenait des statues africaines, des dessins à l'encre asiatiques, de l'art populaire et des peintures sur verre inversé de Bavière. Les artistes non formés et les artistes folkloriques dont l'art aurait été qualifié de primitif à cette époque ont inspiré leur art. La simple abstraction des formes et des sujets conduit les membres du groupe à créer des images qui s'éloignent de plus en plus du monde naturel. Ce qui rend ce livre important, c'est l'effort de collaboration qui a été mis dans sa réalisation. En plaçant des images d'art d'un large éventail de cultures, d'artistes, de musiciens et de critiques, il a montré que tout art pouvait vivre simultanément dans un même espace. Cela montre qu'il y a de la place pour tous les types d'art et combien chacun s'influence l'un l'autre.

L'influence de la couleur

Jeune fille au chapeau fleuri par Alexei Von Jawlensky , 1910, via Albertina Museum, Vienne (à gauche) ; avec Quatre filles (quatre filles) par August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (à droite)

La couleur a joué un rôle majeur dans les œuvres de Der Blaue Reiter. Comme on le voit dans le tableau ci-dessus, il existe une distinction claire entre les applications de couleur entre les différents membres d'un même groupe. Fauvisme a des liens avec le groupe Der Blaue Reiter notamment avec Gabriele Münter et Alexej Von Jawlensky. Semblable à un livre de coloriage, ils placeraient la couleur dans des lignes épaisses et sombres afin de créer un contraste et une dimension. Les portraits de Jawlensky démontrent ce lien entre la couleur et l'émotion. Il s'est concentré principalement sur les têtes de personnages plutôt que sur les portraits de corps entiers. Il a utilisé des couleurs vives brutes afin de montrer comment la couleur peut devenir l'essence de son être.

Dame dans un parc par August Macke , 1914, MoMA, New York (à gauche) ; avec La mantille bleue par Alexei Von Jawlensky , 1913, via le Musée d'Israël, Jérusalem (à droite)

Une autre inspiration est venue des travaux de Robert Delaunay et Orphisme , qui inspirera August Macke et Franz Marc. Ils ont été frappés par l'utilisation de la couleur par Delaunay où elle est fracturée en fragments de couleur. Le rythme joue un rôle énorme à cet égard, car Delaunay croyait que les couleurs se déplaçaient devant sa vision tout autant que le monde naturel. Cela a incité Macke à peindre des formes découpées en sections avec des formes angulaires très distinctes. Ses sujets incluent des femmes dans les grands magasins, se promenant dans les parcs, ou des groupes de femmes en activité auxquels il applique cette technique. Comparé à Alexej Von Jawlensky, Macke utilise des formes très distinctes qui sont presque cubistes tandis que Jawlensky utilise librement des coups de pinceau plus expressifs.

La couleur a repoussé les limites de expressionnisme car les artistes l'utilisaient pour afficher les sentiments spirituels les plus profonds qu'ils ressentaient en peignant. L'usage des couleurs devient plus libre et moins soumis à la monotonie du réel. Il a repoussé les limites extérieures de ce qui était considéré comme approprié pour la peinture traditionnelle. La couleur a également joué une importance majeure pour Kandinsky qui l'utilisait en conjonction avec l'expression d'émotions par le son.

La couleur de la musique

Impression III (Concert) de Vassily Kandinsky , 1911, via le musée Lenbachhaus, Munich

La musique et son lien avec la couleur jouent un rôle clé dans les peintures abstraites de Wassily Kandinsky. La synesthésie, la capacité d'entendre, de goûter ou de sentir la couleur, est un concept qui a amené Kandinsky à utiliser la couleur comme représentation des sens physiques. Chaque couleur représentait également différentes sections d'un orchestre et, ensemble, ces combinaisons de couleurs créent une symphonie de couleurs. Cela a également eu un impact sur l'artiste Paul Klee et son développement dans l'art abstrait. La musique a également été une grande source d'inspiration pour lui car lui et Kandinsky ont étudié la musique dans leur jeunesse.

Couleurs basées sur Kandinsky avec des émotions spécifiques et même des instruments. Ses peintures sont des symphonies de couleurs, chaque couleur suscitant une réponse émotionnelle différente. Le jaune est une couleur terrestre, et plus le jaune est brillant, plus il favorise les sentiments chaotiques et stridents. Le bleu est apaisant et paradisiaque, ce qui aide à tempérer les jaunes. Les rouges sont puissants et dynamiques qui symbolisent les tambours profonds ou le crescendo des trompettes. Le vert est la couleur la plus calme, reflétant les tons doux d'un violon. Les violettes sont mélancoliques et ressemblent à la musique triste des cors ou des cornemuses. Enfin, le noir représente la finale d'une pièce musicale tandis que, au contraire, le blanc correspond au moment où tous les autres sons deviennent muets.

Bien que ses peintures puissent sembler spontanées et donner l'impression que Kandinsky les a achevées sur place, c'est en fait faux. Tout comme un compositeur arrangeant des notes sur une partition musicale, Kandinsky peint comme si les notes étaient de la peinture et la toile une partition. Chaque placement de couleur était intentionnel et il lui fallait parfois des années pour terminer ces types de peintures musicales.

Les femmes du cavalier bleu

Autoportrait (Autoportrait) de Marianne Von Werefkin , 1910, via Lenbachhaus Museum, Munich (à gauche) ; avec Autoportrait par Gabriele Munter , 1908, Musée national Thyssen-Bornemisza, Madrid (à droite)

Au sein de Der Blaue Reiter, il y avait des artistes féminines dont Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova et Clotilde von Derp. Werefkin et Münter ont tous deux joué des rôles critiques concernant le style et les progrès qu'ils ont apportés aux artistes expressionnistes féminines. Ces deux artistes étaient associés avec d'autres membres du groupe : Werefkin avec Jawlensky et Münter avec Kandinsky à cette époque. Werefkin retarderait même sa propre carrière et défendrait Jawlensky en tant qu'artiste, créant même une exposition pour lui. Elles étaient des femmes au sein d'un groupe d'hommes et elles ont subi les limites d'être des femmes. Cependant, elles sont toujours capables de produire des œuvres qui ouvrent la voie à de futures femmes artistes expressionnistes.

Jawlensky et Werefkin par Gabriele Munter , 1908/09, via le musée Lenbachhaus, Munich

Le travail de Gabriele Münter se caractérise par son utilisation de couleurs vives et la délimitation de ses sujets avec des lignes noires et épaisses. Ses peintures ont une perspective compacte qui s'enregistre comme plate pour le spectateur. Elle se concentre sur la composition des couleurs de ses sujets en les remplissant de couleurs vibrantes similaires aux fauvistes français. Qu'il s'agisse de portraits ou de paysages, les œuvres de Münter ont des formes simplistes qui reflètent son inspiration de l'art populaire traditionnel de Bavière et même des peintures pour enfants. Elle n'est jamais devenue complètement abstraite comme Wassily Kandinsky, mais a plutôt créé un art figuratif qui ressemblait toujours à la réalité. Cette évolution vers une apparence simple et enfantine est représentative de la volonté du groupe de revenir à une création artistique primitive. Elle a également créé des natures mortes avec des images d'artefacts bavarois traditionnels ou de l'iconographie religieuse.

les lavandières de Marianne Von Werefkin , 1909, via le musée Lenbachhaus, Munich

L'art de Marianne Von Werefkin se concentrerait sur les images des femmes et des pauvres dans ses œuvres. Son travail montre la différence dans la représentation des femmes au début du 19esiècle. Comparée à ses contemporaines, elle représente des femmes travaillant et courbées sur fond de flots de couleurs. Son utilisation de la couleur et des coups de pinceau expressifs étaient des influences d'Edvard Munch et de Vincent Van Gogh qui utilisaient également la couleur pour exprimer l'âme. Elle a utilisé une palette de couleurs plus sombres avec des tons plus profonds de rouges et de noirs, en particulier pour les vêtements des femmes. Werefkin présente les femmes qui étaient ouvrières et sur le marché du travail pendant la montée de l'industrialisme. Ses peintures combinaient les dures réalités des femmes de son époque avec la splendeur surnaturelle de ses paysages.

Seul membre américain de Der Blaue Reiter

Nature morte III par Albert Bloch , 1914, via Des Moines Art Center

Albert Bloch est un peintre américain qui s'est installé en Allemagne en 1909. Il a rejoint le groupe Der Blaue Reiter en 1911 après que Wassily Kandinsky et Franz Marc aient visité l'atelier de Bloch. Il était le seul artiste américain à avoir rejoint le groupe. Pendant son séjour en Allemagne, il a développé son propre style tout comme le reste des membres. Il a fréquemment utilisé des images d'arlequins dansants, de clowns jouant d'instruments ainsi que de pierrots. C'était l'interprétation de Bloch de la façon dont on pouvait voir la musique sous une forme d'art visuel. Comparé aux autres membres du groupe, Bloch n'est pas aussi largement connu ou reconnu pour son travail dans l'art moderne. Il a finalement déménagé au Kansas où il a enseigné à l'Université du Kansas jusqu'à sa retraite.

La peinture ci-dessus est un exemple du travail de Bloch et de son lien avec Der Blaue Reiter. Le sien Nature morte III n'a pas de premier plan ou d'arrière-plan visible et à la place Bloch représente des objets flottant apparemment dans les airs. Ils représentent le mélange des frontières entre les mondes spirituel et physique. Les bananes et autres fruits semblent être enfermés dans leurs propres auras donnant vie à des objets apparemment inanimés. Ses lignes sont très fluides et ondulées ce qui penche également vers une représentation plus spirituelle d'une nature morte. Il a toujours conservé le style et la philosophie de Der Blaue Reiter même après sa fin ultime.

La fin du cavalier bleu

Kornfeld bei Carantec (Champ de maïs à Carantec) par Alexei Von Jawlensky , 1905, via Albertina Museum, Vienne

Le début de la Première Guerre mondiale fut effectivement la fin du groupe. La guerre a englouti l'Europe et les membres de Der Blaue Reiter. Les membres russes du groupe, dont Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky et Marianne Von Werefkin, ont été renvoyés en Russie en raison de leur nationalité. Franz Marc et August Macke ont tous deux été enrôlés dans l'armée allemande où, malheureusement, ils ont tous deux été tués.

Par la suite, Jawlensky s'installe en Suisse et en 1924, il crée le groupe Die Blaue Vier (The Blue Four) qui comprend Paul Klee, Lyonel Feininger et Kandinsky. Bloch est retourné aux États-Unis à la fin de la Première Guerre mondiale où il a commencé une carrière dans l'enseignement. La plupart des œuvres qu'il a créées en Europe ont été détruites lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale. Il n'a ramené que quelques-unes de ses peintures Europea. Ils ne sont maintenant montrés que dans ses propres archives personnelles, qui comprennent des photographies des peintures perdues.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'art moderne est devenu une cible du régime nazi dans les années 1930-40 où il a été considéré comme dégénéré et considéré comme une offense au régime. Münter a continué à créer de l'art moderne pendant cette période, même si elle a dû faire face à des réactions négatives et à des restrictions. Alors que les nazis essayaient de confisquer les œuvres d'art, elle cachait ses peintures ainsi que celles de Kandinsky et de ses autres collègues membres de Der Blaue Rider dans sa propre maison à Murnau. Pendant le régime nazi, Jawlensky, Klee et d'autres membres de l'art du groupe ont été pris et placés dans l'exposition Art dégénéré en 1937.