Prestige, popularité et progrès : une histoire du Salon de Paris

Détails du Roi Charles X Distribuant des Récompenses aux Artistes à la Fin du Salon de 1824, dans le Grand Salon du Louvre par François-Joseph Heim, 1827 ; et Exposition au Salon du Louvre en 1787 (L'exposition au Salon du Louvre en 1787) de Pietro Antonio Martini d'après Johann Heinrich Ramberg, 1787

L'art a le pouvoir de façonner le monde, mais souvent une œuvre peut ne pas atteindre son public cible. Un chef-d'œuvre doit être vu, lu ou entendu pour laisser un impact. Ainsi, lorsqu'ils abordent la vie de grands peintres, sculpteurs ou architectes, leurs mécènes reçoivent souvent autant d'attention que les artistes eux-mêmes.

Cependant, la structure du mécénat et de la diffusion de l'art reste souvent floue. Les Expositions universelles et divers Salons sont souvent perçus comme des événements où des œuvres d'art sont mises en valeur alors qu'en réalité, ils sont bien plus que de simples milieux de divertissement. Ce sont des points de rencontre entre le public et les artistes. Ils écrivent l'histoire et dictent les tendances, construisent et brisent les carrières et, surtout, facilitent le réseautage.

L'histoire du Salon de Paris est l'un des plus célèbres de ces contes. Elle a fait émerger plusieurs noms brillants et a changé la façon dont la société contemporaine perçoit l'art et sa diffusion. L'histoire du Salon de Paris explique comment l'art est devenu accessible à tous.

La naissance du Salon de Paris : une histoire de connexions

Exposition au Salon du Louvre en 1787 Pietro Antonio Martini d'après Johann Heinrich Ramberg, 1787, via le Metropolitan Museum of Art, New York

L'accessibilité de l'art est intimement liée au réseautage. Sans les connexions nécessaires du côté de l'artiste, une peinture ou une sculpture ne peut tout simplement pas atteindre un public. Les relations personnelles peuvent devenir un capital social précieux qui définit les carrières. En matière d'art, ces liens se font souvent avec les commissaires et mécènes qui déterminent les courants artistiques les plus en vogue et choisissent les artistes à dynamiser. Par exemple, l'abondance de motifs religieux dans la peinture occidentale peut être considérée comme le résultat de la richesse de l'Église catholique et de sa volonté de promouvoir son message à travers le monde. De même, la plupart des musées doivent leur existence à des souverains puissants, qui rassemblaient et hébergeaient des œuvres d'art précieuses parce qu'ils avaient les moyens de l'acquérir et le besoin de maintenir leur prestige.

Vous appréciez cet article ?

Inscrivez-vous à notre newsletter hebdomadaire gratuiteRejoindre!Chargement...Rejoindre!Chargement...

Veuillez vérifier votre boîte de réception pour activer votre abonnement

Merci!

Au début, seuls quelques privilégiés pouvaient apprécier les œuvres d'art qui restaient cachées dans les collections et les palais puissants et influents. Cependant, un nouveau monde de connexions apparaît avec la montée des empires européens dans la seconde moitié du 17esiècle. A cette époque, la France prend toute sa splendeur et devient un phare de cette nouvelle ère du réseautage.

Vue du Salon du Louvre en l’année 1753 (La vue du salon du Louvre en l'an 1753) de Gabriel de Saint-Aubin, 1753, via The Metropolitan Museum of Art, New York

L'apparition de ce qu'on appellera plus tard le Paris Salon a coïncidé avec l'augmentation de l'alphabétisation et de la classe moyenne. Au début du XVIIe siècle, un Parisien non noble pouvait admirer des peintures et des sculptures dans les églises ou voir les contours des points forts architecturaux de la ville. Et pourtant, ces maigres bouchées de culture ne satisfaisaient plus leurs envies artistiques. Ainsi, une nouvelle entreprise prend forme, le Salon de Paris, soutenu par le prestigieux Académie royale de peinture et de sculpture (Académie royale de peinture et de sculpture).

L'Académie royale de peinture et de sculpture a été créée au milieu du XVIIe siècle. L'Académie est une idée originale du peintre royal Charles Le Brun, qui Louis XIV lui-même approuvé. Cette nouvelle entreprise visait à rechercher des talents en dehors du passé guilde système qui empêchait certains artisans d'atteindre le public. À partir de 1667, la monarchie française a soutenu des expositions périodiques d'œuvres créées par des membres de l'Académie. Organisées annuellement puis semestriellement, ces expositions sont connues sous le nom de 'Salons', surnommés d'après le musée du Louvre. Salon Carré , où ils ont eu lieu. Dès sa création, le Salon de Paris est devenu l'événement artistique le plus important du monde occidental. Initialement, les expositions étaient ouvertes exclusivement à ceux qui avaient de l'argent et du pouvoir. Plus tard, cependant, l'inclusion du Salon a augmenté.

Le Salon de Paris et la promotion de l'art

Le roi Charles X distribuant des récompenses aux artistes à la fin du Salon de 1824, dans le Grand Salon du Louvre by François-Joseph Heim, 1827, Musée du Louvre, Paris

Paradoxalement, l'exclusivité initiale des expositions a suscité un intérêt sans précédent pour l'événement. Au fur et à mesure que le Salon ouvre ses portes à de plus en plus de visiteurs, il devient petit à petit un événement de renom. En 1791, lorsque le parrainage du Salon passa des organismes royaux aux organismes gouvernementaux, la popularité de l'événement atteignit des niveaux sans précédent. Pas moins de 50 000 visiteurs assisteraient au Salon un seul dimanche, et un total de 500 000 visiteraient l'exposition pendant ses huit semaines. Quatre ans plus tard, en 1795, les inscriptions au Salon sont ouvertes à tous les artistes désireux d'y participer. Cependant, le jury du Salon (créé en 1748) privilégiait toujours les thèmes conservateurs et plus traditionnels; les compositions religieuses et mythologiques l'emportent presque toujours sur l'innovation.

Un Jour de Vernissage au Palais des Champs-Élysées (La journée d'ouverture au Palais des Champs-Élysées) de Jean-André Rixens, 1890, via Northwestern University, Evanston

Si les débuts du Salon ont cédé l'originalité et la créativité, son développement ultérieur a apporté quelque chose de différent : la promotion généralisée de l'art. Par exemple, en 1851, il y avait 65 pièces au total publiées au Salon de Paris. Cependant, en 1860, ce nombre se multiplie, atteignant jusqu'à 426 pièces. Cette augmentation montre que ce n'est pas seulement le Salon qui est devenu populaire, mais, peut-être, que le Salon a réussi à populariser l'art. La bourgeoisie comme la noblesse s'intéressaient de plus en plus à l'art, et le Salon était un endroit parfait pour s'en faire une idée. Le Salon a commencé avec l'idée d'exposer les «meilleures peintures», mais il s'est progressivement transformé en un terrain d'affaires où des peintures ont été vendues et des carrières ont été faites.

Le Salon déterminait souvent les salaires des artistes. Dans les années 1860, par exemple, un tableau pouvait valoir cinq fois plus s'il avait remporté un prix. Le peintre naturaliste français Jules Breton , par exemple, doit une partie de sa renommée à l'influence du Salon sur les tarifs de vente. Homme obsédé par la peinture de la campagne française et des rayons de soleil romantiques sur des champs idylliques, il obtient une médaille de seconde classe au Salon de 1857 pour son Bénédiction du Blé en Artois.

Ce triomphe a aidé Breton à bâtir sa réputation et à obtenir des commandes de l'Administration française de l'art et est devenu un tremplin vers une renommée internationale. En 1886, les travaux de Breton Les communiquant a été vendu au deuxième prix le plus élevé pour un tableau d'un artiste vivant lors d'une vente aux enchères à New York. Pour Breton, le Salon a certainement été une opportunité de carrière. Bien que ce soit la norme pour de nombreux artistes vedettes, ce n'était pas le cas pour tous les peintres.

Se rebeller contre le salon

Le Déjeuner sur l’herbe (Déjeuner sur l'herbe) d'Édouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Les goûts traditionnels sont généralement dictés par des personnes au pouvoir qui s'efforcent rarement d'innover et qui souhaitent préserver le statu quo. Ainsi, les visionnaires et les esprits non conventionnels sont souvent délégués aux marges de l'art et de la politique. Pourtant, dans certains cas, au lieu d'avaler la pilule amère du rejet, les artistes deviennent des révolutionnaires et construisent une opposition. Dans les années 1830, le Salon avait déjà poussé des ramifications exposant les œuvres de ceux qui, pour une raison ou une autre, ne se sont pas rendus au Salon officiel de Paris. La plus importante de ces salles d'exposition était la Salon des Refusés (Salon des Refusés) en 1863.

L'un des plus grands scandales du Salon des Refusés, qui assura sa triste réputation, est lié à Édouard Manet et son Déjeuner sur l'herbe . Il a été rejeté par le Jury du Salon de Paris et accroché à la place dans le Salon des Refusés . La peinture de Manet était considérée comme inappropriée non pas à cause de sa représentation d'une femme nue à côté d'hommes vêtus, mais à cause du regard provocateur de la dame. Il n'y a ni honte ni sérénité dans ses yeux. Au lieu de cela, elle semble presque ennuyée par le public qui la regarde.

Olympia d'Edouard Manet , 1863, via le musée d'Orsay, Paris

En 1863, de nombreux artistes se joignent à Manet pour offrir leurs œuvres au public à travers le Salon des Refusés parce qu'ils étaient mécontents de la sélection biaisée du Salon de Paris. Les artistes ont été soutenus par nul autre que Napoléon III , qui leur a permis d'exposer leur art et de laisser des étrangers au hasard les juger à la place du jury du Salon. Les peintres ont en effet conquis le grand public. Abbott Symphonie en blanc, n°1 a d'abord attiré l'attention au Salon des refusés avant de devenir une peinture de renommée internationale, un peu comme ce qui s'est passé avec Manet Déjeuner sur l'herbe. Le Salon des Refus ouvre ainsi la voie à la reconnaissance de l'art d'avant-garde et alimente la fascination déjà grandissante pour l'Impressionnisme.

Les impressionnistes appartenaient à l'un des premiers groupes éclatés et ont continué à organiser leurs propres expositions dans les années suivantes. Curieusement, Manet, qui s'est souvent plongé lui-même dans l'impressionnisme, a continué à exposer au Salon officiel. L'un de ses tableaux les plus célèbres, le nu controversé Olympie , se rendit au Salon de Paris de 1865. Alors que le Salon pouvait désapprouver l'approche novatrice des impressionnistes en matière de peinture et leur plein air façon de capturer la beauté vivante de la nature, le Jury n'a pas pu entraver l'ascension d'artistes comme Cézanne , Siffleur , et Pissarro , qui ont tous été initialement rejetés. En fait, leur réputation grandit en partie grâce aux réactions vicieuses des critiques du Salon. En 1874, les impressionnistes organisent et organisent leur première exposition présentant les œuvres rejetées par le Salon.

Changer le monde à travers l'art

Femme au Chapeau (Femme au chapeau) d'Henri Matisse, 1905, via SFMoMA, San Francisco

En 1881, le Académie française des beaux-arts cesse de parrainer le Salon de Paris et la Société des Artistes Français prend le relais. Le Salon traditionnel a rapidement gagné un concurrent plus important et mieux organisé que les expositions antérieures plus petites. En 1884, le Salon des Indépendants ( Salon de l'Indépendant ) a été créé, mettant en vedette des étoiles montantes aussi peu conventionnelles que Paul Signac et Georges Seurat . Contrairement à d'autres expositions, ce salon était sans jury et ne décernait pas de prix.

Bientôt, la nature bureaucratique du Salon officiel a conduit un autre groupe d'artistes à établir leurs propres expositions. La dite Salon d’Automne (Salon d'Automne) a eu lieu pour la première fois en 1903. Situé sur l'emblématique Champs-Elysées, ce salon subversif était dirigé par nul autre que Pierre-Auguste Renoir et Auguste Rodin . Ici, les artistes pouvaient se concentrer davantage sur leur travail que sur les critiques des critiques grand public. Henri Matisse, par exemple, a ignoré tout le contrecoup causé par le portrait de sa femme au chapeau géant. Il a refusé de retirer sa peinture de style fauve et de se joindre au reste des œuvres fauves dans une pièce. Cependant, malgré leur caractère scandaleux, ces Salons rebelles s'inspirent toujours du Salon officiel, essayant d'imiter son esprit initialement novateur.

Déjeuner de la Boating Party par Pierre-Auguste-Renoir, 1880-81, via la Collection Phillips

Les modes de sélection appliqués pour la première fois au Salon de Paris sont toujours présents dans les expositions d'aujourd'hui : un conseil de conseillers ou de professionnels sélectionne généralement une œuvre qui répond à des exigences thématiques ou innovantes et respecte le standard de qualité perçu. L'idée de curation organisée introduite par les élites françaises à la fin du 17esiècle était en effet novateur pour leur époque.

Le Salon a commencé à promouvoir l'art et diverses écoles d'art, ouvrant la voie à l'argent et à la construction de carrières. Par-dessus tout, le Salon a donné des opportunités à ceux qui étaient marginalisés. Une femme comme Pauline Auzou pourrait se construire une carrière réussie en raison de son acceptation au Salon. En 1806, elle reçoit une médaille de première classe au Salon pour sa peinture de Ancien Pickard . Le Salon a permis à Auzou d'obtenir ses contrats ultérieurs, dont un pour un portrait de Napoléon et de sa seconde épouse, Marie-Louise. Le Salon de Paris a changé le monde à travers l'art, et une fois devenu obsolète, d'autres entreprises ont poursuivi sa mission.

Le déclin du Salon de Paris

Vue du Grand Salon Carré du Louvre par Giuseppe Castiglione, 1861, via Musée du Louvre, Paris

Le Salon de Paris a non seulement fait émerger de nouveaux artistes, mais a également changé l'approche de l'art en tant que moyen d'expression accessible au public. La critique d'art a prospéré au sein du Salon, créant un espace où les opinions se sont affrontées et les discussions ont eu lieu. Il reflétait les changements sociétaux, les ajustements aux nouvelles circonstances, la germination des ramifications et devenait le miroir des tendances artistiques qui étaient soit bien accueillies, soit évitées. C'est l'accessibilité initiale du Salon qui a fait la carrière de nombreux peintres, dont le réaliste Gustave Courbet . Plus tard, Courbet rappellera que le Salon détient le monopole de l'art : un peintre a besoin d'exposer pour se faire un nom, or le Salon est le seul endroit où l'on peut le faire. Au fil du temps, cette situation a changé et ainsi la fortune du Salon de Paris.

Au début du XXe siècle, Daniel-Henry Kahnweiler , un marchand d'art influent qui a travaillé avec Picasso et Braque, dit ouvertement à ses artistes de ne pas se donner la peine d'exposer leurs œuvres au Salon car il ne pouvait plus les promouvoir de manière significative. Le Salon de Paris décline lentement. Cependant, son héritage perdure car il est toujours visible dans les schémas de sélection de nombreuses expositions contemporaines et toujours tangible dans de nombreuses œuvres d'art reconnaissables qui font désormais partie de cette histoire compliquée de connexions et de promotion de l'art.