Top 11 des chefs-d’œuvre du film noir à connaître

Film Noir tire son nom du mot français signifiant sombre ou noir film. Le nom a été donné aux films policiers américains particulièrement sombres et fatalistes des années 1940 et 1950. Si distinctif en fait que vous pouvez dire dès les cinq premières minutes que vous en voyez un. C'est en noir et blanc, bien sûr, et le décor est presque toujours une ville nocturne mettant en scène un homme seul sur le point de sombrer dans un tourbillon de crime, de transgression et de violence.

Les bases du film noir

Qui est ce protagoniste, cet outsider condamné ? Vous pouvez voir son histoire racontée dans des flashbacks, des événements passés signalés par sa narration en voix off (ou celle d'un autre personnage). Enfin et surtout, il y a une femme. Invariablement, cela femme est fatal au héros.

Maintenant, tous les Noirs ne correspondent pas à ce groove tordu, il existe des variantes d’intrigue, mais celle-ci est archétypale. Si archétypal qu'il a été reproduit dans de nombreux films néo-noirs modernes comme Chaleur corporelle (1984) avec Kathleen Turner jouant femme fatale à William Hurt comme sa proie crédule et libidinale. Des femmes aussi puissantes et sexualisées ont longtemps attiré l'attention des universitaires féministes du cinéma, car le noir est une rareté dans le vieux Hollywood dans la mesure où il dépeint de manière crue les femmes comme des agents indépendants qui vivent en dehors de la loi (à la fois légale et patriarcale) et utilisent leur sexualité comme un moyen sournois. signifie vers une fin. Le fait qu’ils soient généralement punis pour un tel comportement est également bien connu, mais là encore, presque tous les actes illicites des deux sexes ont été punis dans un Hollywood classique moralisateur et fortement censuré.

Le baptême du Film Noir est venu tardivement, non pas de Hollywood lui-même, mais des critiques français qui ont été les premiers à remarquer une vague unique de films policiers sombres, pessimistes et stylistiquement remarquables débarquant en Europe dans les années qui ont suivi. La Seconde Guerre mondiale . Un retour sur l’histoire culturelle nous apprend que le noir n’a pas disparu comme par magie dans les années 1940, mais qu’il a plutôt un enchevêtrement de racines. Il y avait bien sûr le film de gangsters populaire des années 1930. Ajoutez à cela le crime dur et la fiction policière américaine de Raymond Chandler, James M. Cain et Dashiell Hammett.

Plus loin, il y a les années 1920 Expressionnisme allemand , très influent non seulement pour ses images sombres et cauchemardesques, mais aussi pour les représentations de protagonistes masculins victimes de forces obscures qui échappaient à leur contrôle. Ce n’est pas un hasard si plusieurs des meilleurs films noirs américains ont été réalisés (et photographiés) par des émigrés allemands ou est-européens qui ont déménagé à l’Ouest avec la montée d’Hitler. Ils ont non seulement apporté avec eux leurs talents de cinéastes, mais aussi une vision sceptique et sardonique, tout à fait contraire à la mentalité utopique et d'évasion typique de Shirley Temple de Hollywood de la fin des années 1930.

Enfin, de manière quelque peu intangible, il y a eu la Seconde Guerre mondiale elle-même. En 1946, les États-Unis étaient bien différents de ce qu’ils étaient en 1940 – socialement, économiquement, politiquement, militairement, mais aussi psychologiquement. Bien sûr, les Américains ont souffert de la Dépression, qui a coûté des millions de blessures, mais la guerre était tout autre chose. Sur les 16 millions d'hommes et de femmes qui ont servi, il y a eu plus d'un million de victimes, dont 400 000 ou plus. Ceux qui sont revenus sur la ligne de front ont connu les horreurs et les atrocités de la guerre sans précédent dans l’histoire, de Pearl Harbor à Iwo Jima et Hiroshima, du jour J et d’Anzio à la « libération » des camps de concentration nazis.

Pour la plupart des GI de retour – et la plupart des Américains – le divertissement hollywoodien pourrait supporter une dose de réalisme, voire de cynisme. Pourtant, même si le pays était sorti triomphant et relativement indemne par rapport à ses alliés européens, avec une économie et une armée sans égal, de sombres nuages ​​se profilaient à l’horizon. Un obscur sénateur américain nommé McCarthy allait lancer sa désormais célèbre chasse aux sorcières communiste, déclenchant une décennie ou plus de listes noires paranoïaques d’un océan à l’autre, parallèlement à des enquêtes en première page menées par un comité de la Chambre sur des activités anti-américaines similaires. Ceux qui creusent plus profondément dans les complexités contextuelles de Noir peuvent voir une telle paranoïa cachée dans l'ombre - avec ses homologues, la trahison et la double croix - ainsi que des thèmes manifestement persistants qui contrastent dramatiquement avec l'environnement ensoleillé et domestiqué. bonne fille contre le sexy mauvaise fille sans maison ni mari, mais probablement une arme à feu.

À quel point le Noir classique devient-il sombre ? Qu'il s'agisse de voler une voiture blindée, de bousculer un mari idiot pour obtenir l'argent de l'assurance ou de faire fondre Malibu avec une arme nucléaire chauffée à blanc, le noir se promène du côté sauvage de la rue, éclairé par des néons sinistres, des cigarettes incandescentes et des fumées fumantes. passions. Voici 11 films noirs à connaître.

11. Double Indemnité

Double Indemnité (1944) a été réalisé par Billy Wilder. Le premier grand Noir dans toute sa splendeur haut de gamme, avec Barbara Stanwyck dans le rôle de la tentatrice tordue qui se connecte avec un vendeur d'assurances voyou de Los Angeles, joué par Fred MacMurray, pour faire tomber son mari pour l'argent de l'assurance. Aussi doublement superbes que soient les pistes, gardez les yeux et les oreilles ouverts pour Edward G. Robinson, mémorable en tant que collègue actuariel intelligent et figure paternelle abandonnée de MacMurray. Parsemé de doubles sens, le scénario de Wilder (co-écrit avec Raymond Chandler du roman de James Cain) a astucieusement échappé à la police de la censure.

10. Mildred Pierce

Mildred Pierce (1945) a été réalisé par Michael Curtiz. Il y a peu de Noirs dont les femmes sont les victimes, mais la diva hollywoodienne Joan Crawford a fait un retour oscarisé dans le rôle de Mildred, une femme au foyer de Los Angeles qui abandonne son mari impuissant et prépare une riche carrière solo de restauratrice. Cette deuxième adaptation de Caïn a néanmoins ses coins sombres avec Ann Blyth dans le rôle de Veda, la fille venimeuse et gâtée de l'enfer de Mildred.

9. Les tueurs

Les Tueurs (1946) a été réalisé par Robert Siodmak. Une fois la guerre terminée, Noir se précipite, mettant souvent au premier plan des hommes avec des épouses inconstantes – inscrits de manière suspecte dans des histoires vraies d'anciens combattants revenant vers des femmes qui étaient soit transformées, soit disparues. Dans une nouvelle d'Ernest Hemingway, Burt Lancaster a fait ses débuts à Hollywood dans le rôle du Suédois, un boxeur dont la chute est racontée dans des flashbacks provoqués par un enquêteur d'assurance. Les tueurs met également en lumière la percée saisissante d'Ava Gardner dans le rôle de Kitty chantante, sensuelle et peut-être mortelle.

8. Hors du passé

Hors du passé (1947) a été réalisé par Jacques Tourneur. Malgré toute la réputation d’Humphrey Bogart en tant que héros détective privé exemplaire, c’est Robert Mitchum, voûté et aux yeux endormis, qui correspondait parfaitement aux fatidiques détectives fabriqués sur commande pour ces histoires. Ici, il est engagé pour retrouver la moll en fuite (Jane Greer) d'un gangster (un des premiers rôles de Kirk Douglas). La cinématographie discrète en clair-obscur de Nicholas Musuraca est exceptionnelle, complétant celle de Tourneur. mise en scène (la combinaison expressive du décor et des décors) préfigurant le destin embrouillé de Mitchum.

7. La Dame de Shanghai

La Dame de Shanghai (1948) a été réalisé par Orson Welles . L'histoire raconte que lorsque le responsable des studios de Columbia, Harry Cohn, a vu que sa glamour pin-up star Rita Hayworth avait les cheveux coupés et teints en blond platine pour cette photo, Cohn l'a mise de côté pendant deux ans. Comme trop d’autres films de Welles, Shanghai a été brutalement coupé par le studio, expliquant sa qualité saccadée. Néanmoins, il s'agit d'un chef-d'œuvre fracturé, l'histoire d'un marin irlandais (Welles) qui est entraîné dans un plan maritime louche élaboré par un magnat estropié (Everett Sloane), son partenaire effrayant (Glenn Anders) et une sirène de classe Ulysse ( Hayworth).

6. Le troisième homme

Il était probable que l’éminent réalisateur britannique Carol Reed ait eu l’aide de l’aide pour traduire à l’écran le thriller d’après-guerre de Graham Greene – et de nul autre qu’Orson Welles, remplissant son rôle de camée en tant que marchand noir illusoire, Harry Lime. Dans Vienne, sous contrôle allié, Lime est découvert (ou vice versa) par son vieil ami (Joseph Cotten), qui doit être convaincu par un officier britannique honnête (Trevor Howard) qu'Harry n'est pas seulement un Américain laid, mais un homme avec du sang sur ses mains. La poursuite culminante de Reed dans les égouts de Vienne est l’une des scènes emblématiques du noir, tandis que la musique de cithare distinctive d’Anton Karas a fait écho dans le monde entier tout au long des années 1950.

5. Boulevard du Coucher du Soleil

Sunset Boulevard (1950) a été réalisé par Billy Wilder. Je suis grande, ce sont les photos qui sont devenues petites ! insiste la star recluse du cinéma muet Norma Desmond (Gloria Swanson) dans le deuxième panthéon noir de Wilder. S'ouvrant sur un flashback ingénieux raconté par le scénariste fauché devenu gigolo de Norma (William Holden), ce Boulevard des rêves brisés a immortalisé Miss Desmond non seulement dans son gros plan de clôture, mais aussi dans la comédie musicale à succès d'Andrew Lloyd Webber qui a marqué l'aube de 40 ans. plus tard avec Glenn Close.

4. Fou d'armes

Gun Crazy (1950) a été réalisé par Joseph H. Lewis en 1950. Ce fut une année charnière pour les noirs stellaires, y compris ce film indépendant à petit budget qui brille avec certaines des cinématographies de tournage les plus inventives d'Hollywood d'après-guerre. Dans une performance exceptionnelle en tant que side-show d'Annie Oakley, l'actrice britannique Peggy Cummins rencontre son adversaire lorsqu'elle rencontre John Dall, et ensemble, ils bougent comme Bonnie et Clyde à travers un Far West. Les censeurs hollywoodiens ont forcé Lewis à ajouter des scènes de contrition du duo, si artificielles qu'on se demande s'il tirait intentionnellement pour rater.

3. La nuit et la ville

La nuit et la ville (1950) a été réalisé par Jules Dassin. Le film suit Harry Fabian (Richard Widmark), un arnaqueur et un escroc qui exerce son métier dans le monde souterrain noir nocturne de Londres. Réfugié de la sombre liste noire d’Hollywood, Dassin n’a jamais été plus cinématographique – ni plus résonnant socialement – ​​que dans son étude de l’ascension crasseuse, dévorante et effrénée d’Harry jusqu’au sommet du racket de lutte de la pègre. Joué avec un panache survolté par Widmark, Harry croise tout le monde, même la femme et le divin Gene Tierney.

2. Embrasse-moi mortellement

Embrasse-moi mortellement (1955), réalisé par Robert Aldrich. Souviens-toi de moi – c’est ce que dit énigmatiquement un auto-stoppeur à moitié fou (Cloris Leachman) au shamus de Los Angeles Mike Hammer (Ralph Meeker) dans la version inoubliable d’Aldrich du pulp fiction Mickey Spillane de 1953. Bien que le sadique et écrasant Hammer soit le héros nominal, il est sonné à chaque détour aveugle, notamment par les femmes témoins de sa marche de mâle alpha pour trouver le Super quoi .

1. Touche du mal

D'abord signé uniquement pour jouer dans ce film noir épouvantable, Orson Welles a obtenu le poste de réalisateur à la demande du demi-dieu hollywoodien (alors politiquement libéral) Charlton Heston. Dans une séquence moustachu, Heston incarne un grand patron du gouvernement mexicain qui se promène dans une ville frontalière américaine avec sa femme anglo (Janet Leigh) et entre dans une confrontation avec le shérif reptilien de la ville (Welles). Le film est ponctué de plusieurs touches d’éclat cinématographique, comme la célèbre longue séquence d’ouverture de l’intro jazzy d’Henry Mancini.