12 œuvres incontournables au musée d'art moderne

Le Museum of Modern Art (MoMA) de New York abrite peut-être la collection d'art moderne et contemporain la plus complète et la plus importante au monde. Au total, le Museum of Modern Art possède près de 200 000 œuvres d'art individuelles, dont le nombre augmente chaque année. Bien que seule une petite fraction d'entre elles soient exposées à un moment donné, il y a toujours bien plus de 1 000 œuvres d'art merveilleuses et célèbres exposées au Musée d'art moderne. Tout voir en un seul voyage est une tâche ardue. Pour vous aider, voici une liste de 12 œuvres d'art, actuellement exposées, que vous devriez vous assurer de voir au Musée d'art moderne.

1. Un homme noble et héroïque (1950-51), par Barnet Newman

Un homme noble et héroïque par Barnett Newman , 1950-51, via le Museum of Modern Art, New York

Barnet Newman s Un homme noble et héroïque compte parmi ses œuvres les plus célèbres. La peinture est massive, mesurant près de 8 pieds de haut et plus de 17 pieds de long. Debout devant le tableau, on est enveloppé par la sublime pondération existentielle de Newman. La profondeur des peintures de Newman ne peut être appréciée de cette manière qu'en les regardant en personne. Même au milieu du tumulte incessant d'un lieu comme le Musée d'Art Moderne, un silence retentissant se retrouve dans cette peinture extrêmement immobile ; Un homme noble et héroïque a une gravité qui lui est propre.

deux. L'échelle de Jacob (1951), par Hélène Frankenthaler

L'échelle de Jacob par Helen Frankenthaler , 1957, via le Museum of Modern Art, New York

Un des Helen Frankenthaler premières peintures, L'échelle de Jacob a été fait avec de l'huile plutôt qu'avec de la peinture acrylique. Réalisée à l'aide de sa technique de teinture par trempage, où une peinture diluée est appliquée sur une toile non apprêtée, cette peinture à l'huile de Frankenthaler n'est pas archivistique, ce qui signifie qu'elle montre déjà des signes de décomposition. Pouvoir se tenir devant l'une de ces œuvres est une expérience particulière, non seulement pour la beauté imagée de l'œuvre, mais parce que la pièce est visiblement en train de s'effondrer. Sachant cela, on se sent tout à fait présent avec ces peintures. Il y a de la tristesse, dans un certain sens, mais aussi de la familiarité. Il y a une humanité particulière dans ces œuvres en raison de l'échelle de temps sur laquelle elles existent.

3. Sans titre, (1964), par Kazuo Shiraga

Sans titre par Kazuo Shiraga , 1964, via le Museum of Modern Art, New York

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Ce tableau est un ajout relativement récent à la collection du Musée d'art moderne, ayant été acquis en 2019. Pourtant, il s'agit de l'une des plus belles œuvres d'abstraction du milieu du siècle dans tout le musée. Cette pièce est un exemple de Kazuo Shiraga , où il posait une toile sur le sol, empilait de la peinture dessus, puis utilisait ses pieds pour l'étaler sur la surface, se suspendant souvent à une corde pour se positionner et obtenir une variété de marques. Avec ce procédé non conventionnel, Shiraga a réussi des œuvres élégantes d'abstraction comme celle-ci. Cette peinture est confiante, étant en grande partie composée de deux plans de couleur rouges audacieux. En même temps, il est subtil, car une inspection plus approfondie révèle la variation et la densité de la couleur et de la marque dans ce mouvement central.

Quatre. Les masques face à la mort (1888), de James Ensor

Les masques face à la mort de James Ensor , 1888, via le Museum of Modern Art, New York

Rencontrer Jacques Ensor , célèbre peintre belge. Dans cette pièce du Museum of Modern Art, la figure de la mort regarde le spectateur, tandis qu'un groupe de personnages masqués de manière caricaturale se presse. Les masques face à la mort a été peint en 1888, durant les premières années de la transformation artistique d'Ensor. Du début de sa carrière d'artiste à la fin des années 1870 jusqu'au milieu des années 1880, Ensor a travaillé de manière beaucoup plus sobre et traditionnelle. À la fin des années 1880, il a commencé à produire des œuvres comme celle-ci, mettant en vedette des personnages bizarres et masqués rendus dans des couleurs vives et saturées. Bien que l'œuvre d'Ensor de cette époque préfigure à certains égards l'expressionnisme, son propre style est trop singulier pour être pleinement associé à un mouvement. L'œuvre mature d'Ensor, caractérisée par le grotesque, l'humour et la morbidité, est unique, merveilleuse et doit être recherchée à chaque occasion.

5. Tenture (1927), par Anni Albers

Tenture par Anni Albers , 1927 (tissé en 1964), via The Museum of Modern Art, New York

Cette pièce textile a été tissée pour correspondre à un design réalisé par Anni Albers en 1927. Bien que la conception originale soit également dans la collection du Musée d'art moderne, rien ne se compare à voir la vision d'Albers véritablement réalisée sous la forme d'une tenture murale finie. Bien que les éléments du motif soient simples, Albers les arrange avec une complexité et un intérêt sans fin.

6. Peinture (1946), de Francis Bacon

Peinture par Francis Bacon , 1946, via le Museum of Modern Art, New York

Peut-êtrede Francis Baconl'œuvre d'art la plus célèbre et l'un des points forts de la collection du Musée d'art moderne, Peinture démontre une maîtrise de l'espace peint. Bacon rassemble plusieurs références en un tout indissociable ; la carcasse d'une vache est suspendue comme crucifiée au-dessus d'une figure à demi-tête, qui semble fusionner à la fois vers les coins sombres de l'espace et vers l'avant, dans une forme animale indéfinie. Peinture est une œuvre d'une densité impossible. Plus on regarde, une série sans fin de notions horribles semble émerger de l'intérieur.

sept. Coccinelle (1957), de Joan Mitchell

Coccinelle par Joan Mitchell , 1957, via le Museum of Modern Art, New York

Joan Mitchell était un éminent expressionniste abstrait de deuxième génération. Ce qui la distingue, elle et ses contemporains, des premiers peintres expressionnistes abstraits, c'est une approche plus studieuse ; les coups de pinceau vigoureux et les gouttes de peinture sont appliqués de manière stratégique. En effet, la pratique de la peinture de Mitchell n'était pas intuitive ou réactive comme on pourrait le supposer. Au lieu de cela, elle utilise les signes visuels et le langage de l'expressionnisme abstrait pour créer des compositions plus complexes et plus esthétiques.

Coccinelle démontre l'aptitude de Mitchell avec la peinture, mettant en vedette une grande variété de techniques et d'applications du matériau. En voyant ce travail en personne, la complexité de la pièce est mise en évidence; les couches de peinture à différentes viscosités créent de beaux moments de texture et de couleur lumineuse. Comparez la touche de Mitchell aux célèbres œuvres d'art de la première génération d'expressionnistes abstraits du Museum of Modern Art, de peintres comme Jackson Pollock et Willem de Kooning, et l'équilibre de ses compositions sera évident

8. Égal (2015), de Richard Serra

Égal par Richard Serra , 2015, via le Museum of Modern Art, New York

Richard Serre La sculpture massive de peut sembler à première vue dominer son espace environnant au Musée d'art moderne. Avec le temps, cependant, Égal développe une présence plus calme. Bien que les blocs ne soient pas disposés symétriquement, ils sont, comme le titre l'indique, de taille égale, et au fur et à mesure que l'on passe du temps avec l'œuvre, cette égalité se fait de plus en plus sentir. La sculpture, son espace et son public s'installent tous vers un équilibre inévitable.

9. femme avec enfant mort (1903), de Käthe Kollwitz

femme avec enfant mort par Kathe Kollwitz , 1903, via le Museum of Modern Art, New York

Cette belle gravure de Kathe Kollwitz capture un moment de chagrin inimaginable, alors qu'une mère saisit le corps sans vie de son fils. Kollwitz est souvent associé à Expressionnisme allemand , même si son travail se démarque des autres dans le mouvement par son dessin précis et dense. Ici, Kollwitz modélise finement le visage de l'enfant mort pour souligner son immobilité froide, en contraste avec le dessin plus lâche et expressif du corps de la mère alors qu'elle est submergée par l'angoisse.

10. Femme I (1950-52), de Willem de Kooning

Femme je par Willem de Kooning , 1950-52, via le Museum of Modern Art, New York

Au milieu du XXe siècle, les travaux de Willem de Kooning représenté une voie vers l'avant pour l'art figuratif à la hauteur de l'abstraction. Dans la peinture de De Kooning, la figuration et l'abstraction sont équilibrées et mélangées avec des résultats merveilleux. De Kooning a déclaré que la figure n'est rien à moins que vous ne la tordiez comme un étrange miracle. Aucune œuvre ne décrit mieux cette tension entre figuration et abstraction que Femme je , l'une des œuvres les plus célèbres de de Kooning. La figure surgit violemment, d'un fond de couleur striée et brillante qui ne s'affaisse jamais. L'existence de la figure est un problème épineux, car la femme titulaire semble à la fois être construite, ou sortir de l'abstraction bruyante, et être consommée par elle. Cette œuvre est l'une des plus marquantes de la collection du Museum of Modern Art, exprimant les enjeux centraux du modernisme.

Onze. Rue Dresde (1908), d'Ernest Ludwig Kirchner

Rue, Dresde par Ernest Ludwig Kirchner , 1908, via le Museum of Modern Art, New York

Dans ce célèbre exemple de l'expressionnisme allemand, Ernst Ludwig Kirchner a rendu visible les angoisses latentes de la ville moderne. Les foules qui peuplent Rue Dresde apparaissent à la fois comme une masse indifférenciée et intensément séparées les unes des autres. Toutes les figures ont leur personnalité évaporée dans le style de peinture dur de Kirchner, devenant des tableaux de couleurs discordants et qui se chevauchent. Cependant, ces sujets semblent, eux aussi, s'ignorer absolument les uns les autres. La scène n'a aucune action, aucun récit, rien à saisir ou à se reconnaître. Les visages que l'on peut voir parmi la foule sont vides, peut-être vaguement moqueurs. Capturé si brillamment dans cette peinture est le sens résolument moderne de l'aliénation de masse.

12. Le Palais à 4 heures du matin (1932), Alberto Giacometti

Le Palais à 4h du matin par Alberto Giacometti , 1932, via le Museum of Modern Art, New York

Cette sculpture est un exemple de Alberto Giacometti Les premiers travaux de tendance surréaliste. Selon Giacometti, cette œuvre a été réalisée précisément telle qu'il avait pu la visualiser dans son esprit. Cette proximité avec son imaginaire a donné naissance à une pièce qui semble ne pas appartenir à notre monde et qui peine à se maintenir. La structure est si légère et vide qu'elle semble prête à s'effondrer. Par rapport aux autres sculptures de Giacometti, en particulier son travail de maturité (fondé sur le surmenage des matériaux), Le Palais à 4h du matin se sent presque uniquement silencieux et précis. Tout de même, il capture le sentiment de fragilité existentielle qui imprègne une si grande partie du travail de Giacometti.