5 artistes noirs contemporains que vous devriez connaître

Le président Barack Obama par Kehinde Wiley , 2018, via la National Portrait Gallery, Washington, D.C. (à gauche) ; avec Plage de goudron #2 par Faith Ringgold , 1990-92, via National Building Museum, Washington, D.C. (à droite)

Art contemporain consiste à confronter le canon, à représenter un large éventail d'expériences et d'idées, à utiliser de nouveaux types de médias et à bouleverser le monde de l'art tel que nous le connaissons. Il reflète également la société moderne, offrant aux spectateurs une chance de se regarder et de regarder le monde dans lequel ils vivent. L'art contemporain se nourrit de la diversité, du dialogue ouvert et de l'engagement du public pour réussir en tant que mouvement qui défie le discours moderne.

Artistes noirs et art contemporain

Les artistes noirs d'Amérique ont révolutionné la scène artistique contemporaine en entrant et en redéfinissant les espaces qui les ont trop longtemps exclus. Aujourd'hui, certains de ces artistes confrontent activement des sujets historiques, d'autres représentent leur ici et maintenant, et la plupart ont surmonté les barrières de l'industrie auxquelles les artistes blancs ne sont pas confrontés. Certains sont des peintres de formation académique, d'autres sont attirés par des formes d'art non occidentales, et d'autres encore défient toute catégorisation.

D'un fabricant de courtepointes à un sculpteur néon, ce ne sont que cinq des innombrables artistes noirs en Amérique dont le travail met en valeur l'influence et la diversité de l'art contemporain noir.

1. Kehinde Wiley : artiste contemporain inspiré des maîtres anciens

Napoléon à la tête de l'armée au-dessus des Alpes par Kehinde Wiley , 2005, via le Brooklyn Museum

Le plus célèbre pour avoir été chargé de peindre le portrait officiel du président Barack Obama , Kehinde Wiley est un peintre basé à New York dont les œuvres combinent l'esthétique et les techniques de l'histoire de l'art occidental traditionnel avec l'expérience vécue des hommes noirs dans l'Amérique du XXIe siècle. Son travail représente des modèles noirs qu'il rencontre dans la ville et intègre des influences que le visiteur moyen du musée pourrait reconnaître, telles que les motifs textiles organiques de William Morris. Mouvement des arts et métiers ou les portraits équestres héroïques de Néoclassiques Comme Jacques-Louis David .

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En fait, Wiley's 2005 Napoléon à la tête de l'armée au-dessus des Alpes est une référence directe à la peinture emblématique de David Napoléon franchissant les Alpes au Grand-Saint-Bernard (1800-01). De ce genre de portrait, dit Wiley, Il demande : « Que font ces types ? » Ils prennent la pose des maîtres coloniaux, les anciens patrons de l'Ancien Monde. Wiley utilise une iconographie familière pour imprégner ses sujets noirs contemporains du même pouvoir et de l'héroïsme longtemps accordés aux sujets blancs dans les murs des institutions occidentales. Surtout, il est capable de le faire sans effacer les identités culturelles de ses sujets.

La peinture parle du monde dans lequel nous vivons, dit Wiley. Les hommes noirs vivent dans le monde. Mon choix est de les inclure.

2. Kara Walker : noirceur et silhouettes

Insurrection! (Nos outils étaient rudimentaires, mais nous avons continué) par Kara Walker , 2000,par le musée Solomon R. Guggenheim, New York

Grandir en tant qu'artiste noir à l'ombre de Stone Mountain en Géorgie, un monument imposant de la Confédération, signifiait que Kara Walker était jeune quand elle a découvert à quel point le passé et le présent sont profondément entrelacés, en particulier en ce qui concerne les racines profondes du racisme et de la violence aux États-Unis. misogynie .

Le médium de prédilection de Walker est les silhouettes en papier découpé, souvent installées dans des cycloramas à grande échelle. Je traçais des contours de profils et je pensais à la physionomie, aux sciences racistes, au ménestrel, à l'ombre et au côté obscur de l'âme, a déclaré Walker. J'ai pensé, j'ai du papier noir ici.

silhouettes et cycloramas ont tous deux été popularisés au 19esiècle. En utilisant des médias à l'ancienne, Walker explore le lien entre les horreurs historiques et les crises contemporaines. Cet effet est encore accentué par l'utilisation par Walker d'un projecteur de salle de classe traditionnel pour incorporer l'ombre du spectateur dans la scène. alors peut-être qu'ils seraient impliqués.

Pour Walker, raconter des histoires ne consiste pas seulement à relayer des faits et des événements du début à la fin, comme le ferait un manuel. Son installation cyclorama 2000 Insurrection! (Nos outils étaient rudimentaires, mais nous avons continué) est aussi envoûtant que théâtral. Il utilise des silhouettes caricaturales et des projections lumineuses colorées pour explorer l'esclavage et ses implications violentes et persistantes dans la société américaine.

Il y a trop de choses là-dedans, a déclaré Walker en réponse à la censure de son travail, Tout mon travail me prend au dépourvu. Walker a fait l'objet de controverses depuis les années 1990, y compris des critiques d'autres artistes noirs en raison de son utilisation d'images dérangeantes et de stéréotypes raciaux. On pourrait aussi avancer que provoquer une forte réaction chez le spectateur, même négative, fait d'elle une artiste résolument contemporaine.

3. Faith Ringgold : Histoire de la courtepointe

Qui a peur de tante Jemima ? par Faith Ringgold , 1983, via Studio Art Quilt Associates

Né à Harlem à l'apogée de la la renaissance d'Harlem , un mouvement qui a célébré les artistes et la culture noirs, Faith Ringgold est une auteure de livres pour enfants et une artiste contemporaine récompensée par Caldecott. Elle est surtout connue pour ses courtepointes détaillées qui réinventent les représentations des Noirs en Amérique.

La courtepointe de Ringgold est née d'une combinaison de nécessité et d'ingéniosité. J'essayais de faire publier mon autobiographie , mais personne ne voulait imprimer mon histoire, dit-elle. J'ai commencé à écrire mes histoires sur mes couettes comme alternative. Aujourd'hui, les courtepointes de Ringgold sont à la fois publiées dans des livres et appréciées par les visiteurs du musée.

Se tourner vers la courtepointe comme médium a également donné à Ringgold la chance de se séparer de la hiérarchie de l'art occidental, qui a traditionnellement prisé la peinture et la sculpture académiques et exclu les traditions des artistes noirs. Cette subversion était particulièrement pertinente pour la première courtepointe de Ringgold, Qui a peur de tante Jemima (1983), qui détourne le sujet de Tante Jemima, un stéréotype légendaire qui continue de faire les gros titres en 2020 . La représentation de Ringgold transforme tante Jemima d'un stéréotype de l'époque de l'esclavage utilisé pour vendre des crêpes en une entrepreneure dynamique avec sa propre histoire à raconter. L'ajout de texte à la courtepointe a élargi l'histoire, rendu le support unique à Ringgold et pris un an pour le fabriquer à la main.

4. Nick Cave : sculptures textiles portables

Combinaison sonore par Nick Cave , 2009, via le Smithsonian American Art Museum, Washington, DC

Nick Cave a été formé à la fois comme danseur et comme artiste textile, jetant les bases d'une carrière d'artiste noir contemporain qui fusionne la sculpture en techniques mixtes et l'art de la performance. Tout au long de sa carrière, Cave a créé plus de 500 versions de sa signature Combinaisons sonores —sculptures portables en techniques mixtes qui font du bruit lorsqu'elles sont portées.

La Combinaisons sonores sont créés avec une variété de textiles et d'objets du quotidien, des paillettes aux cheveux humains. Ces objets familiers sont réarrangés de manière inhabituelle pour démanteler les symboles traditionnels du pouvoir et de l'oppression, tels que le capuchon du Ku Klux Klan ou la tête d'un missile. Lorsqu'il est porté, le Combinaisons sonores obscurcir les aspects de l'identité du porteur que Cave explore dans son travail, y compris la race, le sexe et la sexualité.

Parmi le travail de nombreux autres artistes noirs , le premier de Cave Combinaison sonore a été conçu à la suite de l'incident de brutalité policière impliquant Rodney King en 1991. Cave a déclaré: J'ai commencé à réfléchir au rôle de l'identité, être profilé racialement, se sentir dévalorisé, inférieur à, rejeté. Et puis il se trouve que je me trouvais dans le parc ce jour-là et j'ai regardé le sol, et il y avait une brindille. Et j'ai juste pensé, eh bien, c'est jeté, et c'est en quelque sorte insignifiant.

Cette brindille est rentrée chez elle avec Cave et a littéralement jeté les bases de son premier Combinaison sonore sculpture. Après avoir terminé la pièce, Ligon l'enfila comme un costume, remarqua les sons qu'elle produisait lorsqu'il bougeait, et le reste appartenait à l'histoire.

5. Glenn Ligon : Identité en tant qu'artiste noir

Sans titre (Étranger dans le village/Mains #1) par Glenn Ligon , 2000, via le Museum of Modern Art, New York

Glenn Ligon est un artiste contemporain connu pour incorporer du texte dans sa peinture et ses sculptures. Il fait également partie d'un groupe d'artistes noirs contemporains qui ont inventé le terme post-noirceur , un mouvement fondé sur la conviction que le travail d'un artiste noir ne doit pas toujours représenter sa race.

Ligon a commencé sa carrière comme peintre inspiré par les expressionnistes abstraits jusqu'à ce que, dit-il, il commencé à mettre du texte dans mon travail , en partie parce que l'ajout de texte donnait littéralement un contenu à la peinture abstraite que je faisais - ce qui ne veut pas dire que la peinture abstraite n'a pas de contenu, mais mes peintures semblaient sans contenu.

Lorsqu'il a travaillé dans un studio à côté d'un magasin de néons, Ligon a commencé à faire des sculptures en néon. À cette époque, le néon était déjà popularisé par des artistes contemporains comme Et Flavine , mais Ligon a pris le médium et l'a fait sien. Son néon le plus reconnaissable est Double Amérique (2012). Cette œuvre existe dans de multiples variations subtiles du mot Amérique orthographié en lettres de néon.

Double Amérique 2 par Glenn Ligon , 2014, via The Broad, Los Angeles

La célèbre ligne d'ouverture de Charles Dickens à Un conte de deux villes —C'était le meilleur des temps, c'était le pire des temps—inspiré Double Amérique . Ligon a dit, J'ai commencé à penser à la façon dont l'Amérique était au même endroit. Que nous vivions dans une société qui élisait un président afro-américain, mais aussi que nous étions au milieu de deux guerres et d'une récession paralysante.

Le titre et le sujet de l'œuvre sont littéralement épelés dans sa construction : deux versions du mot America en lettres fluo. En observant de plus près, les lumières semblent brisées - elles scintillent et chaque lettre est recouverte de peinture noire afin que la lumière ne brille qu'à travers les fissures. Le message est double : un, énoncé littéralement avec des mots, et deux, exploré à travers des métaphores qui se cachent dans les détails de l'œuvre.

Mon travail n'est pas de produire des réponses. Mon travail consiste à produire de bonnes questions, dit Ligon. On peut probablement en dire autant de tout artiste contemporain.