Art conceptuel : le mouvement révolutionnaire expliqué

Une et trois chaises par Joseph Kosuth , 1965, MOMA

Issu à l'origine de minimalisme , l'art conceptuel est devenu un terme collectif pour tous les développements ultérieurs des tendances de l'art abstrait qui mettaient l'accent sur l'idée derrière l'œuvre. S'étendant sur médiums, styles et époques , l'art conceptuel a été une révolution qui a remis en question les notions modernistes d''art'. Lisez la suite pour un résumé du mouvement et de son impact culturel.

Art conceptuel : questionner l'art lui-même

Dessins de travail et autres éléments visibles sur papier qui ne sont pas nécessairement destinés à être considérés comme de l'art Exposition de Mel Bochner, 1966, École des arts visuels, New York

La première exposition de Mel Bochner Dessins de travail et autres éléments visibles sur papier qui ne sont pas nécessairement destinés à être considérés comme de l'art montrer différents livres d'art dans une galerie new-yorkaise est un événement crucial dans l'histoire de l'art conceptuel. En fin de compte, c'est l'artiste conceptuel américain Sol Lewitt avec son essai Paragraphes sur l'art conceptuel qui a ouvert la voie à l'art conceptuel en tant que nouvelle forme d'art acceptée. Dans son célèbre essai publié dans Artforum en juin 1967, Sol Lewitt écrit :

Lorsqu'un artiste utilise une forme d'art conceptuelle, cela signifie que toute la planification et les décisions sont prises à l'avance et que l'exécution est une affaire superficielle. L'idée devient une machine qui fait de l'art.

De plus, Lewitt définit l'art conceptuel comme non théorique et non illustratif de théories, mais comme intuitif, impliqué dans tous les types de processus mentaux et sans but. L'art conceptuel interroge souvent la nature même de l'art. Dans sa définition de l'art conceptuel, l'artiste Joseph Kosuth, en 1969, définit l'art comme une tautologie et explique : La seule revendication de l'art est pour l'art. L'art est la définition de l'art. (Citation de L'art après la philosophie, 1969) Joseph Kosuth lui-même a réfléchi sur l'art en tant que tautologie dans plusieurs de ses œuvres.

Horloge (un et cinq), Version anglaise/latine par Joseph Kosuth , 1965, Tate

Avec sa série L'art comme idée comme idée et des œuvres telles que Une et trois chaises (1965) ou Horloge (Un et cinq) Version d'exposition 1965, Kosuth réfléchit aux différents codes d'une chaise : un code visuel, un code verbal et un code dans le langage des objets, c'est-à-dire une chaise en bois, comme il est expliqué dans la description de la Collection MoMA. Pour Kosuth, la valeur d'un artiste peut être pesée en fonction de son degré de remise en question de la nature de l'art (citation de L'art après la philosophie, 1969). La citation de l'artiste montre: L'art conceptuel n'était pas seulement une nouvelle forme d'art radicale, mais aussi une compréhension opposée à la vision de l'art moderne de Clement Greenberg qui était très répandue à cette époque aux États-Unis.

Marcel Duchamp, le ready-made et l'art conceptuel

Même si l'art conceptuel est majoritairement lié à la période des années 1960 et 1970, l'idée qui le sous-tend remonte à l'art de Marcel Duchamp et donc à la début du 20esiècle . Dans son texte L'art après la philosophie, Joseph Kosuth décrit Marcel Duchamp comme un artiste qui a le premier posé la question de la fonction de l'art. Il écrit : L'événement qui a rendu concevable la prise de conscience qu'il était possible de « parler une autre langue » et d'avoir encore un sens dans l'art a été la première œuvre sans aide de Marcel Duchamp. Prêt à l'emploi .

Fontaine de Marcel Duchamp, 1917 (réplique 1964), Tate

De nos jours Marcel Duchamp est souvent qualifié de prédécesseur de l'art conceptuel et de son ready-made Fontaine de 1917 est souvent présentée comme la première œuvre d'art conceptuel. Alors que l'Amérique était le centre du conceptualisme, le mouvement artistique était international. Alors que la forme, la couleur, les dimensions et les matériaux différaient d'un continent à l'autre ainsi que d'un artiste à l'autre, les différentes œuvres d'art se ressemblaient dans l'approche consistant à énoncer l'idée sur l'artisanat et l'œuvre finale.

Méthodes et matériaux non traditionnels

Beaucoup d'artistes peuvent également être conciliés en termes de critique du capitalisme et d'un monde de l'art de plus en plus commercialisé. Comme Marcel Duchamp, de nombreux artistes ont donc utilisé du matériel de tous les jours ou produit intentionnellement des œuvres d'art difficiles à vendre - ou même en ont fait eux-mêmes l'œuvre comme l'artiste Bruce McLean l'a fait dans son travail de performance. Travail de pose pour plinthes en 1971.

Travail de pose pour plinthes par Bruce McLean , 1971, Galerie Tanya Leighton

Dans le archives de la Tate Modern , Londres, la performance à la Situation Gallery en 1971 par Bruce McLean est décrite comme un commentaire ironique et humoristique sur ce qu'il considérait comme la monumentalité pompeuse des grandes sculptures inclinées sur socle d'Henry Moore. Les sculptures de McLean et de Moore captivent toutes deux par une forme particulièrement organique, qui dans un cas résulte du corps réel lui-même, tandis que dans l'autre cas, elle reproduit cette forme physique très réelle en bronze.

Gisant par Henry Moore , 1938, Collection privée

Positions radicales

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Alors que de nombreux spectateurs d'art ont peut-être eu du mal à classer le travail de performance de Bruce McLean Travail de pose pour plinthes en tant qu'art avant tout, l'artiste conceptuel italien Piero Manzoni avait présenté en 1961 une œuvre qui laissait perplexe même les spectateurs expérimentés. Le titre Artiste de merde (Merde d'artiste) fait déjà référence à la provocation que Manzoni voulait réaliser avec son œuvre. Artiste de merde (Merde d'artiste) se compose de 90 boîtes de conserve, chacune – comme le titre l'indique – remplie de 30 grammes de matières fécales. L'étiquette sur les bidons indique en italien, anglais, français et allemand :Merde d'artiste/Contenu 30 gr net/Fraîchement conservé/Produit et étamé en mai 1961.

Merda d'artista (merde d'artiste) par Piero Manzoni , 1961, Collection privée

Seules quelques œuvres conceptuelles de l'histoire de l'art mêlent provocation et concept de manière aussi radicale. En exposant des excréments d'artistes, Manzoni a combiné les contraires du grand art et du gaspillage biologique d'idée et d'objet dans une boîte de conserve de 4,8 x 6,5 centimètres. De plus, cette œuvre d'art est un commentaire ironique sur les mécanismes de l'industrie publicitaire dans les années 1960. Une autre œuvre conceptuelle qui a provoqué un scandale lors de sa première exposition en 1976 a été créé par l'artiste américaine Mary Kelly. Dans ses œuvres, Mary Kelly traite principalement de sujets féministes. Dans une série en plusieurs parties dans les années 1970, elle a par exemple documenté la relation entre elle-même en tant que mère et son petit bébé. Chacune des six parties se concentre sur différents moments formels entre la mère et le fils, qui à leur tour se reflètent dans les œuvres d'art en tant que moyens formels.

Détail de Document post-partum par Mary Kelly , 1974, Institute of Contemporary Arts, Londres

Mary Kelly combinait souvent le matériel habituel de sa vie quotidienne avec son fils avec des mots – comme elle l'a fait dans la première partie de son Documentation post-partum . Dans cette œuvre, l'artiste a utilisé les protège-couches de son fils comme une sorte de toile et les a combinés avec des mots écrits. Le détail scandaleux de l'œuvre est que les protège-couches ont été utilisés et que les spectateurs de l'œuvre d'art ont non seulement été confrontés à des taches de vomi, mais ont également été informés de la combinaison d'aliments qui l'ont produit.

Ed Ruscha : Projets d'art conceptuel en cours

Tous ces différents exemples d'art conceptuel l'ont montré : Comme cette forme particulière d'art est concentrée sur l'idée qui la sous-tend, il n'y a presque pas de frontières de réalisation. L'artiste américain Ed Ruscha est aujourd'hui l'un des plus artistes célèbres du pop art mais il est également très connu pour son travail conceptuel. Depuis les années 1960, Ed Ruscha a travaillé dans différents médias comme la peinture, la gravure, le dessin, la photographie et le cinéma. L'une des œuvres les plus intéressantes de l'artiste dans le domaine de l'art conceptuel est le livre Chaque bâtiment sur le Sunset Strip . Comme son nom l'indique déjà, c'est un livre qui montre chaque maison du célèbre Sunset Strip à Los Angeles. Non seulement la forme du livre – un livre plié en accordéon de 7,6 mètres de long – mais aussi la création des photographies du livre sont particulièrement intéressantes. Pour Chaque bâtiment sur le Sunset Strip, Ed Ruscha a photographié toute la longueur de Sunset Boulevard à Los Angeles avec une caméra dite motorisée. Avec une construction spéciale d'un appareil photo sur un trépied posé sur l'espace de chargement d'une camionnette, Ed Ruscha a documenté la langue vernaculaire de Los Angeles avec une photographie par seconde sur de grandes pellicules.

Chaque bâtiment sur le Sunset Strip par Ed Ruscha , 1966, Collection privée

Ed Ruscha a commencé ce projet dans les années 1960 et travaille toujours sur sa documentation de Los Angeles aujourd'hui. Au cours des dernières décennies, l'artiste aurait pris près d'un million de photographies. Le fait qu'Ed Ruscha lui-même n'ait jamais développé toutes les photographies et n'en ait utilisé qu'un petit pourcentage pour des livres comme Chaque bâtiment sur le Sunset Strip montre combien le concept de ce travail et l'activité de documentation elle-même en termes d'importance se situent au-dessus de la production. L'art conceptuel, comme nous le voyons dans tous les exemples cités dans cet article, ne connaît ni limites morales spatiales ni temporelles ni souvent socialement valables. L'art conceptuel peut être ironique, sérieux ou même choquant. L'art conceptuel peut être n'importe quoi ou rien à la fin. L'idée derrière c'est la seule chose qui compte - c'est la machine qui fait l'art, comme l'expliquait déjà Sol Lewitt en 1967.