Les 10 œuvres les plus remarquables de Gustav Klimt

Né en 1867, Gustav Klimt était un dissident artistique contre l'Académie, un pionnier de l'art moderne et le membre le plus éminent de la Sécession viennoise. Klimt, formé à l'École des arts et métiers de Vienne, a passé son début de carrière en tant qu'artiste conventionnel. Après que son art ait provoqué une série de scandales à Vienne, il s'est définitivement séparé des cercles artistiques établis. Il a connu un succès international en tant qu'artiste moderne, tandis qu'en Autriche, il s'est soutenu financièrement en tant que portraitiste. Les œuvres de Gustav Klimt ont marqué la transition des conventions académiques suivies pendant des siècles vers un art plus abstrait. Son utilisation d'arrière-plans plats, d'ornementations répétitives et de motifs a ouvert la voie à des artistes plus orientés vers l'expérimentation. Voici 10 des œuvres les plus remarquables de Gustav Klimt.

1. Gustave Klimt, Le baiser , 1908

Le baiser est l'un des plus aimés de Les oeuvres de Gustav Klimt , se retrouvant reproduit sur presque tous les produits imaginables vendus aux humains au 21e siècle. La peinture que tout le monde adore aujourd'hui a été achevée par l'artiste en 1908. Après que Klimt et quelques autres artistes aient fait la scission au sein du déjà provocant Sécession viennoise , ils ont organisé le premier Exposition d'art en juin 1908 .

L'exposition comprenait des artistes plus jeunes et 16 des œuvres de Klimt, mais Le baiser était au centre de l'attention. Après l'exposition, le tableau a été acquis par le ministère de l'éducation pour la Moderne Galerie (actuelle Österreichische Galerie Belvedere).

Les œuvres de Gustav Klimt, en général, montrent une admiration pour la beauté féminine mais aussi une certaine distance entre les genres, ainsi que des relations sexuelles troubles entre eux. Le visage de l'homme ne peut pas être vu en tenant la femme avec les mains jointes autour de son visage dans un geste de tendresse. La femme se détourne de son étreinte, n'offrant à l'homme que sa joue pour un baiser. Ses mains semblent presque comme si elle essayait de se dégager de l'étreinte. Klimt a utilisé des ornements symboliques et érotiquement chargés, comme les flux d'ornements dorés ressemblant à des spermatozoïdes sur le côté inférieur droit, indiquant que le moment de l'extase culminante vient de passer.

2. Peintures pour l'Université de Vienne, 1898-1900

En 1894, avec Franz Matsch, Klimt reçoit une commande pour une série de peintures pour la Grande Salle de l'Université de Vienne. La part de Klimt dans la commande comprenait trois peintures, Philosophie, Médecine et Jurisprudence, représentant les différentes facultés. Lorsqu'ils ont été présentés au public, ils ont tous apporté des critiques négatives à Klimt. Malheureusement, les peintures ont été délibérément détruit par les troupes SS pendant la Seconde Guerre mondiale .

Philosophie a dérangé les critiques avec sa représentation d'hommes et de femmes dérivant en transe. Bien que rejeté à Vienne, il remporta la médaille d'or lors de sa première exposition à Paris à l'Exposition universelle de 1900.

La première apparition de l'inachevé Médecine l'année suivante a provoqué une controverse encore plus grande. Il est difficile de discerner précisément ce que Klimt voulait dire sur la médecine dans ce tableau. La masse de corps humains et de personnes âgées indique la souffrance humaine, mais nous nous concentrons principalement sur les deux figures féminines en bas et en haut à gauche. Le symbole traditionnel du serpent suggère que la femme en bas est la personnification de la médecine. La femme nue sur la gauche nous attire dans son aine alors qu'elle ouvre ses bras dans une parodie de crucifixion.

Jurisprudence , vu comme une pièce pornographique à l'époque, montre trois femmes sous l'eau dans un monde marin avec de longs cheveux qui coulent sous leurs épaules. La peinture est remplie d'émotions sombres à chaque tournant de l'œuvre d'art, en particulier avec la pieuvre saisissant le mâle au premier plan, laissant les femmes effrayées.

3. Judith et la tête d'Holopherne , 1901

Créé en 1901, Judith et la tête d'Holopherne est l'interprétation de Klimt d'un thème très populaire dans l'art occidental depuis la Renaissance . La première version de Judith est un archétype femme fatale trouvé dans de nombreuses œuvres ultérieures de Klimt, symbolisant le triomphe érotique féminin sur la domination masculine agressive.

Le personnage biblique Judith tient la tête du général assyrien décapité, Holopherne ; cependant, Klimt est clairement dédaigneux du récit et de la manière typique de décrire cette histoire. Sans décor biblique et sans épée sanglante habituelle ni complice de Judith, Judith elle-même reprend l'essentiel de la composition.

Le visage de Judith dégage un mélange chargé de plaisir et de perversion, regardant de manière séduisante la peinture. Le modèle de Judith était la mondaine viennoise Adèle Bloch-Bauer , le sujet de deux autres portraits réalisés en 1907 et 1912, ainsi que pour l'œuvre de Gustav Klimt de Pallas Athéna . Adele était une femme riche et hôtesse d'un salon renommé au début du XXe siècle, dont le mari avait initialement demandé à Klimt de peindre un portrait de sa femme.

4. Allégorie de la Sculpture , 1899

Klimt a été formé en tant que peintre dans la tradition classique. En tant qu'artiste de formation universitaire, Klimt avait été choisi par la riche bourgeoisie libérale comme décorateur de ses prestigieux édifices. Ainsi, après avoir été diplômé de l'école primaire et secondaire, Gustav a été admis à l'École des arts et métiers du Musée royal impérial d'art et d'industrie (l'Université des arts appliqués de Vienne) en 1876 à l'âge de 14 ans.

En 1896, Klimt a déjà commencé à peindre le corps humain d'une manière moins conventionnelle et individuelle. Par exemple, il existe un écart intéressant entre l'étude précédente pour le Allégorie de la Sculpture et la peinture entièrement réalisée. Dans l'étude, les cheveux sauvages et lâches qui caractériseront plus tard le style de Klimt sont déjà visibles, et il y a des traces d'une représentation plus détaillée des poils pubiens. La femme regarde directement le spectateur et prend une pose provocante comme si elle était surprise nue dans sa chambre. La peinture, au contraire, montre à nouveau une figure traditionnelle, avec sa pose ressemblant à une sculpture classique, ses cheveux sont tressés et les poils pubiens ont disparu.

5. Mort & Vie , 1911

Les œuvres de Gustav Klimt doivent être considérées dans le contexte de l'art symboliste et de sa tendance aux thèmes universels. Comme ses contemporains artistiques, la lutte de la vie et de la mort a toujours inspiré l'art de Klimt. Klimt a présenté la première version de La mort et la vie en 1911 lors d'une exposition internationale à Rome. Une fois de plus, il remporte le premier prix. Il n'était pas vraiment satisfait de la version, alors il a commencé à travailler sur ses corrections en 1915.

Le squelette drapé d'une robe sombre ornée de croix veille sur un groupe flottant de figures humaines endormies, représentant la Vie à droite. La vie comprend toutes les générations, du bébé à la femme plus âgée. Contrairement à ses collègues plus symbolistes et expressionnistes, la peinture de Klimt est optimiste. La mort peut être capable de prendre la vie d'individus, mais la vie elle-même continue. Le fond, probablement autrefois doré, avait été rendu gris par Klimt en 1915. La même année, Klimt ajouta d'autres ornements aux personnages du tableau.

6. Portrait d'Emilie Flöge , 1902

Une grande partie des œuvres de Gustav Klimt est consacrée aux représentations de femmes. Sa gamme de types féminins est multiforme et comprend la femme érotisée, la femme diabolisée femme fatale , la créature féminine allégorique et mythique de la nature, et enfin, la dame idéalisée de la société. Ce dernier type lui vaut une réputation de peintre de portraits féminins distingués dans fin-de-siècle Vienna.

Emilie Flöge est considérée à ce jour comme la « muse » inspirante de l'artiste de renommée mondiale. Emilie Flöge était l'une des créatrices de mode les plus influentes de Vienne. Elle dirigea le salon Schwestern Flöge à partir de 1904 avec ses sœurs Hélène et Pauline. Inspirée par les nouveaux mouvements et tendances, elle poursuit sa propre voie artistique aux côtés de Klimt. Tous deux étaient des représentants importants et des créateurs de tendances, en particulier pour le Atelier de saucisses , fondée en 1903, et le concept d'œuvre d'art universelle de l'atelier.

Le portrait d'Emilie Flöge montre la jolie jeune femme portant une robe de sa propre conception. Beaucoup de ses robes et tissus ont été conçus par Klimt spécialement pour son salon de mode. L'utilisation d'éléments géométriques métalliques dans le portrait marque le début du style 'doré' de Klimt qui atteindra son apogée cinq ans plus tard avec son premier portrait d'Adele Bloch-Bauer.

7. Danaé , 1907

Un thème standard des peintres symbolistes, comme mentionné précédemment, était la figure archétypale du femme fatale . Parmi les quelque 4 000 œuvres graphiques laissées par Gustav Klimt figurent de nombreuses représentations féminines très érotiques, qui ont valu à l'artiste la réputation d'« éroticienne ». La majorité d'entre eux n'ont été ni exposés de son vivant ni destinés à être vendus. Ils ont principalement servi d'études pour des peintures et témoignent de son exploration presque obsessionnelle de l'essence du «féminin».

Danaé est une figure de la mythologie grecque. En tant que fille d'Acrisius, roi d'Argos, elle a été enfermée dans une tour par son père après qu'un oracle a prédit que son fils le tuerait. La prophétie s'est accomplie après que Zeus ait rendu visite à Danae sous la forme d'une douche dorée et l'ait imprégnée . Danae a bientôt donné naissance à Persée , qui a accidentellement tué Acrisius avec un disque.

Typique des œuvres de Gustav Klimt, il utilise le voile de la mythologie pour masquer une scène essentiellement érotique. Klimt place le spectateur dans le rôle d'un voyeur. Nous sommes placés claustrophobiquement et intimement près de la femme endormie pendant qu'elle est imprégnée par la pluie d'ornements dorés chargés d'érotisme.

8. Frise Beethoven , 1902

Dans le bâtiment de la Sécession à Vienne , ainsi qu'une sculpture polychrome monumentale de Max Klinger , cette peinture murale a été achevée en 1902. Klimt en a fait une célébration du célèbre compositeur allemand Ludwig van Beethoven . Initialement destinée uniquement à la 14e exposition sécessionniste de Vienne, la frise a été peinte directement sur les murs et est aujourd'hui exposée en permanence.

La frise illustre le désir de bonheur dans un monde souffrant et incontrôlé dans lequel les êtres humains luttent contre les forces externes du mal et les faiblesses internes, comme représenté dans les chefs-d'œuvre symphoniques de Beethoven. Le spectateur suit le voyage de découverte d'une manière visuelle et linéaire spectaculaire. La frise commence par une femme Génie flottante fouillant la Terre avant de présenter le sinistre géant des vents d'orage, Typhon, ses trois filles Gorgone, et d'autres images représentant la maladie, la folie, la mort, la luxure et la débauche, affichées au-dessus et à droite. Puis un chevalier en armure brillante apparaît, offrant de l'espoir en raison de son ambition et de sa sympathie pour les humains souffrants.

Le voyage se termine par la découverte de la joie (célébrée dans la Symphonie chorale n° 9 de Beethoven) au moyen des arts, avec une sérénité dépeinte dans l'étreinte d'un baiser. Ainsi, la frise explore le désir humain psychologique, satisfait uniquement par la recherche individuelle et collective et la beauté des arts, associée à l'amour et à la camaraderie.

9. Les trois âges de la femme , 1905

Cette toile de 1905 concerne un thème récurrent de l'œuvre de Gustav Klimt, trouvé pour la première fois dans la peinture de 1895 Aimer . Il représente les trois âges d'une femme : un enfant, une jeune femme et une femme plus âgée. Le tableau a été immédiatement reconnu comme une grande réalisation, remportant le prix à l'Esposizione d'Arte Internazionale de Rome en 1911.

L'année suivante, il a été acheté par la Roman Galleria Nazionale d'Arte Moderna. La composition associe l'utilisation révélatrice de l'or par Klimt à des symboles géométriques sous diverses formes. La gamme des émotions humaines est véhiculée avec une introspection psychologique dans les expressions des trois personnages. Il fait un usage audacieux de la prémonition dramatique de la mort dans la vieillesse, de la tendre protection de la jeune femme et du sommeil satisfait et apparemment naïf de l'enfant. Klimt montre une fois de plus que dans la lutte éternelle avec la mort, la vie parvient à continuer.

10. Gustave Klimt, L'arbre de la vie , 1909

En 1905, dans la périphérie de Bruxelles, le financier belge Adolphe Stoclet charge Klimt de concevoir une magnifique mosaïque pour la salle à manger du soi-disant Palais Stoclet. La mosaïque richement décorée se rapporte au style byzantin de peintures telles que Le baiser et le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer . Aujourd'hui, le Palais Stoclet , toujours propriété de la famille Stoclet, fait à juste titre partie de la liste des sites du patrimoine mondial de l'UNESCO.

Une partie de la frise Stoclet, achevée en 1911, est l'une des œuvres les plus connues de Gustav Klimt, L'arbre de la vie . L'arbre est le motif dominant des deux côtés de la salle à manger rectangulaire. L'arbre de la vie a des branches dorées en forme de spirale qui remplissent la majorité du plan de l'image. Le reste est pris par les fleurs, les papillons et les oiseaux. L'unique figure debout est intitulée Attente , et il correspond à la représentation d'un couple enlacé à droite intitulée Embrasser .