Pourquoi le photoréalisme était-il si populaire ?

Le photoréalisme est devenu un style de peinture populaire dans les années 1960 à New York et en Californie. Les artistes ont imité la précision technique de la photographie et l'attention microscopique aux détails, créant des images qui apparaissaient entièrement fait à la machine . Ses idées se sont rapidement propagées dans une grande partie des États-Unis et de l'Europe et, bien qu'elles aient évolué au fil des ans, elles restent un style de peinture répandu aujourd'hui. Mais qu'en était-il de ce style de peinture qui a pris d'assaut le monde de l'art ? S'agissait-il simplement de travailler minutieusement copier des photographies dans la peinture, ou y avait-il plus? Nous examinons certaines des raisons les plus importantes pour lesquelles le photoréalisme s'est imposé et la façon dont il a ouvert de nouvelles façons passionnantes de penser et de faire de l'art.

1. Le photoréalisme était une question de précision technique

Audrey Flack, Reine, 1975-76, via la galerie Louis K Meisel

L'un des concepts clés autour du photoréalisme était l'accent mis sur précision technique . Bien qu'il s'agisse principalement d'un style de peinture, les artistes visaient à éliminer complètement toute trace de leur main, de sorte que le résultat final semblait entièrement mécanique. Pour rendre la vie encore plus difficile, les artistes peignant dans ce style recherchaient souvent des défis techniques particuliers, tels que la surface brillante du verre, les reflets dans les miroirs ou l'invocation de la lumière photographique. Dans ses études de natures mortes 'Vanitas', l'artiste américaine Audrey Flack a peint toutes sortes de surfaces brillantes, des miroirs et des dessus de table en verre aux fruits frais et aux bijoux.

2. Le photoréalisme a transcendé les limites de la photographie

Gerhard Richter, Brigitte Polk, (305), 1971, via la Tate

Certains artistes photoréalistes ont exploré l'utilisation de plusieurs sources photographiques dans un même tableau, ce qui leur a permis de transcender la perspective à un seul point trouvée dans une photographie individuelle. D'autres se sont concentrés sur une attention incroyable, comme les pores de la peau ou les follicules pileux qui seraient difficiles à capturer en une seule image photographique. L'un des exemples les plus célèbres est celui du peintre américain Chuck Close. Autoportrait, une représentation vaste et imminente du visage de l'artiste peint avec netteté. Pour se défier davantage, Close a également peint l'éclat de ses lunettes et une cigarette à moitié allumée accrochée à ses lèvres. artiste allemand Gérard Richter joué plus loin avec les frontières entre la peinture et la photographie, la peinture images photographiques floues pour leur donner un aspect pictural.

3. Il a célébré la culture populaire

John Salt, Automobile rouge/verte, 1980, par Christie's

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De nombreux artistes photoréalistes étaient étroitement liés à Pop Art, s'approprier des images de la culture populaire et de la vie normale telles que des publicités dans des magazines, des cartes postales, des devantures de magasins et des scènes de rue. Comme le Pop Art, le photoréalisme a pris une postmoderne approcher. Il a rejeté les idéaux élitistes et utopiques de haute modernisme et abstraction , reliant l'art au monde réel et aux expériences des gens normaux. L'artiste britannique Malcolm Morley a réalisé des peintures basées sur de vieilles cartes postales de paquebots, tandis que l'artiste américain Richard Estes a peint le placage brillant des façades de magasins et des voitures passant dans la rue. Un style impassible a émergé de cette école de pensée, avec un accent délibéré sur des sujets apparemment banals et banals, qui ont été peints de manière plate et détachée, mais avec une habileté incroyable. Les peintures de l'artiste britannique John Salt de quincailleries et de vieilles voitures battues illustrent ce brin de photoréalisme.

4. Ils ont exploré de nouvelles techniques

Chuck Close, Autoportrait, 1997, via la galerie d'art Walker

Pour créer une telle précision, les photoréalistes ont adopté une gamme de techniques. Beaucoup utilisaient des procédés normalement réservés aux peintres commerciaux, tels que des projecteurs de lumière pour mettre à l'échelle des photographies sur toile, et des aérographes, qui permettaient aux artistes de créer des images impeccables, effets mécanisés qui cachait complètement toute trace de la main qui l'avait fabriqué. D'autres travaillaient avec des grilles, étalant un motif quadrillé sur une petite photographie et copiant fidèlement chaque petit carré de la grille pièce par pièce. Close a utilisé des grilles tout au long de sa carrière et il a comparé ce processus méthodique au tricot, en construisant une ligne de conception plus grande par ligne. Dans son art ultérieur, Close a rendu ce processus plus explicite, agrandissant chaque cellule quadrillée et ajoutant des rectangles et des cercles abstraits.