Ce sont les 10 peintures de paysage les plus sublimes de tous les temps

Wanderer Above Sea Fog de Caspar David Friedrich, 1817, via Kunsthalle Hamburg (à gauche) ; White Night d'Edvard Munch, 1901, via The National Museum of Art, Architecture of Design, Oslo (à droite)

Les peintures de paysages sublimes sont l'un des sujets les plus théâtraux et émotifs de l'histoire de l'art, combinant à parts égales beauté, drame et dévastation. Le terme « sublime » a été défini par le philosophe Edmund Burke. Une enquête philosophique sur l'origine de nos idées sur le sublime et le beau dans 1757 comme la beauté mêlée à quelque chose de plus, un certain danger, la peur ou l'horreur, ou ce qu'il appelait : tout ce qui est en quelque sorte terrible ou connaît des objets terribles ou opère d'une manière analogue à la terreur. Burke a également qualifié de sublime rien de moins que l'émotion la plus puissante que l'esprit puisse ressentir - pas étonnant que les artistes aient eu envie d'adopter le style !

Peinture de paysage sublime à travers l'histoire

Bien que le terme sublime puisse décrire divers sujets, les peintures de paysages sublimes ont été parmi les plus durables et les plus captivantes de toutes. Même avant le célèbre texte de Burke, les peintres depuis l'époque médiévale ont intensifié les nuages ​​​​d'orage tourbillonnants, les falaises acérées et les montagnes déchiquetées aux sommets enneigés pour transmettre une émerveillement et une terreur accablants à un public captivé. Perdons-nous dans certaines des peintures de paysages les plus impressionnantes et les plus sublimes de tous les temps, de la Renaissance aux temps modernes et contemporains.

1. Pieter Bruegel l'Ancien, Paysage avec la Fuite en Égypte, 1563

Paysage avec la Fuite en Egypte Pieter Bruegel l'Ancien , 1563, via la National Gallery, Londres

Pieter Bruegel l'Ancien, Paysage avec la Fuite en Égypte, 1563 caractérise la sublime peinture de paysage des Renaissance du Nord , combinant des paysages à couper le souffle avec un récit religieux. Les minuscules figures de Marie et Joseph vacillent le long d'une falaise périlleuse au premier plan, fuyant la persécution à Bethléem. Le paysage est étroitement lié à leur histoire, car un paysage pâle et lointain représente la terre familière qu'ils quittent, tandis que le premier plan sombre et inquiétant vers lequel ils se dirigent est enveloppé dans l'obscurité et le danger de l'inconnu. Breughel a cherché à contraster les zones d'immobilité et de mouvement dans cette image unique, peignant les rochers et les montagnes comme une constante stable et immobile, par rapport au mouvement constant de l'eau, des personnes et des oiseaux. Cet équilibre des contraires entre obscurité/lumière, fragilité/permanence et immobilité/mouvement est la raison pour laquelle cette sublime peinture de paysage est devenue l'une des images les plus durables de tous les temps.

2. Philip James De Loutherbourg, Une Avalanche dans les Alpes, 1803

Une avalanche dans les Alpes Philip James De Loutherbourg , 1803, via Tate, Londres

Philip James De Loutherbourg, basé en Grande-Bretagne et né en France, a peint Une avalanche dans les Alpes en 1803, à une époque où le pittoresque mais dangereux Alpes françaises étaient une incarnation de plus en plus populaire du paysage sublime. En plus d'être peintre, De Loutherbourg a travaillé au clair de lune en tant que décorateur de théâtre, un rôle qui lui a permis d'investir un drame écrasant dans ses toiles grâce à un éclairage, une profondeur et un mouvement saisissants. Ici, les lointaines montagnes françaises commencent à s'effondrer en une avalanche, jetant d'énormes nuages ​​terrifiants de poussière et de fumée à travers la scène et obscurcissant le ciel au-dessus. Un flash de lumière blanche au centre attire notre regard sur les minuscules spectateurs terrifiés qui sont minuscules face aux chutes de pierres qui les entourent, bientôt détruites par les forces élémentaires de la nature.

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3. Joseph Mallord William Turner, Tempête de neige : Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812

Tempête de neige : Hannibal et son armée traversant les Alpes par Joseph Mallord William Turner , 1812, via Tate, Londres

J.M.W. de Turner Tempête de neige : Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812, caractérise la beauté déchirante de la le romantisme était , avec des nuages ​​d'orage monstrueux et arqués qui planent au-dessus de petites personnes en dessous. Dédié à Hannibal Barca, commandant de l'armée carthaginoise en 200-100 avant JC, le tableau représente les soldats d'Hannibal tentant de traverser les Alpes en 218 avant JC, avec des membres de la tribu salassienne combattant l'arrière-garde d'Hannibal. Ici, la tempête devient une métaphore puissante d'une lutte potentiellement mortelle alors que des nuages ​​​​noirs et en colère forment un vortex terrifiant et tourbillonnant qui repousse les minuscules soldats impuissants. Au loin, le soleil est un orbe rougeoyant de lumière fascinante, une lueur d'espoir au milieu de la tragédie de la guerre. Mais au-delà des références narratives, ce sublime paysage de Turner est finalement une réflexion sur la brutalité pure et destructrice de la nature, qui menace d'engloutir impitoyablement les gens d'en bas.

4. Caspar David Friedrich, Vagabond au-dessus du brouillard marin, 1817

Vagabond au-dessus du brouillard marin Caspar David Friedrich , 1817, via Kunsthalle Hambourg

L'une des peintures de paysage les plus emblématiques et les plus sublimes de tous les temps, du peintre allemand Caspar David Friedrich, Vagabond au-dessus du brouillard marin, 1817, résume l'esprit idéaliste rêveur de Romantisme européen . Debout seul sur un haut rocher sombre, une silhouette solitaire contemple sa place dans l'univers, tandis que la brume brumeuse essaime sur les vallées et les montagnes lointaines au-delà. Friedrich transmet ici le paysage sublime comme un terrain inhospitalier et inconnaissable, reflétant la fascination du XIXe siècle pour la nature sauvage et débridée.

Contrairement à d'autres artistes de l'époque qui avaient tendance à créer de petites figures pour souligner l'ampleur du paysage, Friedrich donne à sa figure un rôle central mais, vu de dos, il conserve son anonymat en tant que 'vagabond' abstrait, agissant comme un symbole pour tous les rêveurs nostalgiques du XIXe siècle et au-delà. La scène est une vision imaginaire de la campagne montagneuse allemande; pour créer de tels lieux mystiques, Friedrich a cherché à l'intérieur, en écrivant, Fermez votre œil physique, afin que vous puissiez voir votre image d'abord avec l'œil spirituel. Ensuite, amenez ce que vous avez vu dans l'obscurité à la lumière, afin qu'il puisse avoir un effet sur les autres, brillant de l'extérieur vers l'intérieur.

5. Karl Eduard Biermann, Le Wetterhorn, 1830

Le Wetterhorn Karl Edouard Biermann , 1830, via Alte Nationalgalerie, Berlin

Karl Eduard Biermann Le Wetterhorn, 1830, résume le sublime style de peinture de paysage du peintre allemand, avec un terrain vaste et accidenté au milieu d'un éclairage théâtral dramatique. Le premier plan escarpé est peint avec soin dans de riches tons sombres de vert et de brun, nous conduisant vers une bande d'arbres et de rochers qui disparaissent dans l'ombre noire. En arrière-plan, une chaîne de montagnes épique est éclairée par un rayon de soleil, soulignant ses flèches glaciales et pointues comme un lieu mystique et inaccessible, tandis que les nuages ​​essaiment au-dessus de la tête comme s'ils menaçaient de déclencher une tempête. Comme de nombreux peintres romantiques, Biermann met l'accent sur la crainte, l'émerveillement et l'échelle terrifiante de la scène en plaçant deux minuscules personnages au premier plan qui nous permettent de nous imaginer au milieu de la scène. Ils tentent de grimper à travers des rochers inégaux et de l'herbe marécageuse, tandis qu'une cascade en colère jaillit devant eux et capte la lumière comme un éclair, divisant leur périlleux voyage.

6.Arnold Bocklin, L'île des morts, 1880

L'île des morts par Arnold Bocklin , 1880, via le Metropolitan Museum of Art, New York

L'une des peintures de paysage les plus sublimes jamais réalisées, le peintre allemand Arnold Bocklin L'île des morts, 1880, évoque une île imaginaire émergeant de la mer contre un ciel sombre et maussade. La peinture a été commandée par Marie Berna, récemment veuve, qui n'a demandé qu'une image pour rêver. Répondant à sa demande, Bocklin investit son image d'allusions à la mort et au deuil. Au premier plan, une figure blanche fantomatique est dirigée vers l'île sur un petit bateau à rames à côté d'un objet ressemblant à un cercueil. Le rameur a été comparé au caractère grec ancien de Charon le batelier , qui a transporté les âmes des morts à travers le fleuve Styx jusqu'à Hadès. Le long de l'île se trouvent des rangées de cyprès sombres et menaçants traditionnellement associés aux cimetières, tandis que les rochers brillants et déchiquetés au-delà sont découpés avec des portes et des fenêtres sépulcrales. Contrairement à de nombreux paysages sublimes, une immobilité fantasmagorique imprègne la scène, lui conférant un silence inquiétant ; Bocklin lui-même a même décrit l'œuvre comme si silencieuse qu'on aurait peur quand on frappait à la porte.

7. Edvard Munch, Nuit blanche, 1901

nuit blanche Edvard Munch , 1901, via le Musée national d'art, d'architecture et de design, Oslo

Edvard Munch fabriqué Nuit blanche, 1901 dans sa carrière ultérieure, à une époque où il avait abandonné la figuration au profit de paysages atmosphériques, mais la même anxiété omniprésente de son art antérieur demeurait. Cette sublime peinture de paysage dépeint sa Norvège natale au plus profond de l'hiver, regardant à travers des arbres sombres et menaçants vers un fjord gelé. Une forêt d'épicéas forme un bord déchiqueté aussi tranchant qu'une arête de scie, un avertissement de la glace dangereuse au-delà. Les arbres noirs au premier plan suggèrent des visages ou des créatures fantômes mais ils sont à peine reconnaissables sous le manteau de la tombée de la nuit. Combinant le clair de lune scintillant avec ces qualités de danger et de menace, la scène hivernale nocturne de Munch capture la beauté sublime de l'hiver norvégien. Réfléchissant sur la façon dont ses scènes de paysage pourraient fusionner les observations avec l'esprit intérieur, Munch a écrit, La nature n'est pas seulement tout ce qui est visible à l'œil… elle comprend également les images intérieures de l'âme.

8. Akseli Gallen-Kallela, Lac Keitele, 1904

Lac Bouillir par Akseli Gallen-Kallela , 1904, via la National Gallery, Londres

Chez Askeli Gallen-Kallela Lac Keitele, 1904, présente le célèbre lac finlandais comme un miroir envoûtant de lumière déchiré par des courants de vent en zigzag. La peinture a été réalisée à une époque où un désir croissant d'indépendance se faisait sentir à travers la Finlande. Célébrant la grande nature sauvage préservée du pays, cette sublime peinture de paysage est devenue un puissant symbole du nationalisme et de la fierté finlandaise. Bien qu'il n'y ait aucun signe de vie humaine, les courants naturels de mouvement observés dans l'eau étaient une caractéristique bien connue du lac. Ces stries de mouvement étaient si connues historiquement que dans la culture finlandaise ancienne, elles étaient liées au caractère mythologique de Väinämöinen , dont on disait qu'il laissait des ondulations en traversant le lac. Ces représentations subtiles du mouvement contenaient un grand symbolisme nationaliste pour Gallen-Kallela, célébrant la beauté mystérieuse et énigmatique de la culture finlandaise ancienne et ses liens étroits avec la terre. Il les a décrits comme des rayures argentées à la surface de l'eau sereine sont les vaguelettes annonçant la passion à venir.

9. Thomas Moran, Le Grand Canyon du Colorado, 1904

Le Grand Canyon du Colorado par Thomas Moran , 1904, via Christie's

Chez Thomas Moran Le Grand Canyon du Colorado, 1904, la vaste étendue de ce célèbre parc national est transmise sur une énorme échelle panoramique de sept pieds sur dix. Chef de file à la fois dans les écoles de la rivière Hudson et des montagnes Rocheuses, le peintre américain Moran a été tellement fasciné par le terrain sauvage et dangereusement beau du Colorado qu'il s'est plongé profondément dans un paysage où peu s'étaient aventurés avant lui, peignant plus de trente scènes capturant ce paysage unique et sublime. . Observant avec fascination le grand espace ouvert au-delà de lui, écrivit-il, sa formidable architecture nous remplit d'émerveillement et d'admiration, et sa couleur, ses formes et son atmosphère sont d'une beauté si ravissante que, même si l'on a beaucoup voyagé, un nouveau monde s'ouvre. à lui quand il contemple le Grand Canyon.

Cette scène véhicule une vision idéalisée et romancée de la grand Canyon alors que des rochers pointus tombent dans et hors de la lumière avant de s'estomper dans l'horizon lointain, tandis qu'une tempête envahissante s'accélère au-dessus. Le public a été tellement ébloui par les représentations de Moran de la grande nature sauvage américaine qu'il est aujourd'hui crédité d'avoir influencé la création de le système des parcs nationaux qui a préservé l'intégrité du paysage sublime de l'Amérique.

10. Pierre Doig, Manteau de ski, 1994

Manteau de ski par Peter Doig , 1994, via Tate, Londres

peintre écossais de Peter Doig Manteau de ski, 1994, est une vague d'énergie et de mouvement enneigés. Basé sur une image photographique avec des skieurs apprenants dispersés à travers une montagne japonaise, Doig déforme et perturbe délibérément l'image originale, la coupant en deux parties au milieu et la reconstituant pour créer un étrange miroir. Rorschach effet. Doig est bien connu pour avoir fusionné du matériel photographique avec des marques picturales, permettant aux deux styles opposés de se jouer comme on le voit sur cette image, où des arbres soigneusement peints sont entourés de lavis lâchement superposés de rose, blanc et vert. Ces passages aqueux de peinture suggèrent les qualités froides et glissantes de la glace et de la neige qui imprègnent l'image et lui confèrent une dangereuse incertitude, renforçant la peur des petits skieurs luttant contre le terrain traîtreusement escarpé qui les entoure.

L'héritage de la peinture de paysage sublime

Le sublime a été déclaré « démodé » au XIXe siècle, s'estompant au profit de l'impressionnisme français. Cependant, la peinture de paysage sublime a fait un retour au XXe siècle lorsque les expressionnistes abstraits ont exploré les mêmes thèmes existentialistes et transcendants dans leur peinture. Des artistes tels que Mark Rothko, Clyfford Still et Robert Smithson ont tous utilisé des éléments du sublime dans leur travail.