Le génie d'Antonio Canova : une merveille néoclassique

Portrait d'Antonio Canova par François Xavier Fabre, 1812, via le New York Times ; avec Persée avec la tête de Méduse (Persée triomphant) d'Antonio Canova, 1800-01, via le Musée du Vatican, Rome ; et avec Thésée et le Minotaure d'Antonio Canova, 1781-1783, via le Victoria and Albert Museum, Londres

Antonio Canova était un parangon du mouvement néoclassique en tant que sculpteur italien de premier ordre. Sa connaissance des mouvements artistiques baroque, rococo et classique lui a permis de créer un style unique et intuitif. Grâce à l'inspiration de Johann Joachim Winckelmann et aux critiques ultérieures de Gavin Hamilton, Canova a développé une profonde compréhension des œuvres classiques grecques et romaines. Ses propres œuvres illustrent l'harmonie, l'équilibre, la symétrie et la proportion. Ces points clés ont été caractérisés non seulement par les œuvres des Grecs, mais aussi par le mouvement néoclassique dans son ensemble. Les sculptures néoclassiques de Canova ont intégré le passé dans le présent. Cependant, avant de connaître la vie et l'œuvre de ce grand sculpteur, il est important de se familiariser avec l'histoire du néoclassicisme.

Les débuts d'Antonio Canova : le mouvement néoclassique

Parnasse par Anton Raphael Mengs, 1761, via le musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Le mouvement néoclassique a commencé dans les années 1760 avec la redécouverte de Pompéi en 1748 par des explorateurs à la recherche d'artefacts anciens. La découverte de la fresques murales pendant et après les fouilles de Pompéi ont obligé les artistes à faire des lithographies des pièces pour diffuser les images à travers l'Europe. Le style pompéien a inspiré les artistes de l'époque et certains aspects de la vie quotidienne : la mode et la décoration françaises, par exemple, se sont déplacées vers les styles plus raffinés et élégants du passé.

La redécouverte de Pompéi a également inspiré la renaissance des colonnes réalisées après la Ordres classiques grecs .

Illustration de l'ordre ionique de l'Érechthéion des Antiquités d'Athènes (Vol. 2), 1762-1816, numérisée par l'auteur de l'art européen du XIXe siècle : troisième édition par Petra ten-Doesschate Chu

Les trois ordres sont les colonnes doriques, ioniques et corinthiennes. Les colonnes doriques sont surtout connues pour leur simplicité, leur circonférence et leur affiliation avec la force et le masculin. Les colonnes ioniques s'alignaient avec la féminité dans leur délicatesse et leurs volutes en forme de spirales, imitant les cheveux d'une jeune fille. L'ordre corinthien était une combinaison des deux autres ordres mais avec un style plus décoratif, comprenant des volutes en forme de cloche, une corniche extrêmement détaillée et des feuilles d'acanthe ornant le sommet.

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En outre, Johann Joachim Winckelmann, un historien de l'art allemand qui a considérablement influencé le mouvement néoclassique, a favorisé la résurgence de l'appréciation des styles classiques avec son étude de l'évolution de l'art classique via des recherches comparatives. De cette façon, le néoclassicisme s'est largement inspiré des périodes classique et hellénistique de la sculpture grecque.

Qui Quoi Johann Joachim Winckelmann?

Portrait de Joachim Joachim Winckelmann par Angelica Kauffman, 1764, via le British Museum, Londres

Winckelmann était un historien de l'art allemand, archéologue et premier helléniste. Il croyait que l'art classique avait connu une évolution qui comprenait un début, un milieu et une fin. Le concept est venu du fait que les peintures murales pompéiennes n'étaient pas à la hauteur des normes esthétiques de la sculpture grecque. Il existait une hypothèse selon laquelle les fresques pompéiennes ont été peintes lors d'un déclin de la chronologie de l'art classique.

Histoire de l'art ancien par Johann Joachim Winckelmann , première édition publiée en 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

Winckelmann a écrit Histoire de l'art ancien , ou L'histoire de l'art dans l'Antiquité (1764), qui a eu un impact sur les historiens, les universitaires et les artistes. Dans ce travail, il a utilisé le cycle de la vie comme une analogie pour décrire l'histoire de l'art classique. Il a eu une origine, une période de croissance et de maturité, et un éventuel déclin.

Ce livre a inspiré de nombreuses œuvres d'art et de littérature grâce aux descriptions de Winckelmann des sculptures classiques. Ses écrits ont influencé des sculpteurs et des peintres tels qu'Antonio Canova et Anton Raphaël Mengs . Il a mis en évidence les qualités idéales des pièces, avec leur noble simplicité et leur calme grandeur ainsi que leur sensualité.

Pour Winckelmann, le berceau de l'art classique n'était pas à Rome mais en Grèce, où il est né et où il a culminé. En raison de sa passion et de son étude approfondie des œuvres grecques et romaines antiques, Winckelmann a pu contribuer de très près à la progression des artistes qui convoitaient les œuvres d'autrefois.

Sculpture Grecque Et Romaine

Artémision Bronze , Environ 460 avant notre ère, via le Musée Archéologique National d'Athènes

Étonnamment, de nombreux bronzes grecs et romains n'ont pas été vus depuis avant le règne de l'Empire romain et des croisades. Pourquoi? Parce que beaucoup ont été fondus pour leur bronze, car le bronze était très demandé pour les armes et les outils. Cependant, malgré la trahison de cette action, les Romains ont eu la prévoyance de faire copies en marbre d'un certain nombre de sculptures. Bien sûr, il y avait des marbres grecs originaux, comme le Garçon Kritios, l'ancienne statue en marbre de Kouros , et le Nike de Samothrac et . Cependant, leurs bronzes ont le mieux transmis leur compétence et leur philosophie pour l'esprit et le corps pendant les périodes classique à hellénistique. Ensuite, il y a les œuvres de bronziers grecs comme Polyclète et Lysippe , dont les œuvres les plus remarquables ne peuvent plus être vues que comme des copies romaines en marbre.

Copie romaine de Farnèse Héraclès (Hercule au repos) de Glykon (bronze grec original de Lysippe), fin du IIe au début du IIIe siècle de notre ère, via le musée archéologique national de Naples

Chaque copie romaine d'une statue de bronze originale grecque a une entretoise, ou un tronc d'arbre en marbre, qui équilibre le marbre. (La jambe de force a historiquement pris de nombreuses formes, mais le tronc est l'une de ses formes les plus remarquables). En raison des techniques perdues de la sculpture grecque, les Romains étaient incapables d'équilibrer correctement leur marbre et devaient plutôt utiliser des entretoises. On en trouve deux exemples dans Farnèse Héraclès , qui n'a pas nécessairement d'entretoise puisque la massue fait partie de la pièce d'origine, mais qui assume le même rôle qu'une entretoise ; et le Apollon du Belvédère, qui a une entretoise sur son côté gauche. Pour les originaux grecs en bronze, il y aurait généralement du bronze sous les pieds de la sculpture qui la maintiendrait, la collant ainsi en place.

Diagramme du nombre d'or (Golden Rectangle and Spiral), via le Pratt Institute

Les Romains ont imité le style des Grecs tel qu'il était depuis longtemps perfectionné. Cette perfection est venue non seulement de la compétence, mais aussi de la connaissance du Nombre d'or , ou Moyenne d'Or via le Rectangle d'Or, et qui est à l'origine de l'harmonie, de l'équilibre, de la symétrie et de la proportion idéale. La Apollo Belvédère , Artémision Bronze , et d'Anton Mengs Parnasse sont tous d'excellents exemples de pièces structurées autour du nombre d'or. Malgré cette connaissance, les Romains avaient tendance à modifier les proportions en fonction de leurs propres sensibilités. D'autre part, les Grecs appréciaient le corps idéal et la beauté raffinée, modelant les corps d'après ce qu'ils percevaient comme la ressemblance des dieux et des déesses.

Antonio Canova a utilisé ces règles et techniques anciennes transmises par ses prédécesseurs pour créer des œuvres qui s'inspirent du passé et transmettent des connaissances sur l'avenir.

En savoir plus sur Antonio Canova

Autoportrait du sculpteur Antonio Canova , 1812, via l'Art Institute de Chicago

Antonio Canova était un sculpteur néoclassique italien connu par ses contemporains comme le ministre suprême de la beauté. Canova appréciait davantage le mouvement artistique néoclassique que la Rococo ou baroque périodes de l'art, puisqu'il étudie les œuvres de maîtres tels que Michel-Ange ainsi que les fresques de Pompéi lors de ses voyages en Italie. Bon nombre des premières œuvres de Canova sont basées sur le rejet de la simple copie des techniques grecques classiques. Il a tenté d'unir les philosophies et les compréhensions passées des Grecs avec sa connaissance de l'art rococo et baroque.

Antonio Canova était considéré comme le plus grand sculpteur de son temps. Avant 1779, ses premières œuvres affichaient une sensibilité baroque tardive ou rococo qui attirait ses mécènes, les nobles vénitiens. Un tel exemple serait son Dédale et Icare Sculpture néoclassique.

Le rodage de Canova avec Gavin Hamilton

Dédale et Icare d'Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

En 1779, Canova visite Rome pour la première fois et rencontre le peintre écossais, antiquaire et ambassadeur vénitien. Gavin Hamilton à un dîner. En juin de l'année suivante, Hamilton a vu Canova's Dédale et Icare et lui dit :

L'imagination des gens est aussi la vérité, tout comme l'image purement individuelle de la beauté est la vérité… la rencontre du naturel et du contre-nature est le moyen idéal pour véhiculer notre idée.

Les conseils complets de Hamilton à Canova étaient beaucoup plus approfondis, mais en substance, Hamilton voulait qu'il se détourne du naturalisme et recherche une forme supérieure de beauté sculpturale. Cette contribution de Hamilton est la raison pour laquelle le travail de Canova a changé à jamais et pourquoi son travail a pu s'élever comme il l'a fait.

Canova et la Apollo Belvédère : Sculpture Néoclassique

Persée avec la tête de Méduse (Perseus Triumphant) par Antonio Canova, 1800-01, via le Musée du Vatican, Rome

Après sa rencontre avec Gavin Hamilton, les œuvres ultérieures d'Antonio Canova ont commencé à dépeindre une beauté plus idéalisée, s'inspirant des œuvres d'autrefois. de Canova Persée avec la tête de Méduse s'est inspiré non seulement des descriptions des Apollo Belvédère mais aussi Bienvenue Cellini s Persée et Méduse .

Les principales caractéristiques de Canova Persée hérité de la Apollo Belvédère comprennent : un manque de musculature intense avec le même type de corps idyllique ; utilisation intensive de draperies en cascade; des poses presque identiques à l'exception de leurs capes et des objets qu'elles tiennent (elles sont le miroir l'une de l'autre) ; et leurs expressions faciales triomphantes et suffisantes.

Apollon du Belvédère copie en marbre romain du bronze grec , fin IVe s. BCE (copie en marbre du XVIIIe s.), via le Musée du Vatican, Rome

Pour mieux comprendre l'importance de la Apollo Belvédère , ci-dessous est un extrait de la description de Winkelmann de la sculpture telle qu'écrite dans Art européen du XIXe siècle (3e édition) de Petra ten-Doesschate Chu :

Parmi toutes les œuvres de l'antiquité qui ont échappé à la destruction, la statue d'Apollon est l'idéal le plus élevé de l'art… Sa stature est plus élevée que celle de l'homme et son attitude parle de grandeur dont il est rempli. Un printemps éternel… habille des charmes de la jeunesse, la virilité gracieuse des années mûries et joue avec douceur et tendresse sur la forme fière de ses membres… (p. 50).

Winkelmann a cherché à mettre en évidence le double accent mis sur les qualités sensuelles et idéales de la sculpture grecque, même s'il n'a pu voir que les copies romaines de nombreux bronzes détruits. A cette époque, aller en Grèce n'était pas possible en raison du règne du Turcs ottomans .

Les années dorées d'Antonio Canova

Thésée et le Minotaure d'Antonio Canova , 1781-1783, via le Victoria and Albert Museum, Londres

Les années dorées d'Antonio Canova étaient en effet post-Hamilton, car il a commencé à travailler selon les normes de la sculpture néoclassique tout en appliquant les idéaux grecs de beauté et de perfection célestes. La première pièce de Canova après sa rencontre avec Hamilton était Thésée et le Minotaure . Cette œuvre est considérée comme sa première véritable sculpture néoclassique avec Persée avec la tête de Méduse , qu'il a produit peu de temps après. Il est évident en regardant cette pièce que Canova a pris à cœur les conseils de Hamilton et a tenté d'évoquer à la fois la beauté naturelle et non naturelle. Cette pièce penche encore plus vers l'idée naturelle de la beauté ; cependant, cela ne va pas aussi loin que son travail Dédale et Icare .

Ainsi, Antonio Canova Persée avec la tête de Méduse peut sans doute être considéré comme le début de son âge d'or. Le sien Persée et toutes les œuvres qui ont suivi sont la façon dont il est devenu connu comme le ministre suprême de la beauté.

Psyché ravivée par le baiser de Cupidon (première version) par Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Paris

La sculpture Psyché ravivée par le baiser de Cupidon montre la véritable compréhension de Canova des mots de Hamilton et comment il développait un style pour lui-même qui commençait tout juste à apparaître dans Thésée et le Minotaure . Son travail sur cette sculpture néoclassique traduit véritablement la combinaison du naturel et du non naturel. Il permet aux corps de garder une proportion plus naturelle tandis que leurs visages, leurs cheveux et leurs mouvements émanent d'une beauté et d'un soin d'un autre monde.

Thésée et le centaure par Antonio Canova, 1810-1819, via le Kunsthistorisches Museum, Vienne

Pendant le mouvement néoclassique, le goût pour les œuvres illustrant le style rococo reste florissant. Un aspect qui caractérise le plus l'art rococo est sa nature théâtrale. Parce qu'Antonio Canova a étudié le rococo, cette sensibilité théâtrale l'a suivi dans des œuvres telles que Thésée et le centaure .

En comparaison, son Thésée et le Minotaure est différent de ce que de nombreux artistes rococo avaient fait dans le passé en ce sens qu'il montre les conséquences de la bataille au lieu de montrer la bataille elle-même. Thésée et le Minotaure affiche Thésée après avoir tué le Minotaure (comme conseillé par Hamilton), perché sur sa mise à mort, pendant un moment de réflexion. À ce moment, Thésée se rend compte qu'il a maintenant perdu son innocence et doit réfléchir à sa propre moralité. Au lieu de représenter la grandeur au combat, comme Thésée et le centaure , il y a une sombre pensivité dans la pièce.

Thésée et le Centaure (gros plan du centaure) par Antonio Canova, 1810-1819, via le Kunsthistorisches Museum, Vienne

Cette pièce, en particulier, a fait spéculer qu'il s'agissait d'une copie d'un original grec. Thésée et le centaure était si bien équilibré, en forme de triangle dans les limites du nombre d'or, tout en ayant simultanément un niveau de détail que l'on n'attendait pas nécessairement d'une sculpture néoclassique originale. Le détail sur le cheval et la nature charnue des corps faisaient que la pièce semblait impossible pour l'époque, surtout avec l'absence d'entretoise et l'harmonie générale de la sculpture. Thésée et le centaure est donc considéré comme le magnum opus de Canova et avec raison.

En fin de compte, les œuvres de Canova étaient magistrales au début de sa carrière, avec des points forts tels que Dédale et Icare . Cependant, sans la perspicacité de ceux comme Winckelmann ou les conseils de Gavin Hamilton, il ne serait pas la merveille qu'il est devenu. Antonio Canova était un véritable virtuose du métier, créant des œuvres qui peuvent sans doute être immortalisées de la même manière que les œuvres qui l'ont inspiré.