Qu’est-ce que l’appropriation dans l’art ?

L'appropriation est un terme artistique qui fait référence au remaniement d'objets et d'images préexistants pour les traduire en quelque chose de nouveau. La pratique consistant à soulever et à modifier des matières préexistantes est courante dans le monde de l’art depuis au moins le début du 20 ème siècle, avec des artistes aussi variés que Pablo Picasso , Marcel Duchamp , Hannah Hoch , et Andy Warhol tous menant des démarches variées impliquant des aspects d’appropriation. Dans certains cas, l’original n’est que très peu modifié, ce qui ouvre des débats sur le droit d’auteur et la propriété. À d’autres occasions, l’original est à peine perceptible, ayant été remanié à tel point qu’il est devenu quelque chose de complètement nouveau. Ci-dessous, nous passons en revue une brève histoire de l’appropriation dans l’art et certains des problèmes rencontrés par les artistes.

L'appropriation a commencé au cours du 20 ème Siècle

Certains des premiers exemples d’appropriation sont apparus au début du 20 ème siècle. Durant les années Picasso et Braque Phase synthétique du cubisme , ils ont introduit des objets et des matériaux trouvés dans l'art, produisant des collages superposés comprenant des extraits de journaux, des morceaux de cannage de chaise et d'autres éphémères de la vie quotidienne qu'ils ont intégrés dans leurs images multicouches et richement complexes, réfléchissant sur la nature de plus en plus fragmentée du monde moderne.

Dadaïsme

Artistes Dada a également saisi l'opportunité d'intégrer des objets ou des images trouvés dans l'art comme moyen de disséquer la vie ordinaire et de la reconstituer de manière nouvelle et étrangement troublante. Le plus profond d’entre eux était Le pionnier français Marcel Duchamp , dont les célèbres sculptures « Readymade » ont pris des objets apparemment banals allant d’un urinoir à une roue de vélo, et y ont ajouté des interventions parfois relativement mineures qui ont modifié leur objectif initial, nous invitant à les voir sous un nouveau jour.

Il a prouvé qu’une œuvre d’art pouvait être réalisée à partir d’à peu près n’importe quoi, à condition que l’intention et le concept qui la sous-tendaient soient conceptuellement valides, ce qui allait avoir de profondes répercussions dans le monde de l’art moderne. D'autres dadaïstes, dont Hannah Hoch et Kurt Schwitters, ont pris le collage dans de nouvelles directions, produisant des images richement tactiles et parfois d'une complexité fascinante. photos trouvées , des extraits de journaux ou d'anciens billets de bus et de train.

Surréalisme

Divers surréalistes ont également expérimenté la capacité de l’appropriation à produire des effets étranges et psychologiquement choquants, notamment Salvador Dalí , Max Ernst et Hans Bellmer. Dans les années suivantes, l’essai emblématique de Walter Benjamin L'œuvre d'art à l'ère de la reproduction mécanique, 1934, a eu une grande influence sur la prochaine génération d’artistes d’appropriation.

L’appropriation était une caractéristique distinctive du Pop Art

On pourrait penser à Pop Art comme un moment culminant dans l’histoire de l’appropriation, car c’est à cette époque que les artistes ont pleinement adopté l’idée que l’art pouvait être entièrement créé à partir d’images déjà présentes dans les médias de masse. Artistes néo-dada dont Jasper Johns et Robert Rauschenberg a ouvert la voie à la pop, en soulevant les motifs et les emblèmes associés à la vie quotidienne et en les reproduisant sous forme d'art. Entre-temps Roy Lichtenstein , Andy Warhol, James Rosenquist, Peter Blake, Eduardo Paolozzi et bien d'autres ont intégré des publicités dans les médias de masse, des extraits de bandes dessinées, des portraits de célébrités et d'autres sources fantaisistes dans leur art comme un commentaire sur l'afflux d'informations visuelles inondant l'attention du public dans le capitalisme d'après-guerre. boom.

Certains artistes, dont Warhol et Lichtenstein, ont plus récemment été réexaminés pour leur intégration de photographies préexistantes (dans le cas de Warhol) ou de bandes dessinées (Lichtenstein) par d'autres artistes, ce qui remet en question la frontière ténue entre appropriation et plagiat. .

La méthode a vu le jour dans les années 1980

Les années 1980 ont été une autre décennie prolifique pour l’appropriation en tant que forme d’art, comme le souligne le livre très influent de Rosalind Krauss. L'originalité de l'avant-garde et autres mythes modernistes, 1985 et celle de Roland Barthes La mort de l'auteur , 1967, qui remettent tous deux en question les notions d'authenticité et d'originalité dans le monde moderne. Tiré du travail des artistes Neo Geo Sherrie Levine et Jeff Koons , à la génération d'images les pionniers Richard Prince, Cindy Sherman et Barbara Kruger , les artistes ont continué à commenter et à disséquer conceptuellement la surabondance d’informations visuelles lancées au visage du public à l’aube de l’ère numérique.

L’appropriation est un trope populaire dans l’art contemporain

Aujourd'hui, la pratique de l'appropriation est plus vivante que jamais, alors que les artistes continuent de trouver des manières inventives d’intégrer la masse d’informations visuelles à notre portée dans des œuvres d’art interrogatives. Artiste contemporain Glenn Brown retravaille des œuvres d'art préexistantes de la Renaissance à nos jours, mais il efface toute trace d'expression, les réimaginant comme de nouveaux emblèmes aussi lisses et polis qu'un écran d'ordinateur. Le collagiste John Stezaker est plus subtil, créant des collages étranges à partir de vieilles photographies vintage découpées, qui sont reconfigurées de manière bizarre et troublante.