Qu'est-ce que le minimalisme ? Un examen du style d'art visuel

La Sculpture 2000 par Walter De Maria , 1992, via LACMA

Le minimalisme a transformé l'art moderne tel que nous le reconnaissons aujourd'hui. Largement axés sur la musique et l'esthétique depuis les années 1960, ses ancêtres sculpturaux Donald Judd, Robert Morris et Sol LeWitt ont lancé le bal pour une quête de plusieurs décennies après la libération créative. Ce survol historique détaille sa métamorphose à travers les âges.

Qui a inspiré le minimalisme ?

N° VI / Composition N° II de Piet Mondrian , 1920, via Tate, Londres

Les tendances réductionnistes du modernisme ont jeté les bases du minimalisme bien avant que le terme ne se matérialise. Bien que la ville de New York ait finalement incubé la popularité du genre au milieu du XXe siècle, ses origines remontent à 1915, lorsque l'artiste d'avant-garde Kasimir Malevich a peint son capricieux Carré noir . Avec Vladimir Tatlin, les dirigeants russes se sont particulièrement intéressés à fusionner la technologie émergente avec la vie quotidienne, en compilant des objets communs pour réduire l'art à sa forme la plus authentique. Les peintures ne servaient plus de miroirs objectifs d'une société tridimensionnelle, mais plutôt d'objets autoréférentiels, explorant les façons dont une surface pouvait surmonter ses propres limites physiques. D'autres pionniers comme l'abstraitiste hollandais Piet Mondrian, dont les peintures simples mais puissantes illuminaient la planéité entoilée, ont poursuivi cette pratique tout au long des années 1920. Les premières compositions abstraites comme la sienne N ° VI (1920) révèlent cette volonté générationnelle d'éliminer les techniques figuratives, réduisant la réalité à une série de formes géométriques.

Hommage à la place par Josef Albers , 1959, via le musée Guggenheim, New York

Ces précurseurs ont catalysé une réévaluation objective de ce que signifiait être un artiste. Cela pourrait en grande partie être attribué à l'acclamation des années 1920 de Marcel Duchamp, qui se sont battus contre l'idée que l'art ne devrait être motivé qu'émotionnellement. Il croyait que tout art révolutionnaire devrait forcer les spectateurs à interroger davantage les systèmes de pouvoir, découvrant ainsi un sens plus profond. En 1937, le sculpteur proto-minimaliste Constantin Brancusi a testé cette notion en voyageant en Roumanie et en érigeant son 98 pieds de haut Colonne sans fin , une tour rhombique rendant hommage aux soldats locaux tombés. Le peintre Josef Albers a ensuite cimenté les idées minimalistes dans l'enseignement de l'art moderne en mettant l'accent sur la profondeur picturale illusoire tout au long de sa carrière au Black Mountain College. Le sien Hommage au carré (1950) illustre ces principes clés à travers des couleurs, des formes et des ombres contrastées, ancrées dans des études de conception empiriques. Emboîtant le pas, les peintres Color Field Ad Reinhardt et Marc Rothko bientôt le fer de lance d'un autre nouveau style visuel, mettant l'accent sur la simplicité esthétique et les palettes pigmentées.

Quand le minimalisme a-t-il commencé ?

Vue d'installation de 16 Américains par Soichi Sunami , 1959, via le MoMA, New York

Les minimalistes originaux avaient l'intention de produire des représentations encore plus littérales du monde qui les entoure. Considérant que l'art ne doit se référer qu'à lui-même, beaucoup sont passés de la peinture picturale à la sculpture ou à l'impression afin d'améliorer leurs techniques. Frank Stella, généralement considéré comme le premier minimaliste américain, fait irruption sur la scène new-yorkaise avec un fracas de tonnerre en 1959 grâce à son célèbre Peintures noires. Présenté au séminal du MoMA 16 Américains exposition, cette série de toiles rayées tendues sur des châssis en bois déchiquetés, juxtaposant des précédents de Willem de Kooning et Franz Kline. Absente de toute marque humaine, l'abstraction de Stella a également assumé les caractéristiques de son espace donné tout en restant entièrement plate, impassible et audacieuse, dépourvue de prise de décision subjective. Il a obtenu ces peintures noires de base négligemment mais avec conviction, professant leur objectivité fièrement. Son emblématique 1964 Devis a ensuite évolué en un mantra théorique pour les minimalistes du monde entier : ce que vous voyez est ce que vous voyez.

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L'exposition de la galerie verte de 1964

Sans titre par Donald Judd , 1963, via la Fondation Judd, New York

Au cours de l'année, une gamme créative visionnaire s'est épanouie à la Green Gallery de New York. Le conservateur Richard Bellamy a coordonné une série d'expositions cruciales Nouveau travail pour défiler les voix montantes à travers une variété de médias. Construit à partir de contreplaqué commercial, Robert Morris brandit son Sans titre (pièce d'angle) (1964), encadrant l'espace d'un nouveau point de vue. Entre-temps, Et Flavine dévoilait ses légendaires situations fluorescentes, dont la réaction à des matériaux usuels éprouvés pouvait infiltrer avec éloquence la haute société. Flavin's or, rose et rouge, rouge (1964), la toute première pièce au sol du minimaliste, se tenait parmi d'autres œuvres d'art électriques exposées. Rageur Donald Judd a également fait ses débuts en tant que sculpteur sérieux ici moins d'un an plus tôt avec son saisissant Sans titre (1963) , mettant en vedette dans un total de cinq spectacles tout au long de sa brève occupation. Malgré leur mélange chez Green, cependant, aucun de ces pionniers ne s'est réellement qualifié de minimaliste. D'éminents universitaires se sont engagés à concevoir un nouveau vocabulaire pour décrire ce mouvement monumental.

Essais publiés sur le minimalisme

Une et trois chaises par Joseph Kosuth , 1965, via le MoMA, New York

Les essais critiques publiés au milieu des années 1960 ont finalement établi un paradigme minimaliste répandu. En 1965, Donald Judd publie son traité Objets spécifiques , tout au long de laquelle il a en fait rejeté la dénomination de minimalisme. Au lieu de cela, il a soutenu que le genre devrait être reconnu comme des objets spécifiques, donc une catégorie artistique difficile à classer comme uniquement la peinture ou la sculpture. Habituellement, les minimalistes ont fusionné ces deux médiums de manière oblique, renversant les conventions européennes traditionnelles en faveur de phénoménologie . (Cette étude philosophique a pesé l'expérience subjective sur la vérité objective, soulignant comment les réponses à une œuvre d'art varient selon les contextes.) La plupart se sont également concentrées sur la reproduction aussi fidèle que possible d'objets tridimensionnels, en éradiquant la paternité grâce à des outils industriels et à des configurations volumineuses et non conformistes. En raison de cette préoccupation accrue pour la conception par opposition à la procédure, le minimalisme a également émergé en accord avec Art conceptuel. Jalons comme celui de Joseph Kosuth Une et trois chaises (1965) a proclamé la question de la décennie : est-ce de l'art, un objet ou ni l'un ni l'autre ?

Ouvrages primaires Au Musée Juif

Vue d'installation des structures primaires : jeunes sculpteurs américains et britanniques , 1966, via le Musée juif, New York

Le minimalisme a connu son apogée en 1966. Cette année-là, le Musée juif a accueilli Ouvrages primaires, une vitrine à succès de plus de 40 artistes de premier plan. Organisée en dix espaces de galerie séparés par un passage souterrain, l'exposition a également reçu un succès médiatique positif dès le début de son mandat. Des murs soigneusement organisés présentaient les productions récentes du relativement éminent Tony Smith aux côtés de Sol LeWitt, qui a dévoilé son Sans titre (1966) , une sculpture au sol en bois prophétisant son œuvre ultérieure. Ouvrages primaires a également lancé des créatifs en herbe comme Anne Truitt sous les projecteurs avec Jardin de la mer (1964) , connue plus tard pour ses installations à grande échelle. Des peintures à la pointe du Minimalisme et du Color-Field, comme celles d'Ellsworth Kelly Disque bleu (1963), a également fait une apparition. En faisant cela, Ouvrages primaires a permuté à jamais l'idée d'un espace de galerie, mettant au premier plan un concept cohérent plutôt que d'examiner ses parties individuelles. L'artiste idéal ne se contentait plus de créer. Désormais, ces rêveurs se lancent dans le design.

Peinture systémique Au Guggenheim

Lawrence Alloway installant la peinture systémique , 1966, via le musée Guggenheim, New York

D'autres institutions ont rapidement imité cette tradition. En septembre 1966, le Guggenheim célébrait Peinture systémique , une coalescence de formes d'art américaines comme Hard-Edge et des toiles façonnées. L'abstraction géométrique a eu la préférence lors de cette présentation des meilleurs talents de New York, même si une description du minimalisme manquait dans son catalogue. Quelle que soit la pertinence de cette décision, les artistes exposés semblaient incontestablement minimalistes. de Neil Williams Habitudes vestimentaires de Billy Bo (1966) suspendu perpendiculairement à celui de Frank Stella Wolfeboro IV (1966) dans la High Gallery, deux joyaux parmi une programmation interdépendante. Les espaces d'exposition occidentaux changeaient également généralement à cette époque, les musées classiques élargissant leurs fonctions. salles d'art, une version allemande d'un espace de galerie contemporain, a commencé à apparaître dans toute l'Europe, enrégimentée en fonction de la rotation. Des coopératives comme L'espace des artistes de New York des plates-formes continuellement fournies aux innovateurs pour exprimer des hypothèses uniques. Les critiques qui en ont résulté ont été ravies, faisant progresser la perception du public de ce que le minimalisme pourrait vraiment devenir.

Un virage vers le post-minimalisme

Sans titre (Poutres en L) par Robert Morris , 1965, via le Whitney Museum, New York

À la fin des années 1960, le minimalisme a divergé en théories disparates. Robert Morris a ouvert la voie avec Notes sur la sculpture 1-3 , ses essais de 1966 dénotant un cadre formel pour les pairs à poursuivre. Il a notamment évalué Gestaltisme, qui postule qu'un tout ordonné est supérieur à la somme de ses composants. Morris a pleinement articulé cette implication en insistant sur les parties liées ensemble [pour] créer une résistance maximale à la séparation perceptive, ne nécessitant aucune unité régularisée ou intervalle symétrique. Testant cette prémisse plus tôt, il avait actualisé sa sculpture la plus remarquable à ce jour, (Sans titre) (Poutres en L). Trois polyèdres identiques en forme de L équilibrés dans des positions distinctes, dépendant les uns des autres tout en trompant les spectateurs pour qu'ils perçoivent différentes tailles. (Il avait un assemblage différent à chaque fois.) Plus tard, il postulera également comment un arrangement de pièces est un aspect littéral de l'existence physique de la chose. Cette attirance accrue pour les matériaux sans compromis a ouvert la voie à ce que l'on appellera plus tard le post-minimalisme.

Cube enterré contenant un objet d'importance mais peu de valeur par Sol LeWitt , 1968, via The No Show Museum, Zürich

Alors que le minimalisme fleurissait dans une autre phase, ses disciples ont révélé ses racines. Sol LeWitt a poussé le modèle de Morris plus loin en 1967 lorsqu'il a fait circuler son essai Paragraphes sur l'art conceptuel. Considéré par la plupart comme le manifeste officiel du mouvement, il a affirmé que ce à quoi ressemble l'œuvre d'art n'est pas trop important. Au contraire, LeWitt croyait que peu importe la forme qu'il pourrait avoir finalement, il doit commencer par une idée, proclamant par la présente que c'est le processus de conception et de réalisation qui concerne l'artiste. Ces principes l'ont suivi tout au long de sa carrière mémorable de quarante ans, cependant, il a affirmé abandonner complètement le minimalisme en 1968. Pour marquer ses adieux, il a ensuite composé Cube enterré contenant un objet d'importance mais peu de valeur , littéralement enterrer un cube dans un jardin local. Aujourd'hui, il ne reste que des photographies de cet événement éphémère, annonciateur de la disparition d'une époque révolue. LeWitt l'a baptisé la position de la mort de l'auteur.

Une nouvelle génération de post-minimalistes

Jetée en spirale par Robert Smithson , 1970, via la Fondation Holt Smithson, Santa Fe

Au début des années 1970, le minimalisme s'est transformé en plusieurs ramifications d'artistes distinctes. Les ancêtres Judd et Morris ont inspiré l'artiste Process Richard Serre, dont la sculpture in situ Décalage (1972) démontre une curiosité post-minimaliste en mélangeant les conventions extérieures et intérieures. Bien qu'il s'agisse de sa toute première incursion dans la nature, il n'a pas entièrement inventé la roue. Compatriote Robert Smithson compilé Jetée en spirale deux ans plus tôt, une structure en forme de tourbillon faite de six mille tonnes de roches noires. D'autres artistes de la terre, comme Walter De Maria, ont également sauté dans ce train en marche. Pendant ce temps, le naissant Bruce Nauman a rendu hommage à Flavin en jouant sur des installations lumineuses extérieures avec son néon La Pitch (1972) . Cependant, tous les critiques ne se sont pas réjouis de cette mode créative. L'historien Michael Fried a écrit une analyse cinglante pour Forum artistique à la fin des années 1960 , accusant les minimalistes de pousser l'idéologie plutôt que l'art. Tout en reconnaissant son importance, Fried a également évité la théâtralité inhérente au minimalisme. Un règlement de compte nécessaire pointait à l'horizon.

Une révolution féministe dans l'art

Seul nous sommes impuissants Ensemble nous sommes forts par See Red Women’s Workshop , 1976, via le Victoria and Albert Museum, Londres

Une rébellion a rapidement éclaté en 1974. La promotion d'une exposition à La galerie Leo Castelli , un Robert Morris nu, le torse bombé couvert de chaînes en or, photographié portant un casque de l'époque nazie. Les manifestants qui participaient auparavant au mouvement des droits civiques ont pris ombrage à juste titre de ce portrait préjugé, appelant au rappel de l'image. Notamment, de nombreuses objectrices étaient des femmes qui ont ensuite pivoté pour se concentrer sur la question plus large de l'égalité des sexes et de l'égalité raciale. Ce qui s'en est suivi ne peut être décrit que comme un effet domino phénoménal, bouleversant tous les recoins de l'industrie contemporaine. Artistes féminines qui se sont alignées sur la deuxième vague américaine du féminisme descendu dans la rue aux galeries de piquetage ou musées soupçonnés de promouvoir des pratiques injustes. Bientôt, des têtes de mât entièrement féminines ont fondé des magazines tels que Hérésies, et des dissertations comme celle de Linda Nochlin Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes fait le tour du monde. Des dépliants féministes déclarant ensemble nous sommes forts ont peint un avenir riche de diversité.

Le dîner par Judy Chicago , 1974, via le Brooklyn Museum

Avant longtemps, ce courage féministe s'est manifesté dans les arts. Vanguards a fait campagne contre le domaine post-minimaliste dominé par les hommes en visant à détrôner Puissance déséquilibres et brutalités. Judy Chicago a dirigé cette poursuite avec Le dîner (1974) , une sculpture en céramique représentant un banquet cérémoniel. Ici, des calices en or et de la porcelaine peinte en porcelaine côtoient des napperons représentant des femmes éminentes de l'histoire, réorientant la sphère domestique stéréotypée. (Chicago a mis en place le Atelier studio féministe et Le bâtiment des femmes aussi.) Les compositions artisanales, artisanales et symboliques sont également nées d'un désir de renverser le statu quo. Lynda Benglis a simultanément expérimenté la coulée de résine pour fabriquer Manger de la viande (1975) , tandis que Eva Hesse obtenu un gain similaire grâce au latex, à la fibre de verre et au plastique. Nancy Graves a brandi des morceaux de peau et d'os d'animaux dans sa série estimée Chameaux (1968) et Hors de fossiles (1977), des sculptures si réalistes qu'elles en sont presque étranges. Des efforts accrus pour déconstruire le monolithe minimaliste ont eu lieu au cours des décennies à venir.

Minimalisme au cours des dernières années

Sans titre par Donald Judd , 1991, via le MoMA, New York

Pourtant, les jeunes minimalistes ne sont pas complètement tombés du radar. Judd a travaillé jusqu'à sa mort en 1994, amplifiant son utilisation d'outils non conventionnels à la fois en aluminium et en émail. Dans Sans titre (1980) , il a régénéré un motif de pile antérieur à travers l'acier, l'aluminium et le plexiglas, en soignant soigneusement chaque détail. Ensuite, Judd a disposé cinq colonnes colorées dans sa sculpture de sol en émail Sans titre (1991), effacement des traces d'un point focal compositionnel. Walter De Maria installé La Sculpture 2000 un an plus tard à Zurich, positionnant deux mille tiges de plâtre polygonales à travers le Kunsthaus. LeWitt s'est ensuite tourné vers des dessins griffonnés comme Dessin mural #1268 (2005), rendu directement sur un mur de galerie pour ressembler à une sculpture. Bien que Morris ait changé de travail figuratif dans les années 1970, il est inévitablement revenu à la sculpture avec Porte de bronze (2005), un arc en acier cor-ten divisant un pavillon de jardin en Italie. Il a commémoré une dernière Afficher à la galerie Leo Castelli avant de décéder en 2018.

Le minimalisme dans l'art visuel aujourd'hui

Dessin mural #1268 par Sol LeWitt , 2005, via la galerie d'art Albright-Knox, Buffalo

Aujourd'hui, le minimalisme est le plus souvent utilisé comme un mot familier pour désigner la simplicité. Réduit à l'essentiel, les séquelles du genre s'étendent de la décoration intérieure aux automobiles, au cinéma et même à l'écriture. Dans la sphère artistique, cependant, le minimalisme évoque indéniablement les souvenirs d'une époque radicale de l'histoire humaine, un combat en avant pour la liberté que beaucoup se battent encore aujourd'hui. Aussi involontaire que cela ait pu être, cela a inauguré une ère artistique plus démocratique, une ère où les femmes, les personnes de couleur et d'autres groupes marginalisés pouvaient en fait s'offrir une place à la table. Le minimalisme a également fait tomber les barrières entre les médias typiques tout en révolutionnant simultanément l'expérience de l'artiste et du spectateur. Ce faisant, ses successeurs ont effectivement démantelé la hiérarchie artistique dominante de l'Amérique d'après-guerre, autrefois commandée par le critique influent Clément Greenberg. Ces ramifications ne peuvent jamais être inversées. Mais pour ces minimalistes renégats qui ont cherché une insurrection initiale dans les années 1960, c'est peut-être exactement le point.