Art et mode : 9 robes célèbres en peinture qui ont fait progresser le style féminin

Portrait de Madame X par John Singer Sargent, 1883-84 (à gauche) ; avec La Musicienne par Tamara de Lempicka, 1929 (au centre) ; et Symphonie en blanc n°1 : La fille blanche par James McNeill Whistler, 1862 (à droite)

Pour ces femmes, tout, depuis leur richesse, leur caractère et leurs positions politiques/sociétales, est devenu révélateur de qui elles étaient basées sur ces peintures. Qu'ils le sachent ou non, ils ont influencé les tendances de la mode, outragé les critiques et utilisé la mode pour se présenter au monde qui les entoure. Ci-dessous, neuf peintures avec des robes célèbres qui vont de la De la Renaissance jusqu'aux temps modernes .

Peintures de la Renaissance avec des robes célèbres

La Renaissance fut une période de renouveau culturel et artistique, comme le classicisme fait un retour révolutionnaire dans les sociétés européennes . Cependant, cette période a également vu des changements importants dans la mode; Découvrez comment les robes célèbres des peintures ont influencé la mode à la Renaissance.

Le portrait d'Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck

Le portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck , 1434, via la National Gallery, Londres

Jan van Eyck s Portrait de mariage Arnolfini est un incontournable dans l'étude du tissu dans le portrait. La technique de Van Eyck ne laisse rien à l'imagination car son approche de la peinture sur tissu crée une expérience réaliste et tridimensionnelle. Le vert émeraude aux tons de bijoux de son vêtement en laine et ses manches doublées d'hermine met en valeur le statut des familles, car seuls les clients fortunés pouvaient se permettre les tissus illustrés ci-dessus.

La laine, la soie, le velours et la fourrure étaient rares et plus chers à produire que le coton ou le lin, et étaient un symbole de statut de ce que l'on pouvait se permettre d'acheter. Cela montre également la richesse de son mari car cela montre qu'il pouvait se permettre d'acheter de nombreux mètres de tissu pour créer sa robe. L'une des questions les plus débattues autour de la peinture est de savoir si la femme représentée (probablement la femme d'Arnolfini) est enceinte ou non. Les jupes de la Renaissance étaient si amples et lourdes que les femmes soulevaient leurs jupes pour qu'il soit plus facile de bouger.

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Les Très Riches Heures du Duc de Berry April par Les Frères Limbourg , 1412-16, au Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (à gauche) ; avec Les Très Riches Heures du Duc de Berry The Garden of Eden par le Frères Limbourg , 1411-16, au Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (à droite)

Les plis voluptueux ajoutés de sa robe révèlent également une tendance à représenter des femmes avec des sections médianes plus courbes, car cela montrait l'espoir de concevoir des enfants pendant le mariage. Un autre exemple est celui des frères Limbourg. Les Très Riches Heures du Duc de Berry. Dans les deux images, les femmes sont représentées avec des ventres plus ronds. L'image de gauche représente un mariage et est comparable au portrait d'Arnolfini car les deux femmes projettent l'image de la maternité dans l'attente d'une grossesse. Sans regarder la peinture avec une lentille moderne, on peut voir cela comme un enregistrement de ce que les femmes portaient et de ce qu'il était important que les gens révèlent aux autres.

Peintures baroques et rococo

La baroque et rococo les périodes peuvent être caractérisées par une décoration élaborée, la décadence et l'espièglerie. Ces tendances ont été observées non seulement dans l'art mais aussi dans la mode à travers des ornements complexes et des robes somptueuses. Jetez un œil à quelques-unes des célèbres robes inspirées d'œuvres d'art.

Elizabeth Clarke Freake (Mme John Freake) et Bébé Marie (1674)

Elizabeth Clarke Freake (Mme John Freake) et Bébé Marie par un artiste inconnu , 1674, Musée d'art de Worcester

L'attention portée par cet artiste inconnu aux détails et à l'attention portée aux vêtements est ce qui fait de cette peinture un témoignage important de la vie de Puritains de la Nouvelle-Angleterre . Dans cette image, Elizabeth est parée de tissus et d'accessoires raffinés de l'Amérique des années 1600. Son col en dentelle blanche est révélateur de la dentelle européenne populaire que l'on trouve chez les femmes aristocratiques. Un jupon en velours brodé doré culmine à sa robe et ses manches sont décorées de rubans. Elle est ornée de bijoux du collier de perles, de la bague en or et du bracelet en grenat. Cette peinture offre un regard unique sur la vie puritaine d'Elizabeth et de sa famille.

L'artiste est capable de mêler des images de leur richesse dans un cadre modeste. La peinture démontre clairement la richesse d'Elizabeth alors qu'elle choisit de porter ses meilleurs vêtements et bijoux. Cela reflète également la richesse de son mari, John Freake, de pouvoir s'offrir ce luxe et de commander ce portrait ainsi que l'un des siens. La peinture signifierait également leur attitude puritaine de gratitude envers Dieu, car sans sa bénédiction, ils ne pourraient pas avoir ces luxes.

La balançoire (1767) by Jean-Honore Fragonard

La balançoire by Jean-Honore Fragonard , 1767, via la Wallace Collection, Londres

Jean-Honore Fragonard s La balançoire est un exemple du style rococo dans les cercles aristocratiques français. La peinture était une commande privée où un courtisan français a demandé à Fragonard de créer cette peinture de lui-même et de sa maîtresse. Alors que le tableau était placé à huis clos, il révèle le luxe, la frivolité et la clandestinité de la cour royale française.

La robe rose pastel se détache dans le jardin luxuriant et constitue le point central de la pièce. Fragonard peint la robe avec des coups de pinceau lâches qui imitent les jupes amples et le corsage à volants de sa robe. Son coup de pinceau lâche coïncide avec son sujet de cette scène de jardin idyllique remplie d'images coquettes et fantaisistes. Avec toutes les constrictions des corsets, des agitations et des enceintes de vêtements féminins, le seul endroit qui n'en avait pas était l'ourlet inférieur d'une jupe pour femme. Fragonard a utilisé cela à son avantage en dépeignant la femme se balançant à l'endroit idéal pour que son amant puisse regarder sa jupe. La commande privée a permis à Fragonard d'expérimenter son sujet et a permis aux téléspectateurs de découvrir à quoi aurait ressemblé la vie des personnes les plus riches à la cour.

Robe à la Française, a gown from 18th-century France , 1770, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Sa peinture présente également les tendances établies à la cour de France pour la mode. Le rococo a transcendé la mode, l'art et l'architecture pour créer quelque chose d'unique français. La mode rococo comprenait les tissus les plus luxueux, notamment les soies, les velours, les dentelles et les motifs floraux aux couleurs pastel. Il comprenait également une quantité excessive d'arcs, de bijoux, de volants et d'ornements décoratifs pour créer des looks qui feront tourner les têtes à la cour. Le style définissait la différence entre les pauvres et les riches car l'aristocratie pouvait se permettre le luxe de tissus fins et de parures. Pour les femmes portant de telles parures rococo, la peinture est la quintessence de la cour royale française avant la révolution.

Robes célèbres dans les peintures du XIXe siècle

Le 19ème siècle a vu un changement artistique de Néo-classisme dans le modernisme précoce, laissant la place aux styles et aux écoles de pensée. Ce siècle a également vu des changements dans la mode; lisez la suite pour voir comment les peintures ont influencé l'introduction de robes et de styles célèbres qui étaient nettement plus modernes qu'auparavant.

Symphonie en blanc n°1 : La fille blanche (1862) de James McNeill Whistler

Symphonie en blanc n°1 : La fille blanche de James McNeill Whistler , 1862, via la National Gallery of Art, Washington DC

L'art pour l'art est devenu lié à Symphonie en blanc n°1 : La fille blanche comme James McNeil Whistler voulait que la peinture ait une signification spirituelle. Les critiques, cependant, ne l'ont pas vu de cette façon car la femme représentée est Joanna Hiffernan (sa maîtresse à l'époque). Plus important encore, c'est le vêtement que Whistler a choisi pour peindre Hiffernan qui a scellé l'affaire et fait ressortir cette robe parmi ses autres peintures.

Ce portrait était scandaleux à l'époque à cause de la représentation par Whistler de la robe blanche pure des femmes. Au cours des années 1800, la tenue vestimentaire d'une femme comprenait souvent un cage crinoline jupon en acier pour maintenir leurs jupes à flot. Les femmes portaient également des corsets parmi de nombreux autres sous-vêtements pour pouvoir créer des jupes plus larges.

La femme en blanc est l'exact opposé de cette norme vestimentaire respectable à l'époque. Sa robe de thé est un vêtement que seul son mari (ou amant) serait autorisé à voir car il pourrait être facilement enlevé. C'était une robe de jour portée en privé et ne deviendrait pas plus populaire avant le début des années 1900 pour un usage quotidien.

Pour Whistler, sa muse était censée faire partie d'une scène globale agréable à regarder. Il a dépeint Hiffernan telle qu'il la voyait et pour les téléspectateurs de l'époque, la peinture était à la fois déroutante et un peu indécente.

Portrait de Mlle Lloyd (1876) et Juillet : Spécimen d'un portrait (1878) de James Tissot

Portrait de Mlle Lloyd de James Tissot , 1876, via The Tate, Londres (à gauche) ; avec Juillet : Spécimen d'un portrait de James Tissot , 1878, via le Cleveland Museum of Art (à droite)

Jacques Tissot a créé de nombreuses peintures représentant la mode féminine à la fin des années 1800. Il était en avance sur la mode européenne et est bien connu pour peindre ses sujets avec les dernières tendances de la mode. La mode féminine a commencé à prendre un tournant parmi les jeunes femmes à Paris et à Londres à la fin des années 1800. Les jupes larges et lourdes de leurs prédécesseurs victoriens ont été remplacées par des jupes plus étroites et des agitations pleines à l'arrière. Ce qui distingue cette robe particulière, c'est son utilisation continue par Tissot dans ses peintures. Tissot l'utilise dans un autre de ses tableaux La Galerie du HMS Calcutta (Portsmouth) et dans les trois il l'utilise dans des contextes complètement différents.

Mlle Lloyd à gauche porte la robe telle qu'elle serait portée dans la société. Cette robe aurait été à la mode à l'époque car la taille serrée et la silhouette en sablier sont accentuées par sa robe. Les lignes droites de sa robe montrent également la rigidité de sa pose contrairement au portrait de droite.

A droite, un portrait de Kathleen Newton (sa compagne de l'époque) vue dans un cadre intimiste pendant les mois d'été. Par rapport au premier portrait, tout dans la façon dont il a dépeint la robe respire la langueur et la séduction. Newton est vue allongée sur un canapé et sa robe semble échevelée et défaite. Ses jupes coulent librement sur le canapé et divers nœuds et fermoirs sont détachés.

Les deux femmes ont leur propre charme et mystère qui les entourent. La robe elle-même signifie les différences de culture populaire à son époque. L'un est traditionnel et conventionnel tandis que l'autre est manifestement intime mais scandaleux pour les téléspectateurs des années 1800.

Portrait de Madame X (1883) de John Singer Sargent

Portrait de Madame X par John Singer Sargent , 1883-84, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Celui qui se tient devant Madame X est interloquée par la stature et l'éclat de son portrait. John Singer Sargent a créé une image d'une femme qui, alors qu'elle était inacceptable pour son époque, est devenue l'une de ses peintures les plus reconnaissables et les plus vénérées. C'est un portrait de Madame Pierre Gautreau, une beauté américaine métissée dans la haute société française. Cela créa un tel scandale que John Singer Sargent lui-même dut quitter Paris pour Londres.

Alors que des robes similaires aux siennes auraient été portées comme costumes ou pour des fêtes, elles n'étaient pas usées dans la société de tous les jours. Il y a certains détails qui rendent cette robe si scandaleuse. Son corset est extrêmement pointu vers la moitié inférieure de son abdomen. Le décolleté en V plongeant et les bretelles perlées couvrent à peine ses épaules et exposent ce qui était considéré comme des parties intimes d'une femme, donc inapproprié à montrer en public.

Robe de soirée conçu par Hoschedé Rebours , 1885, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Après que Sargent eut soumis le tableau au Salon de Paris de 1884, il souleva l'indignation des critiques et des spectateurs. Cela a suscité la controverse pour une femme mariée de sa classe d'être vue en public d'une manière aussi provocante. Pour les téléspectateurs du Salon, il semblait qu'elle portait des sous-vêtements plutôt qu'une vraie robe. La peinture était préjudiciable à Mme. La réputation de Gautreau en tant que personnes a vu son portrait comme le reflet d'une personnalité salace.

À l'origine, il n'était pas censé être une traduction littérale de Mme. Le personnage de Gautreau. Sargent lui-même a choisi la robe et sa posture, et les accessoires ressemblent à l'ancien Statues romaines faisant allusion à Diane, déesse de la chasse et de la lune . Cette création nuirait à leurs deux réputations. Sargent a finalement retiré son nom du portrait, le renommant Madame X .

Robes célèbres dans les peintures du XXe siècle

L'art au 20ème siècle axé sur l'abstraction et l'expression, subissant des changements importants avec de nouveaux styles et thèmes. Cela a également entraîné l'exploration de nouvelles formes et synthèses de la mode et de l'art . Voici des robes célèbres vues dans les peintures au cours du siècle innovant.

Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I (1907) Par Gustave Klimt

Adèle Bloch-Bauer I de Gustav Klimt , 1907, via New Gallery, New York

La robe dorée d'Adele Bloch-Bauer montre Gustave Klimt Le portrait d'une femme libre du monde qui l'entoure. Comparé à d'autres portraits de dames de la haute société de son temps, ce portrait se démarque des autres. Au lieu de peindre une femme de la classe supérieure se prélassant dans des jardins ou lisant sur des canapés, Klimt transforme Adele en une figure d'un autre monde. Sa robe est une figure tourbillonnante remplie de triangles, d'yeux, de rectangles et d'iconographie. Il n'y a aucun signe de corsets à lacets droits ou de couches superposées de vêtements. Au lieu de cela, elle est illustrée aussi désinhibée qu'elle flotte dans son monde d'or. Art Nouveau contient des thèmes de la nature et des images mythiques. Cela concerne également la mode bohème que Klimt portait lui-même et utilisait dans divers autres tableaux.

Emilie Flöge et Gustav Klimt dans le jardin de la Villa Oleander à Kammer sur le lac Attersee , 1908, via Le Musée Léopold, Vienne

Klimt a souvent peint des motifs créés par le créateur de mode Emilie Flöge . Elle n'est pas aussi connue que ses contemporaines ou prédécesseurs dans le monde de la mode, mais elle a pris des mesures retentissantes dans la création de la mode pour les femmes de son temps. Parfois, c'était un effort de collaboration car Klimt a également utilisé ses célèbres robes dans plusieurs de ses autres peintures. Les robes de Flöge ont des silhouettes amples et des manches larges, qui n'incluent pas de corsets ou d'autres sous-vêtements restrictifs. Les œuvres de Klimt et de Flöge ont mis en avant un mode de vie bohème avec des frontières floues entre le traditionnel et le non conventionnel, comme le montre le portrait d'Adele Bloch-Bauer.

La Musicienne (1929) De Tamara Lempicka

La Musicienne de Tamara de Lempicka , 1929, via Christie's

Tamara Lempicka a créé des portraits explorant la féminité et l'indépendance dans les années 1920. La peintre art déco s'est fait connaître pour ses portraits de célébrités qui exploraient une forme stylisée et raffinée de Cubisme qui est devenu sa marque de fabrique. Ira Perrot (un ami proche et amoureux de Lempicka) est considéré comme une manifestation littérale de la musique dans La Musicienne . Ce qui distingue le tableau, c'est son rendu de la robe bleue. La technique de Lempicka consistant à projeter des ombres nettes avec sa palette de couleurs saturées donne du mouvement à la robe de sorte qu'elle semble flotter dans l'air. L'ourlet court et les plis en cascade de la robe rappellent encore La mode des années 1920 , qui marque un tournant dans la mode féminine. Les femmes portaient des robes célèbres qui montraient leurs jambes et leurs bras tout en portant des jupes plissées qui facilitaient la danse.

Lempicka s'est inspiré et a étudié les œuvres des maîtres artistes de la Renaissance et a utilisé des thèmes similaires avec une approche moderne. Traditionnellement, la couleur bleue peut être vue sur les robes de la Vierge Marie dans les peintures médiévales ou de la Renaissance. Le bleu outremer était rare et était utilisé avec parcimonie pour les peintures importantes. Ici, Lempicka n'a pas peur d'utiliser la couleur comme point focal dominant dans le portrait. C'est ce bleu, associé à son utilisation exceptionnellement forte de la peinture lisse, qui amplifie la luminosité et la grâce de sa robe fluide.

Les deux Frida (1939) De Frida Kahlo

Les deux Frida de Frida Kahlo , 1939, au Musée d'art moderne de Mexico, via Google Arts and Culture

Les textiles colorés et tissés à la main du Mexique sont liés à l'héritage de Frida Kahlo . Elle a adopté ces vêtements comme faisant partie de son héritage et les porte dans de multiples autoportraits et photographies. Les célèbres robes montrées dans Frida Kahlo Les deux Frida symbolisent ses liens avec les deux côtés de son héritage européen et mexicain.

La Frida à gauche reflète son éducation dans une famille de la classe moyenne supérieure. Son père était originaire d'Allemagne et la vie familiale de son enfance contenait des coutumes occidentales. La dentelle blanche de sa robe est symbolique du style en vogue dans la mode européenne. Cette version occidentalisée contraste avec le désir de la droite Frida d'embrasser son héritage mexicain en portant une robe traditionnelle Tehuana. Ce vêtement est quelque chose qui a été encouragé par son mari Diego Rivera , notamment dans leur lutte pour le changement dans leur pays. Cela montrait sa fierté de porter des vêtements indigènes et traditionnels du Mexique.

Les vêtements de Kahlo sont un aspect important de sa vie et de son travail. Après avoir contracté la poliomyélite lorsqu'elle était enfant, une de ses jambes était plus courte que l'autre. Ses jupes colorées sont devenues pour elle un moyen de dissimuler sa jambe d'une manière qui la protégeait des regards indiscrets. Sa garde-robe comprenait des robes Tehuana, des chemisiers huipil, des rebozos, des coiffes fleuries et des bijoux anciens. Ces vêtements sont importants à noter lorsque l'on regarde les œuvres de Kahlo, car ils sont une illustration de son amour, de sa douleur et de sa souffrance qu'elle incorpore dans son travail.