9 fois l'histoire de l'art a inspiré les créateurs de mode

Linda Evangelista dans une robe « Warhol Marilyn » de Gianni Versace, 1991 ; avec la robe The Mondrian d'Yves Saint Laurent, collection automne/hiver 1965; et une robe de la collection resort d'Alexander McQueen, 2013

Tout au long de l'histoire, la mode et l'art sont allés de pair, créant un grand mélange. De nombreux créateurs de mode ont emprunté des idées aux mouvements artistiques pour leurs collections, ce qui nous permet d'interpréter la mode comme une forme d'art. L'art nous sert principalement à exprimer des idées et des visions. Comme une ode exquise à l'histoire de l'art, voici neuf pièces d'art portables conçues par des créateurs de mode visionnaires du20ième siècle.

Madeleine Vionnet : une créatrice de mode qui a canalisé l'histoire ancienne

La Victoire ailée de Samothrace , IIe siècle av. J.-C., via le Louvre, Paris

Né dans le centre-nord de la France en 1876, Madame Vionnet était connu comme l'architecte des couturiers.Pendant son séjour à Rome, elle a été fascinée par l'art et la culture des civilisations grecque et romaine et inspirée par les déesses et les statues antiques.Sur la base de ces œuvres, elle a façonné son style esthétique et combiné des éléments de la sculpture et de l'architecture grecques pour donner une nouvelle dimension au corps féminin. Avec son talent de maître de robes drapées et coupées en biais , elle a révolutionné la mode moderne. Vionnet s'est souvent tourné vers des œuvres d'art comme la Victoire ailée de Samothrace pour ses collections créatives.

La ressemblance entre le chef-d'oeuvre dehellénistiqueart et muse de Vionnet est frappant.Le drapé profond du tissu dans le style du chiton grec crée des bandes verticales de lumière coulant le long de la figure.La sculpture a été créée en hommage à Nike, la déesse grecque de la victoire, et est admiré pour sa représentation réaliste du mouvement. La draperie fluide du design de Vionnet ressemble au mouvement du tissu gonflé qui s'accroche au corps de Nike.Les robes peuvent être comme des êtres vivants avec une âme, tout comme le corps. Comme le Victoire ailée de Samothrace , Vionnet crée des robes qui réveillent l'être humain. Le classicisme, à la fois en tant que philosophie esthétique et de conception, a permis à Vionnet de transmettre sa vision dans une harmonie géométrique.

Robe frise bas-relief par Madeleine Vionnet , photographié par George Hoyningen-Huene pour Vogue France, 1931, via Condé Nast

Vionnet était également fasciné par les mouvements artistiques modernes, tels que Cubisme . Elle a commencé à intégrer des formes géométriques dans ses créations et a développé une méthode différente pour les couper, appelée la coupe en biais. Bien sûr, Vionnet n'a jamais prétendu avoir inventé la coupe en biais, mais seulement élargi son utilisation . Alors que les femmes faisaient de grands progrès dans la lutte pour leurs droits au début du XXe siècle, Vionnet a défendu leur liberté en supprimant le corset victorien de longue durée des vêtements quotidiens des femmes. Par conséquent, elle est devenue un symbole de la femme libération de la constriction des bustiers , eta plutôt lancé de nouveaux tissus plus légers qui ont étéflottant sur les corps féminins.

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Valentino et Hieronymus Bosch

Le Jardin des délices de Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, via le musée du Prado, Madrid

Pierpaolo Piccioli est le designer principal de Valentino. Les œuvres d'art religieux du Moyen Agel'attire beaucoup.Le point de départ de son inspiration est le moment de transition du Moyen Âge à la Renaissance du Nord. Il a collaboré avec Zandra Rhodes et ensemble, ils ont conçu une collection inspirante au printemps 2017. Piccioli voulait connecter la culture punk de la fin des années 70 avec l'humanisme et l'art médiéval, alors il est allé retour à son racines et la Renaissance, s'inspirant de de Jérôme Bosch La peinture Le jardin des délices terrestres .

Le célèbre peintre néerlandais était l'un des plus remarquables représentants de la Renaissance du Nord au cours du 16ème siècle. Dans le jardin des délices que Bosch a peint avant la Réforme, l'artiste a voulu dépeindre le Ciel et la création de l'humanité, la première tentation avec Adam et Eve, et l'Enfer, anticipant les pécheurs. Dans le panneau central, des personnes semblent assouvir leurs appétits dans un monde en quête de plaisir. L'iconographie de Bosch se distingue par son originalité et sa sensualité. L'ensemble du tableau est interprété comme une allégorie du péché.

Des mannequins sur le podium du défilé Valentino printemps-été 2017 lors de la Fashion Week de Paris , 2016, Paris, via Getty Images

Dans le monde de la mode , la peinture a gagné en popularité car divers créateurs de mode ont été charmés par ses motifs. Mêlant époques et esthétisme, Piccioli réinterprété Les symboles de Bosch à travers des robes transparentes flottantes, tandis que Rhodes a créé les imprimés romantiques et les motifs brodés, avec un clin d'œil subtil à l'œuvre d'art originale. Les couleurs faisaient définitivement partie du message que les créateurs de mode voulaient transmettre. Ainsi, la collection de robes de rêve flottantes est basée sur la palette de couleurs nordiques de vert pomme, rose pâle et bleu œuf de merle.

Dolce & Gabbana et le baroque de Peter Paul Rubens

Vénus devant le miroir de Peter Paul Rubens , 1615, via les collections princières du Liechtenstein, Vienne ; avec Collection de mode Dolce & Gabbana pour l'automne/hiver 2020 photographiée par Nima Benati , via le site Nima Benati

Pierre Paul Rubens femmes magistralement peintes, ‘ avec amour, érudition et diligence .’ Il a présenté son Vénus devant le miroir comme le symbole ultime de la beauté. Rubens a exceptionnellement représenté son teint clair et ses cheveux clairs qui contrastent avec la servante à la peau foncée. La le miroir est le symbole ultime de la beauté , qui encadre la femme comme un portrait, tout en soulignant subtilement la nudité du personnage. Le miroir que Cupidon tend à la déesse révèle le reflet de Vénus, comme représentation du désir sexuel. Rubens, qui fut l'un des fondateurs de Art baroque , et son concept dans lequel les couleurs sont plus importantes que les lignes, ont influencé plusieurs créateurs de mode, dont Dolce & Gabbana. La Style baroque dévié de l'esprit de Renaissance , a abandonné le calme et la douceur, et a poursuivi à la place l'élégance, l'excitation et le mouvement.

La paix embrassant l'abondance de Peter Paul Rubens , 1634, via le Yale Center for British Art, New Haven; avec Collection de mode Dolce & Gabbana pour l'automne/hiver 2020, photographiée par Nima Benati , via le site Nima Benati

Les créateurs de modeDomenico Dolce et Stefano Gabbana a voulu créer une campagne qui exaltera le côté sensuel mais aussi romantique de la beauté féminine. Peter Paul Rubens était la source d'inspiration la plus appropriée. Les créations du duo iconique s'accordent parfaitement avec l'art du peintre flamand. Dans cette collection, les mannequins posent avec une grande noblesse, comme s'ils venaient de sauter d'un tableau de Rubens. Le décor a été conçu pour rappeler les miroirs baroques et les détails de broderie. La grâce des silhouettes et la palette de couleurs pastel mettaient parfaitement en valeur la robe rose brocart. Le choix des créateurs de mode d'inclure divers modèles a encore plus favorisé le type de corps de cette époque. Les lignes sinueuses utilisées par Dolce et Gabbana allaient à l'encontre de la discrimination des différents types de corps dans l'industrie de la mode.

Portrait d'Anne d'Autriche par Peter Paul Rubens , 1621-1625, via Rijksmuseum, Amsterdam; avec Model Lucette van Beek on Dolce & Gabbana runway, Fall 2012 , photographié par Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images

La collection féminine Automne 2012 de Dolce et Gabbana présente de nombreuses caractéristiques de l'architecture baroque italienne. Cette collection coïncide parfaitement avec les caractéristiques très ornées de la Style baroque sicilien . Les créateurs de mode se sont concentrés sur l'architecture baroque comme on le voit dans les églises catholiques de Sicile. Le point de référence était la peinture de Rubens Le Portrait d'Anne d'Autriche . En elle portrait royal , Anne d'Autriche est représentée vêtue à la mode espagnole. Anne's la robe noire est décorée , avec des bandes verticales de broderies vertes et des détails dorés. Le manchon en forme de cloche, connu sous le nom de Grande manche espagnole est aussi une signature à l'espagnole, ainsi que le col en dentelle à volants. Des robes et des capes astucieusement conçues à partir de textiles luxueux comme la dentelle et le brocart ont volé le spectacle Dolce and Gabbana.

Histoire de l'art et de la mode : le maniérisme d'El Greco et Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara par Le Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, via le Met Museum, New York

Christophe Balenciaga pourrait être décrit comme un véritable maître de la mode qui a réformé la mode féminine au XXe siècle. Né dans un petit village d'Espagne, il a transféré l'essence de l'histoire de l'art espagnole dans ses créations contemporaines. Tout au long de sa carrière, Balenciaga a été impressionné par la Renaissance espagnole . Il a souvent cherché l'inspiration dans la royauté espagnole et les membres du clergé. Balenciaga a transformé les pièces ecclésiastiques et les vêtements monastiques de l'époque en chefs-d'œuvre de la mode portable.

L'une de ses grandes inspirations fut le maniériste El Greco, également connu sous le nom de Dominikos Theotokopoulos. Regarder Le Greco Cardinal Fernando Nino de Guevara , il y a une ressemblance entre la cape du cardinal et le design de Balenciaga. Le tableau représente le cardinal espagnol Fernando Niño de Guevara, du temps du Greco à Tolède. Les idées d'El Greco sont dérivées du néoplatonisme de la Renaissance italienne, et dans ce portrait, il présente le cardinal comme le symbole de la grâce de Dieu . Le maniérisme est présent partout dans le tableau. Cela se remarque dans la silhouette allongée avec la petite tête, dans les membres gracieux mais bizarres, les couleurs intenses et le rejet des mesures et des proportions classiques.

Un modèle portant un manteau de soirée rouge par Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, via Google Arts and Culture

La passion de Balenciaga pour les vêtements historiques est évidente dans ce manteau de soirée extravagant de sa collection de 1954. Il avait la vision et la capacité de réinventer les formes dans la mode contemporaine . Le col exagéré de ce manteau reproduit le côté bouffant de la cape du Cardinal. La couleur rouge des vêtements du cardinal symbolise le sang et sa volonté de mourir pour la foi. La couleur rouge vif était considérée comme extraordinaire par le célèbre designer car il préférait souvent des combinaisons de couleurs audacieuses et des teintes vives. Sa grande innovation a été d'éliminer la taille et d'introduire des lignes fluides, des coupes simples et des manches trois-quarts. Ce faisant, Balenciaga a révolutionné la mode féminine.

Le créateur a également introduit les manches de longueur bracelet, qui permettaient aux femmes de montrer leurs bijoux. Au cours des années 1960, alors que l'introduction progressive des femmes dans l'industrie du travail se passait, Balenciaga a eu l'idée de donner du confort, de la liberté et de la fonctionnalité aux femmes qu'il habillait. Il promeut des robes amples et confortables qui contrastent avec les silhouettes moulantes de l'époque.

Alexander McQueen et le symbolisme de Gustav Klimt

Accomplissement de Gustav Klimt , 1905, via MAK – Musée des arts appliqués, Vienne ; avec Robe de la collection resort par Alexander McQueen , 2013, via le magazine Vogue

peintre autrichien, maître de Symbolisme , et fondateur de la Vienne Sécession mouvement, Gustave Klimt marqué l'histoire de l'art du XXe siècle. Ses peintures et son esthétique artistique ont longtemps été un inspiration pour les créateurs de mode . Parmi d'autres comme Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott et Christian Dior, le designer qui a directement fait référence à Klimt était Alexander McQueen. Dans la collection resort de la collection printemps/été 2013, il dessine des pièces uniques qui semblent s'inspirer de l'œuvre du peintre . En regardant la robe noire fluide avec le motif doré répété sur le dessus, une peinture spécifique pourrait venir à l'esprit. McQueen a adopté des motifs abstraits, géométriques et mosaïques dans des tons bronze et or en les incorporant dans ses créations.

En 1905, Gustav Klimt peint Accomplissement , représentation d'un couple pris dans une tendre étreinte, devenue symbole d'amour. Le peintre autrichien est célèbre pour ses peintures dorées mais aussi pour le mélange parfait d'abstraction et de couleur présent dans ces œuvres. Toutes les mosaïques ont de riches tons dorés avec des décorations kaléidoscopiques ou dérivées de la nature qui ont eu un grand impact sur la mode. Cette peinture est vibrante en raison des formes géométriques contrastées entre les vêtements des deux amants. Le vêtement de l'homme comprend des carrés noirs, blancs et gris, tandis que la robe de la femme est décorée de cercles ovales et de motifs floraux. De cette façon, Klimt magistralement illustre la différence entre masculinité et féminité .

Christian Dior, La Concepteur des rêves, Et celle de Claude Monet Peintures impressionnistes

Le jardin de l'artiste à Giverny par Claude Monet , 1900, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Le fondateur de Impressionnisme et l'un des plus grands peintres français de l'histoire de l'art, Claude Monet laissé derrière lui une grande œuvre artistique. Utilisant sa maison et son jardin à Giverny comme source d'inspiration, Monet a capturé le paysage naturel dans ses peintures. Plus précisément, dans le tableau nommé Le Jardin de l'Artiste à Giverny, il a réussi à manipuler le paysage naturel à ses besoins. Le contraste du chemin boueux brun contre la couleur vibrante des fleurs complète la scène. Le célèbre impressionniste choisissait souvent la fleur d'iris pour sa couleur violette donnant l'effet d'un soleil éclatant. Cette peinture est pleine de vie, car les fleurs fleurissent et embrassent le printemps. Les pétales de roses et de lilas, d'iris et de jasmin font partie d'un paradis coloré, rendu sur une toile blanche.

Robe Miss Dior de Christian Dior Haute Couture , 1949, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Dans le même esprit, Christian Dior , pionnier de la couture française, a marqué le monde de la mode d'une empreinte qui se fait encore sentir aujourd'hui. En 1949, il conçoit une collection Haute Couture pour la saison printemps/été. L'un des points forts de cette exposition était l'emblématique Miss Dior robe, entièrement brodée de pétales de fleurs dans différentes nuances de rose et de violet. Dior a parfaitement illustré les deux mondes de l'art et de la mode et a imité l'esthétique de Monet dans cette robe fonctionnelle. Il passait beaucoup de temps à la campagne, puisant ses collections dans son jardin à Granville , tout comme Monet l'a fait. De cette façon, il a défini l'élégant style 'Dior' , incorporant la palette de couleurs et les motifs floraux de Monet dans ses créations.

Yves Saint Laurent, Mondrian et De Stijl

Composition avec du rouge, du bleu et du jaune de Piet Mondrian, 1930, par l'intermédiaire du Kunsthaus Zurich Museum; avec La robe Mondrian d'Yves Saint Laurent , collection automne/hiver 1965, via Met Museum, New York

Mondrian a été l'un des premiers artistes à avoir peint l'art abstrait au XXe siècle. Né aux Pays-Bas en 1872, il a lancé tout un mouvement artistique appelé le Le style . Le but du mouvement était de combiner l'art moderne et la vie . Le style, également connu sous le nom de néoplasticisme, était une forme d'art abstrait dans laquelle l'utilisation uniquement de principes géométriques et de couleurs primaires, telles que le rouge, le bleu et le jaune, était combinée avec des neutres (noir, gris et blanc). Le style innovant de Mondrian au début des années 1900 a amené les créateurs de mode à reproduire ce type pur d'art abstrait. Le meilleur exemple d'une peinture de De Stijl est le Composition avec Rouge Bleu et Jaune .

En tant qu'amateur d'art, le couturier français Yves Saint Laurent a intégré les peintures de Mondrian dans ses créations de haute couture. Il s'est d'abord inspiré de Mondrian en lisant un livre sur la vie de l'artiste que sa mère lui a offert pour Noël.

Robes Mondrian au Musée d'Art Moderne par Yves Saint Laurent, 1966, via la Khan Academy

Yves Saint Laurent a même dit : ‘’Mondrian c’est la pureté, et on ne peut pas aller plus loin en peinture. Le chef-d'œuvre du XXe siècle est un Mondrian.

Le créateur a montré son appréciation de Mondrian dans sa collection d'automne 1965, connue sous le nom de Collection Mondrian . Inspiré par les lignes géométriques et les couleurs vives du peintre, il présente six robes de cocktail qui marqué son style iconique et l'ère des années soixante en général. Chacun de Robes Mondrian variaient un peu, mais ils avaient tous en commun la forme trapèze simple et la longueur sans manches aux genoux qui flattaient toutes les morphologies.

Elsa Schiaparelli et Salvador Dali

Trois jeunes femmes surréalistes tenant dans leurs bras les peaux d'un orchestre de Salvador Dalí ,1936, via le musée Dali, Saint-Pétersbourg, Floride

Né en 1890 dans une famille aristocratique basée à Rome, Elsa Schiaparelli a rapidement exprimé son amour pour le monde de la mode. Elle commencera à développer son style révolutionnaire inspiré du futurisme, dadaïste , et Surréalisme . Au fur et à mesure de sa carrière, elle lié avec des surréalistes et des dadaïstes bien connus comme Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp , et Jean Cocteau. Elle a même collaboré avec l'artiste espagnol Salvador Dali. Son absurdité esthétique et surréaliste a fait de Dali le peintre le plus célèbre du Mouvement surréaliste .

La robe aux larmes d'Elsa Schiaparelli et Salvador Dali , 1938, via Victoria and Albert Museum, Londres

Un des meilleurs collaborations dans l'histoire de la mode était celle de Dali et Elsa Schiaparelli. Cette robe a été créée avec Salvador Dalí , dans le cadre de la collection Circus de Schiaparelli de l'été 1938. La robe fait référence à la peinture de Dali, dans laquelle il représentait des femmes à la chair déchirée.

Une photographie de Salvador Dalií et Elsa Schiaparelli , vers 1949, via le musée Dalí

Pour les artistes surréalistes, la recherche de la femme idéale était vouée à l'échec , puisque l'idéal n'existait que dans leur imagination, et non dans la réalité. L'intention de Dali, cependant, n'était pas de représenter des femmes de manière réaliste, donc leurs corps ne sont pas du tout esthétiques. Schiaparelli a voulu expérimenter ce jeu de dissimulation et de dévoilement du corps, donnant l'illusion de la vulnérabilité et de l'exposition. La robe illusion de larmes a été fabriqué à partir de crêpe de soie bleu pâle et l'impression a été conçue par Dalí pour ressembler aux trois femmes de sa peinture. Les déchirures révèlent le dessous rose du tissu, avec un rose plus foncé révélé dans les trous.

Créateurs de mode et Pop Art : Gianni Versace et Andy Warhol

Marilyn Diptyque par Andy Warhol , 1962, via Tate, Londres

La Pop Art était probablement la période la plus influente pour les créateurs de mode et les artistes de l'histoire de l'art. Andy Warhol a été le pionnier d'une combinaison de culture pop et de haute couture qui a fait de lui une icône symbole du mouvement Pop Art . Dans les années soixante, Warhol a commencé à pratiquer sa technique de signature connue sous le nom de sérigraphie.

L'une de ses premières œuvres et sans doute la plus célèbre est Le diptyque de Marilyn . Pour cette œuvre, il s'est inspiré non seulement de la culture pop mais aussi de l'histoire de l'art et des peintres de l'expressionnisme abstrait. Warhol capturé les deux mondes de Marily Monroe, la vie publique de la star hollywoodienne, et la réalité tragique de Norma Jeane, la femme aux prises avec la dépression et la toxicomanie. Le diptyque renforce la vivacité à gauche, tandis qu'à droite il s'estompe dans l'obscurité et l'obscurité. Dans une tentative de présenter une société de consommation et de matérialisme , il dépeint les individus comme des produits plutôt que comme des êtres humains.

Linda Evangelista dans une robe 'Warhol Marilyn' de Gianni Versace , 1991

Le designer italien Gianni Versace avait un amitié de longue date avec Andy Warhol. Les deux hommes ont été charmés par la culture populaire. Afin de commémorer Warhol, Versace lui a dédié sa collection printemps/été 1991. L'une des robes comportait des imprimés Marilyn Monroe de Warhol. Il a incorporé des portraits sérigraphiés aux couleurs vives de Marilyn et James Dean datant des années 1960 sur des jupes et des robes longues.