25 peintures célèbres: chefs-d'œuvre conservés dans les musées

Montagne Saint-Victoire de Paul Cézanne (1887), Les Chasseurs dans la neige de Pieter Bruegel (1565), Vue de Tolède d'El Greco (1596), Les Chevaux bleus de Franz Marc (1911).

Nous apprenons des peintures célèbres, des chefs-d'œuvre, dès notre plus jeune âge. Même à cet âge, nous pouvons apprécier quelque chose de la beauté produite par la forme et la couleur. En explorant les musées et les galeries, nous découvrons notre propre goût pour la beauté, l'appréciation culturelle et notre propre considération de ce qu'est un chef-d'œuvre. Assez souvent, nos explorations nous ramènent à un chef-d'œuvre canonique que nous pouvons maintenant apprécier sous un nouveau jour, un nouvel état d'esprit ; seulement après avoir élargi notre connaissance de ce qui rend une peinture magistrale.

Voici 25 des peintures les plus célèbres des musées

25. Lamentation du Christ Par Giotto

Lamentation du Christ par Giotto, 1305, fresque, dans la chapelle des Scrovegni, Padoue

Chez Giotto Lamentation nous montre une scène magnifiquement chorégraphiée de personnes en deuil autour du corps du Christ, reflétées par les anges qui se jettent à l'agonie dans les cieux bleus. Cette scène est tirée de la fresque de Giotto réalisée à la chapelle des arènes de Padoue, en Italie. Giotto, ici, rompait avec une tradition établie de la peinture, le byzantin , et inaugurant l'aube de La Renaissance . Son utilisation du paysage, le mur de pierre, conduit le regard vers le Christ et le visage affligé de Mère Marie.

Giotto encadre le Christ par deux personnages volumineux qui nous tournent le dos, prouesse compositionnelle originale pour l'époque, et offrent cette scène divine comme quelque chose de très humain. Nous pouvons nous connecter avec les personnes en deuil grâce à ce réalisme intuitif que Giotto a introduit dans sa fresque. Giotto est à l'origine d'un nouveau langage visuel pour exprimer des scènes à signification religieuse.

24. Le jardin des délices terrestres , Détail de Enfer Par Jérôme Bosch

Le Jardin des délices (Détail : Enfer) par Jérôme Bosch , 1503-15, via le musée du Prado, Madrid

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de Jérôme Bosch Le jardin des délices terrestres est un triptyque montrant la progression du Paradis à l'Enfer. Les peintures de chaque section sont grandes et remplies de dispositifs merveilleux, surprenants et imaginatifs qui intriguent les historiens de l'art. Comme le montre ce détail, la toile regorge d'énigmes et d'une multitude de scènes qui submergent le spectateur. L'habileté de Bosch à rendre sa vision fantastique excite et choque le spectateur. Sa toile surréaliste est couverte de figures étranges qui attirent le spectateur.

L'hilarité et la terreur de l'enfer sont presque impénétrables à la faculté de sens du spectateur mais, néanmoins, nos émotions sont évoquées comme si nous comprenions. Nous savons que nous voyons l'Enfer dans toute sa gore et c'est horrible dans tous les sens du terme. Bosch a réussi à transmettre la terreur, la répulsion et l'émerveillement à travers l'incohérence.

23. Le dernier souper Par Jacopo Tintoret

Le dernier souper par Jacopo Tintoretto, 1592, dans l'église de San Giorgio Maggiore, Venise

Le Tintoret Le dernier souper montre une merveilleuse préoccupation avec les effets de la lumière dans un intérieur faiblement éclairé. Le Tintoret change la perspective habituelle de Le dernier souper pour créer une composition intéressante. On pourrait penser à Léonard de Vinci célèbre rendu avec l'utilisation de la perspective linéaire. Ici, nous sommes guidés par les illuminations de lumière : l'ombre projetée du cou d'une servante conduit notre regard directement vers Jésus-Christ.

Merveilleux, aérien, des anges émergent comme une montée de fumée pour imprégner la pièce. C'est une toile remplie de mouvement. Le Tintoret a imprégné la toile d'une beauté séduisante, arrangée par le jeu de la lumière. Le Tintoret accueille le spectateur dans une scène où la lumière du Christ consume et informe notre vision.

22. Les chasseurs dans la neige Par Pieter Bruegel

Les chasseurs dans la neige par Pieter Bruegel , 1565, via le Kunsthistorisches Museum de Vienne

Bruegel s Les chasseurs dans la neige recule bien au-delà jusqu'au village sous les hautes falaises drapées de neige. Bruegel a créé une ambiguïté autour du sentiment chaleureux de rentrer chez lui et du manque de nourriture avec lequel les chasseurs semblent être revenus. Les patineurs au loin profitent de ce que l'hiver leur a offert tandis que les chasseurs, au premier plan, accompagnés de leurs chiens de chasse décharnés, ont affronté les ravages de l'hiver.

La peinture évoque cette faculté de narration chez le spectateur ; il leur demande de comprendre la dynamique de la vie villageoise. Cependant, Bruegel n'a pas laissé cet élément dominer l'esthétique d'un village en pleine nature froide. Le blanc de la neige drape la scène avec des corbeaux solitaires perchés sur les arbres sans feuilles. La vaste étendue de l'hiver est bravée par les villageois qui s'occupent d'une flamme.

vingt-et-un. Vue de Tolède Par le Greco

Vue de Tolède par le Greco , 1596, via le Met Museum, New York

Le Greco la peinture époustouflante de Tolède est étonnamment en avance sur son temps. Les énormes nuages ​​grimpent sur la ville diffusant l'obscurité sur l'environnement. Cela crée également une toile de fond pour les bâtiments qui se dressent de manière rigide par rapport aux buissons brossés du premier plan. La rivière commence juste en dessous de notre œil dans le coin droit et nous la suivons jusqu'au pont. Il n'y a pas une personne en vue, juste les austères bâtiments en marbre accroupis sur la colline.

C'est une vue plus emblématique que réaliste de la ville. El Greco semble nous offrir une représentation symbolique de notre rapport au divin, vu à travers la nature ; les nuages ​​écrasants et la campagne fluide. On sent que les nuages ​​sont sur le point de déclencher une tempête, un pressentiment qui fait déjà ramper la ville, à flanc de colline. Ce tableau exprime magnifiquement le sens symbolique entre la ville, telle que faite par l'homme, et la puissance du Divin.

vingt. Le triomphe de Bacchus Par Diego Vélasquez

Le Triomphe de Bacchus de Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid

Dans ce tableau, Vélasquez a fusionné la figure classique de Bacchus avec le fêtard espagnol contemporain. Ce qui rend ce tableau intéressant, c'est la façon dont l'artiste joue avec l'attention du spectateur. Comme le dieu Bacchus détourne le regard, les deux hommes sourient sciemment au spectateur, heureux de participer à ce rite bachique. En fait, ces deux hommes nous rappellent des gens que nous pourrions voir dans n'importe quel pub local.

Le contraste de Velazquez entre la figure classique et les roturiers est frappant et amusant. Bacchus détourne le regard en couronnant un roturier avec la feuille de laurier ; le cadeau du vin, et la détente, est pour tout le monde. Les regards des deux hommes semblent inviter, semblent sourire et dire, tu es comme moi.

19. Le cauchemar Par Henri Fuseli

Le cauchemar par Henri Fuseli , 1781, via le Detroit Institute of Arts

La terreur d'un cauchemar s'accompagne souvent d'un poids sur le corps ; le stress qu'un rêve a infligé à l'esprit et au corps. L'image de Fuseli parvient à donner un langage visuel au tourment et au caractère incompréhensible du cauchemar . Un gremlin est assis sur le ventre de la femme, la paralysant. C'est l'heure des sorcières. Une jument noire passe la tête à travers les rideaux avec des yeux opaques. Fuseli offre au spectateur une expérience visuelle miraculeuse du cadre irrationnel d'un cauchemar.

La robe douce de la dame est tendue par le gremlin qui est assis, patient et inconnaissable dans sa quête. Il se tourne pour regarder le spectateur avec un regard étrange comme s'il lui reprochait de perturber sa mission. de Fuseli Cauchemar fait preuve d'une extraordinaire prouesse d'imagination en abordant ce sujet et en donnant vie à quelque chose que nous préférerions garder derrière le rideau.

18. Newton De William Blake

Newton par William Blake , 1805, via Tate, Londres

Blake avait un style individualisé qui s'éloignait de la Néoclassique / le romantisme de sa journée. Les images de Blake sont travaillées avec un symbolisme et une simplicité séduisante. C'est ce qui rend ses peintures si captivantes. Dans Newton , Blake parvient à montrer pourquoi il ressentait un dédain pour le grand scientifique. Newton mesure un objet semblable à un rouleau au lieu d'être conscient de la couleur derrière lui ; il est penché, mesurant, au lieu de vivre et de remarquer la beauté de la nature qu'il ne peut pas mesurer.

L'utilisation par Blake du nu classique dans un environnement insondable (certains commentateurs pensent qu'il est au fond de la mer) est une manière de représenter cette idée symbolique. Blake a mis en parallèle des formes délicates pour nous avertir de ne pas tourner le dos au hasard et au mystère de la vie. Les doigts de Newton se sont écartés comme la boussole ; ses hanches et son dos se retournent comme le parchemin ; le rouleau qu'il mesure semble couler de son propre corps, dépourvu de couleur ou d'intrigue.

17. La mort de Sardanapale Par Eugène Delacroix

Mort de Sardanapale par Eugène Delacroix , 1827, via le Louvre, Paris

Delacroix s Mort de Sardanapale crée un rythme spectaculaire dans cette peinture par son utilisation de la couleur. Le rouge riche commence dans le coin supérieur gauche et se répand en diagonale. Delacroix a utilisé cette riche couleur pour mettre en parallèle la violence qui peuple la scène. Des corps s'étalent, un homme tire un cheval richement vêtu, de somptueux bijoux envahissent le premier plan, le tout flottant sur ce fleuve rouge.

Delacroix n'a pas laissé beaucoup d'espace sans surveillance ; il l'a encombré de mouvements et de drapés pour imiter l'ambiance de la peinture. Le spectateur est absorbé par le sujet jusqu'à ce qu'il arrive au Sardanapale éponyme, allongé, regardant calmement sur le lit. Il ment en contraste frappant avec les événements du premier plan. C'est l'homme qui se suicidera après que tous ses plaisirs auront été détruits. Ce moment capté par Delacroix est à la fois poignant et séduisant.

16. Tempête de neige - Bateau à vapeur au large de l'embouchure d'un port Par J.M.W. Tourneur

Tempête de neige - Bateau à vapeur au large de l'embouchure d'un port par J.M.W. Tourneur , 1842, via Tate, Londres

Tourneur s'est avéré en avance sur son temps avec ce rendu impressionniste d'une tempête de neige. Contrairement à ses contemporains, il essayait de peindre l'impression, émotionnellement et visuellement, de ce que cela faisait d'être dans une tempête de neige. Cela l'a amené à lancer une première forme de abstraction . Le tourbillon de couleur monochromatique enveloppe le spectateur tandis qu'une brève vue de clarté ne s'attarde que précairement au milieu de la toile.

Il y a une histoire, maintenant considérée comme apocryphe, selon laquelle Turner a été attaché au mât d'un navire pendant une tempête pour expérimenter la violence de la nature. On comprend pourquoi cela aurait pu être cru. Le rendu de Turner est intuitif et dramatique, vibrant d'énergie et subsumant. C'est une composition brillante qui montre l'incapacité humaine à résister aux extrêmes de la nature.

quinze. La Pie Par Claude Monnet

La Pie de Claude Monnet , 1868, via le Musée d'Orsay, Paris

De nombreux a réussi à capturer une scène de quiétude enneigée dans ce célèbre tableau. Seules quelques maisons sont visibles parmi les branches chargées de neige; quelques pas apparaissent devant la porte. L'horizon est obscurci par la neige qui recouvre la terre, ce qui rend à peine visible le début du ciel. La scène de Monet est une belle impression qui parvient à connoter les sentiments d'une promenade solitaire par une belle journée d'hiver.

La pie se perche sur la clôture, seule forme de vie explicite dans le tableau. Il n'y a aucune raison pour que Monet l'ait peint à part le fait que cela l'ait ému. Cette scène de la nature peut nous émouvoir à cause d'un sens esthétique inhérent qui se meut à l'intérieur de nous. Monet n'a pas besoin d'atteindre une signification symbolique plus élevée parce que tout est juste devant lui.

14. La ruelle des peupliers Par Alfred Sisley

La ruelle des peupliers par Alfred Sisley , 1890, via, Musée d'Orsay, Paris

Ce rendu délicat d'une allée de peupliers dans ce célèbre tableau séduit le spectateur par son utilisation de lignes orthogonales. Sisley semble nous inviter dans l'avenue parmi les arbres clairs tachetés. Deux personnages prennent la route, oublieux de cette merveilleuse avenue que Sisley a mise à notre disposition. La couleur riche dégagée par la lumière s'assombrit progressivement vers le point de fuite.

Une rivière coule à gauche et quelques maisons sont visibles plus loin. Sisley a peint cette scène merveilleusement ambiante, inondée de lumière, d'aisance méditative. Il n'y a pas de précipitation, pas de foules effrénées d'énergie mais une promenade relaxante le long d'une allée d'arbres. Les ombres s'allongent, laissant entendre que la journée touche à sa fin, pour un temps de réflexion tranquille peut-être. Sisley a commandé sa toile avec de petits coups de pinceau délicats, et les couleurs semblent se fondre les unes dans les autres, créant un monde riche de beauté tranquille.

13. Montagne Saint-Victoire Avec Un Grand Pin Par Paul Cézanne

Montagne Saint-Victoire avec un grand pin par Paul Cézanne , 1887, via le Courtauld Institute of Art, Londres

Cézanne a merveilleusement dépeint cette scène en construisant des champs de couleur pour créer une peinture d'une profondeur incroyable. Cézanne passera beaucoup de temps à essayer de comprendre l'environnement dans lequel il peint et à essayer de comprendre comment peindre ce qu'il perçoit. Nous pouvons distinguer les formes sous la montagne comme des champs et des maisons, mais en y regardant de plus près, les éléments de chacun semblent se mélanger et se heurter.

C'est une partie de la belle esthétique de Cézanne qui donne l'impression que des formes apparaissent, comme lorsque nous traitons notre environnement pendant que nous regardons. Notre objectif s'étend pour prendre l'intégralité mais est permis de détailler les détails, au lieu de cela, nous voyons de vagues impressions et le mélange de couleurs tout autour de nous.

12. Champ de blé aux corbeaux Par Vincent Van Gogh

Champ de blé avec corbeaux de Vincent van Gogh , 1890, via le Musée Van Gogh, Amsterdam

Van Gogh a peint une scène poignante. Les corbeaux de ce célèbre tableau, à peine deux ou trois coups de pinceau, partent ou reviennent au champ de blé. Le noir de la nuit semble engloutir lentement le bleu du jour ; un chemin serpente à perte de vue. Le style de peinture de Van Gogh réussit si bien à effectuer la forme que nous savons ce que nous regardons tout en même temps les couleurs semblent exprimer plus qu'elles n'impliquent.

L'utilisation puissante de la couleur par Van Gogh et sa méthode de peinture se combinent pour produire une peinture chargée d'émotion. La noirceur qui s'infiltre dans le ciel bleu nous annonce un désastre imminent ; les corbeaux sont comme une anxiété naissante. La forte résonance émotionnelle de Van Gogh avec son sujet crée ce séduisant expressionnisme qui transforme un paysage naturel en un paysage émotionnel.

Onze. Paysage tahitien Par Paul Gauguin

Paysage tahitien de Paul Gauguin , 1891, via le Minneapolis Institute of Art

Gauguin Le célèbre tableau de , apporte un nouveau souffle à l'art de la fin du XIXe siècle. Il y a une merveilleuse mélodie créée par la couleur riche. Gauguin a réussi la chaleur d'un schéma de coloration anti-réaliste, et en ce sens, la peinture est plus réaliste pour cette touche expérimentale. Le personnage solitaire transporte des provisions tandis qu'un chien attend au bord du chemin. Le champ jaune est entrecoupé d'un riche dégradé de vert et d'orange. Les couleurs font ressortir le soleil pour le spectateur.

Gauguin en a eu assez de la France et s'est rendu à Tahiti pour revigorer son plaisir de peindre et raviver sa capacité d'expression. Nous pouvons voir ici dans cette scène de paysage vibrante que Gauguin offrait une alternative à la peinture naturelle en peignant de cette manière expressive. Le paysage n'est pas seulement esthétiquement agréable par cette nouvelle méthode, mais l'image commence à agir comme le symbole d'une expressivité libre, non entravée par un contrôle contrôlé. naturalisme .

dix. Le Nuage Rose, Antibes Par Paul Signac

Le Nuage Rose, Antibes par Paul Signac , 1916, via le Museum of Fine Arts, Boston

Signac Le style de ressemble à une mosaïque dans ses couleurs subtilement mélangées. C'est une abstraction presque parfaite de la nature tout en appartenant simultanément à cette humeur impressionniste qui sait que cette image agréable n'existera plus jamais. Le nuage de Signac est un messager du soleil ; il retient la lumière et la diffuse sur la toile dans un bel affichage. La voile unique est éclipsée par la taille, dérivant facilement dans son reflet.

de Signac pointilliste la technique place de minuscules zones de couleur les unes à côté des autres pour mettre en parallèle les dégradés de couleurs que nous voyons dans la nature ; comment notre cerveau traite l'effet de la lumière et de la couleur. Signac fige ce moment dans le temps pour le restituer comme un souvenir naturel que l'on peut avoir d'une voile solitaire.

9. Séparation Par Edvard Munch

Séparation par Edvard Munch , 1896, via le Musée Munch, Oslo

Croquer avait une capacité perçante à exprimer le drame interne non seulement de l'angoisse individuelle, mais aussi des passions qui existent entre deux individus. Dans Séparation , l'homme s'effondre en serrant son cœur qui semble avoir débordé sur sa main - il doit le maintenir en place pour rester en vie. Le symbole de la femme se transforme maintenant dans l'environnement en devenant une partie de la plage et du ciel. Ce célèbre tableau est une merveilleuse métaphore de la façon dont le souvenir de l'amour persiste dans le monde physique.

Le style de peinture de Munch met l'accent sur l'émotion intérieure et sur la façon dont cette émotion intérieure réagit avec le monde qui nous entoure. Il n'est pas nécessaire que Munch étudie la précision de la couleur ou de la forme pour qu'il affiche ce qu'il souhaite. Il a peint en aplats de couleurs, donnant au spectateur ces figures évidentes. Nous comprenons une grande partie de l'homme par seulement quelques détails du visage ; c'est plus la couleur. L'application quelque peu « imprudente » de la peinture ajoute à cette sensation de séparation directe et puissante.

8. Improvisation 28 (deuxième version) Par Vassily Kandinsky

Improvisation 28 (deuxième version) de Vassily Kandinsky , 1912, via le musée Guggenheim, New York

Kandinsky Les abstractions de ont eu une grande influence au XXe siècle. Il a présenté une qualité esthétique que la peinture n'a pas besoin d'avoir un objet pour évoquer l'émotion et la méditation. Titre de Kandinsky pour ce célèbre tableau, Improvisation, rappelle à ses spectateurs une certaine musicalité qu'il essaie d'imiter à travers la couleur et la ligne. Kandinsky devait être conscient de la création de sens inhérente à la perception. Dans Improvisation 28, on distingue des visages, des yeux, des paysages, des maisons sans aucun espace cohérent. En fait, les formes que nous voyons ne sont que des lignes et des couleurs que nous supposons être ces choses familières.

Kandinsky demande au spectateur d'apprécier la composition comme on apprécie un morceau de musique. C'est ainsi que l'on ressent un mouvement harmonique à travers une pièce, les contrastes des sections et la dynamique du son. Nous pouvons trouver la beauté aussi dans la ligne et la couleur sans aucun « sens » ou objet cohérent.

sept. Les grands chevaux bleus Par Franz Marc

Les grands chevaux bleus par Franz Marc , 1911, via le Walker Art Center, Minneapolis

François Marc La composition de est une cascade de formes. La douceur avec laquelle il compose les chevaux et se reflète dans l'environnement crée une harmonie digne de la musique. Marc y gagne beaucoup mais sa coloration anti-réaliste. Les chevaux bleus sont sereins, majestueux, presque paradisiaques. Leurs têtes rasantes évoquent un sentiment d'aisance et de confort, de repas et de convivialité. La juxtaposition des couleurs primaires rencontre le spectateur dans une expressivité réconfortante.

Franz Marc a su exprimer la sérénité de la nature sans naturalisme. Les ivoires coulent à travers la toile. Rien dans cette image ne semble choquant ou coupant. Tout coule dans cette couleur sensuelle créant une unité de forme. Cette scène simple de chevaux broutant a été transformée en une appréciation harmonieuse de la nature par l'utilisation de la couleur par Marc dans ce célèbre tableau.

6. Le voyage anxieux De Giorgio De Chirico

Le voyage anxieux par Giorgio de Chirico , 1913, via le MoMA, New York

Chirico La composition claustrophobe de déconcerte notre perspective comme un esprit anxieux accordant trop d'attention à lui-même. Cependant, le vide de ce célèbre tableau, bien que la toile soit remplie de formes, est remarquable dans son effet. De Chirico est bien connu pour son style énigmatique et ici nous pouvons voir pourquoi. Le train souffle sa fumée derrière un petit mur de briques comme s'il s'impatientait. La puissance et la vue du train sont inquiétantes, rappelant au spectateur une bête en cage.

De Chirico a été une source d'influence pour le Surréalistes qui a estimé qu'il était leur prédécesseur dans sa capacité à dépeindre les états intérieurs de l'esprit. Ses colonnades ombragées sont imprégnées de mystère, d'appréhension et de solitude. L'ordre de la toile est strict et confinant. Avec des formes architecturales, de Chirico a réussi à évoquer quelque chose de l'intérieur.

5. Dynamisme d'un cycliste Par Umberto Boccioni

Dynamisme d'un cycliste par Umberto Boccioni, 1913, Collection Peggy Guggenheim, Venise

Chez Boccioni Futuriste la peinture fait l'éloge du mouvement et de la vitesse. Il y a quelque chose de glorieux dans le cycliste qui a été abstrait dans une série de formes. Tout comme le Cubiste méthode, Boccioni joue avec la façon dont nous percevons une forme lorsqu'elle est en mouvement. Il s'agit de briser les formes strictes de l'espace rationnel pour entrer dans un nouvel espace où les formes ont été déstabilisées et merveilleuses.

Boccioni La couleur de ajoute à cette sensation de vitesse ; il crée une esthétique hors du mouvement. Le bleu en haut à droite coule rapidement vers le centre où il est compensé par des jaunes dorés. Le bleu est encore repris par le visage de l'homme, reconnu uniquement par les lignes générales. Le blanc émane des jaunes, violets et bleus pulsés, comme un train qui rejette sa fumée, bien qu'ils ne soient que des roues. Le cycliste de Boccioni est déterminé et beau, nous donnant une nouvelle appréciation visuelle de la vitesse.

Quatre. Les amoureux Par René Magritte

Les amoureux par René Magritte , 1928, via le MoMA, New York

Magritte était un maître de l'espièglerie et suit les traces de de Chirico pour son ambiguïté et ses résonances énigmatiques. Dans ce célèbre tableau, Magritte nous attire avec une peinture étrange de deux personnages, les amants, s'embrassant. Ils ne se touchent jamais parce que leurs têtes sont enveloppées dans des draps blancs. Que pouvons-nous en faire ? Nous n'avons pas besoin d'en faire quoi que ce soit, même si l'esprit y est habitué - s'agit-il de l'incapacité pour deux individus de ne jamais vraiment se voir, de se comprendre ?

Le style de peinture très réaliste de Magritte crée une occasion parfaite de perturber ce réalisme par son utilisation de l'énigme. L'image de Magritte est pleine d'humour. Le baiser, qui semble si passionné, tombe à plat pour l'affecter. Il y a une confiance dans les deux amants qui rend les draps blancs d'autant plus absurdes. Magritte aimait les énigmes de la psychologie et de la philosophie et il possédait une capacité étonnante à reproduire de telles énigmes sur une toile.

3. Guérnica Par Pablo Picasso

Guérnica de Pablo Picasso , 1937, via Musée Centre National d'Art Reina Sofía, Madrid

Picasso l'interprétation de l'attentat de 1936 contre Guérnica est un puissant symbole de destruction. Picasso s'est rendu compte que le naturalisme n'aurait pas dépeint l'expérience de la terreur aussi efficacement que sa méthode cubiste. La toile nous paraît chaotique et difficile à interpréter ; l'utilisation du monochromatisme, les formes lâches et partielles et la distorsion de la figure. Les formes sont aplaties et fragmentées à l'intérieur de ce seul bâtiment.

La réalité de la destruction a détruit un mode de représentation. Picasso estime que toute forme de naturalisme mettrait de la raison et de l'artificiel dans la toile, ce qui vicierait le sens et le pouvoir de Picasso. Le bombardement et la destruction sont la fragmentation des formes, induisant le chaos.

deux. Métamorphose de Narcisse Par Salvador Dalí

Métamorphose de Narcisse par Salvador Dalí , 1937, via Tate, Londres

La méditation de Dalí sur le Mythe de Narcisse est une image merveilleusement précise mais insaisissable. Dalí s'intéresse à la façon dont nous percevons et à ce que nous faisons de nos perceptions. Nous pouvons voir l'utilisation par Dalí de la double prise, où nous percevons un objet comme autre chose avant de réaliser ce qu'il est. Bien que, pour Dalí et les Surréalistes , ils se demanderaient quelle perception est « réelle » et ce que nous dit notre inconscient ; comment nous nous trompons.

Le style de peinture de Dalí, qu'il appellerait « photographie couleur peinte à la main », englobe à la fois la réalité et l'illusion. La figure de pierre de Narcisse se transforme en main tenant l'œuf, qui fleurit le narcisse. Dalí oppose le passage du temps à la perception, réelle ou illusoire, pour donner une nouvelle exploration visuelle du mythe de Narcisse – le mythe ayant tellement à voir avec la perception. Il s'agit de la façon dont nous nous percevons et dont les autres nous perçoivent.

1. Engoulevents Par Edward Hopper

Engoulevents par Edward Hopper , 1942, via l'Art Institute de Chicago

Trémie Le célèbre tableau d'ici rappelle celui de Chirico dans son sentiment de solitude évoqué par l'architecture. Hopper, cependant, a opté pour le réalisme pour obtenir cet effet. La grande fenêtre affiche quelques personnes la nuit sous la lumière artificielle et la rue à l'extérieur est froide, vide et sans bruit. Les deux hommes au bar semblent se refléter, une femme en rouge a l'air vide et un vieil homme s'occupe du bar.

Il y a un sentiment indéniable de stagnation. A tel point que cela déstabilise le spectateur. Hopper a élevé la barre des petits temps pour représenter quelque chose de fascinant sur la vie humaine; sur la solitude et la solitude ; sur l'attente ; sur la façon dont notre temps est passé dans la nuit solitaire. Le réalisme de Hopper apporte cette maison avec force. La vue limitée, comme saisie au passage, semble souligner cet éloignement de l'individualité.

La curiosité des peintures célèbres

Lorsque nous explorons des peintures célèbres, nous recherchons notre propre sens esthétique et comment cela reflète notre propre compréhension de nous-mêmes et du monde. On nous montre souvent des peintures célèbres qui ont été vues, dans un contexte culturel plus large, pour évoquer des sentiments de beauté et d'expérience auxquels nous pouvons tous nous identifier. Cependant, ces peintures ne se rapprochent parfois pas de nos propres sentiments du monde. Nous devons entreprendre notre propre éducation non officielle de la peinture pour trouver et apprécier notre propre langage visuel.